La rebelión de Masaniello puede considerarse un precursor de las grandes revoluciones del siglo XVIII, como la Revolución Francesa. La idea de que el pueblo tenía el derecho y el poder para levantarse contra la opresión resonó en los movimientos revolucionarios que buscaron derrocar monarquías absolutas y establecer sistemas más democráticos. Y eso hizo contra un marchenero: el Duque de Arcos. 

La rebelión de Masaniello en Nápoles (1647) tuvo un impacto significativo en la percepción de España en Europa, contribuyendo a la formación de la leyenda negra y a la imagen negativa del dominio español.

La rebelión de Masaniello evidenció la debilidad del dominio español en sus territorios italianos y contribuyó a una serie de levantamientos en otras partes del Imperio Español. Este desafío a la autoridad centralizada fue un precedente para futuras insurrecciones en Europa.

Porque el azul ultramar es el pigmento más caro de la historia y «el color de Dios»

La Leyenda Negra comenzó a tomar forma en Italia, donde la dominación española fue percibida como una era de decadencia y opresión. Las acciones de la Inquisición española y las políticas restrictivas de los gobernantes españoles alimentaron esta percepción negativa​ (Wikipedia)​​ (Wikipedia)​. Sin embargo, fue en los Países Bajos e Inglaterra donde esta narrativa encontró un terreno fértil para crecer, debido a los conflictos políticos y religiosos con la España católica.

La revuelta, liderada por Tommaso Aniello (Masaniello), surgió en un contexto de crisis económica y social, caracterizado por el descontento con el gobierno español del Duque de Arcos, Virrey de Nápoles. Aunque la revuelta fue inicialmente popular, su radicalización pronto adquirió un carácter antiespañol, culminando en la proclamación de una república en Nápoles y la invitación a un príncipe francés para que asumiera el poder al grito de «Viva el rey abajo el mal gobierno».

Era Rodrigo Ponce de León, una persona en extremo piadosa, nació a la sombra de la torre de Santa María de Marchena en 1602 y gracias a él se crearon los dos conventos de Marchena, San Andrés y Santa María a cambio del cuierpo de una beata con fama de milñañgrosa, la Madre Antigua. Además de ser virrey de Nápoles, también ocupó el cargo de virrey de Valencia. Su gobierno en Nápoles se vio marcado por la crisis económica y social que afectaba a la población, y una subida de impuestos de alimentos de primera necesidad, que culminó en la revuelta liderada por Tommaso Aniello, conocido como Masaniello, convertido en héroe popular napolitano, con el contrapunto del antihéroe o villano Rodrigo Ponce.

¿Un lienzo de Ribera en la iglesia de San Agustín de Marchena?

La revuelta estalló en respuesta a la opresión y los altos impuestos impuestos por las autoridades españolas, representadas por Ponce de León.

El Duque de Arcos salvó la vida de milagro disfrazado de fraile capuchino, es decir con la cabeza tapada, – de hecho las masas populares lo confundieron con un fraile- y por eso trajo a estos frailes a su convento de la Plaza Ducal, pegado a su Palacio de Marchena y le puso el nombre de Angeles Custodios.

Al mismo tiempo, la rebelión napolitana afectó al urbanismo de Marchena, cuando el Duque hizo desaparecer la barriada de la Puerta de Ecija, por su cercania a su Palacio Ducal y su desconfianza a las clases populares, tras la mala experiencia de Nápoles. 

La rebelión de Masaniello desempeñó un papel crucial en la percepción de España en Europa, al ser un símbolo de resistencia antiespañola y contribuir a la formación de la leyenda negra. Este evento no solo afectó la imagen de España en el contexto de su dominio en Italia, sino que también tuvo repercusiones en la política internacional y en la cultura europea, consolidando una narrativa negativa que influiría en la percepción del país durante siglos.

La figura de Masaniello ha inspirado diversas obras de arte, música, poesía y literatura a lo largo de los años. A continuación se presentan algunas manifestaciones artísticas dedicadas a él:

La calle del Moral, la calle olvidada del barrio de San Juan

Pinturas

«Masaniello» de James Edward Freeman (1837):

Esta obra es una representación notable de Masaniello, que captura su carácter y la esencia de su revuelta. Freeman es conocido por sus retratos históricos y esta pieza es un ejemplo de su trabajo en el contexto de figuras históricas.
«Masaniello Potrayed» de Aniello Falcone: Esta pintura también representa a Masaniello y es parte de la colección de arte que refleja su relevancia en la historia napolitana.

Música y Ópera

Ópera «Masaniello»: La figura de Masaniello ha sido representada en óperas, siendo una de las más destacadas «La Muette de Portici» (1828) de Daniel-François-Esprit Auber, que se basa en la revuelta de Masaniello. Esta obra es significativa porque su estreno provocó disturbios en la audiencia, lo que llevó a una revuelta en Bruselas.

Películas sobre Masaniello

«La ribellione di Masaniello» (1949): Esta película retrata la vida y la revuelta de Masaniello, explorando los eventos que llevaron a la insurrección contra el dominio español en Nápoles.
«Masaniello» (1950): Otra adaptación cinematográfica que se centra en la figura de Masaniello y su lucha por la libertad del pueblo napolitano.
«Amore e Libertà, Masaniello»: Esta película, dirigida por Angelo Antonucci, también aborda la figura de Masaniello, destacando su papel como héroe popular y la lucha contra la opresión.

La aparición en 1898 del libro «España negra» del poeta belga Emile Verhaeren, ilustrado por el artista español Darío de Regoyos, coincidió con una campaña periodística estadounidense que resucitaba el estereotipo de la «España cruel, fanática y del Santo Oficio» asociado a la leyenda negra.

Cómo una música inspirada en una rebelión contra el Duque de Arcos provocó una revolución en Bélgica

A lo largo de la historia, España ha sido tanto víctima como perpetradora del uso de la corrupción como arma de guerra. El uso de la corrupción como herramienta de desestabilización de un gobierno rival implica una serie de tácticas que pueden minar la confianza pública, debilitar instituciones y promover el caos interno. Sin embargo, emplear estas tácticas también puede tener consecuencias negativas para el país que las utiliza.

La corrupción socava la eficacia de las instituciones gubernamentales. Los funcionarios corruptos pueden priorizar sus intereses personales sobre el bien público, lo que lleva a una mala administración, ineficiencia y falta de servicios esenciales.

La corrupción mina la confianza de la población en sus líderes y en el sistema político. Cuando los ciudadanos perciben que sus gobernantes son corruptos, pierden la fe en la capacidad del gobierno para gobernar efectivamente y de manera justa.

La corrupción puede fomentar divisiones y conflictos internos. Los líderes opositores pueden utilizar la corrupción como un argumento para movilizar a sus seguidores y desestabilizar el gobierno actual.

Los funcionarios comprados pueden influir en la formulación de políticas a favor de los intereses del país que fomenta la corrupción, en detrimento de los intereses nacionales. Esto puede conducir a políticas perjudiciales que debiliten al país objetivo propio en beneficioo del ajeno.

Durante la Guerra Civil Española, ambas facciones, republicanos y nacionalistas, utilizaron tácticas de corrupción para desestabilizar al enemigo. El espionaje, los sobornos y la infiltración en las filas enemigas fueron tácticas comunes. Se sabe que los republicanos intentaron sobornar a oficiales y soldados del bando nacional para que desertaran o se pasaran a su lado.
Los nacionalistas, apoyados por la Alemania nazi y la Italia fascista, también utilizaron la corrupción para infiltrarse en las estructuras del gobierno republicano y socavar su autoridad.

Durante la dictadura de Francisco Franco, la corrupción se utilizó para mantener el control y desestabilizar cualquier oposición. El régimen de Franco estableció una red de lealtades basadas en la corrupción, recompensando a los seguidores leales con cargos y recursos, mientras utilizaba el espionaje y la infiltración para desarticular movimientos opositores.

La corrupción en la administración pública y en los círculos empresariales era común, con la distribución de contratos y concesiones como recompensa a los leales al régimen.

Operación Gladio en Italia (Años 1970 y 1980):

Aunque la Operación Gladio fue principalmente una operación de la OTAN en Italia, hubo conexiones con España. La red Gladio, destinada a crear células durmientes para resistir una posible invasión soviética, también se involucró en actividades corruptas y desestabilizadoras.

Se ha documentado que agentes de Gladio operaron en España durante los últimos años del franquismo y la transición, utilizando tácticas de corrupción para influir en la política interna y prevenir la expansión del comunismo y el socialismo.

En Italia, la Operación Gladio involucró tácticas corruptas para influir en la política interna. Estas tácticas no solo desestabilizaron a Italia, sino que también expusieron la disposición de los aliados occidentales a usar métodos cuestionables, lo que socavó la credibilidad de la OTAN en algunos sectores

Guerra de Sucesión Española (1701-1714):

Durante la Guerra de Sucesión Española, las potencias europeas utilizaron la corrupción para influir en los aliados españoles y desestabilizar al oponente. Inglaterra y Francia, ambas naciones ofrecieron sobornos a líderes militares y políticos españoles para asegurar su apoyo o neutralidad en el conflicto.

El primer caso documentado de uso y fomento de la corrupción como una forma de guerra encubierta para desestabilizar gobiernos se remonta a la antigua Grecia.

Caso de la Guerra del Peloponeso (431-404 a.C.):

Durante la Guerra del Peloponeso, tanto Atenas como Esparta utilizaron sobornos y corrupción para desestabilizar al enemigo. Esparta, por ejemplo, sobornó a funcionarios atenienses y fomentó revueltas dentro de las ciudades-estado aliadas de Atenas. Este uso de la corrupción como herramienta de guerra encubierta ayudó a debilitar las alianzas de Atenas y a generar desconfianza interna.

Tucídides, en su obra «Historia de la Guerra del Peloponeso», documenta varios incidentes en los que ambas partes usaron sobornos para influir en políticos y militares enemigos. Tucídides señala cómo Esparta financiaba a los opositores de Atenas y apoyaba económicamente a las facciones democráticas contrarias a los intereses atenienses para fomentar la desunión y el caos. Los romanos también utilizaron la corrupción como herramienta de desestabilización. Durante las guerras civiles y las campañas de conquista, era común que Roma sobornara a líderes tribales y funcionarios de las provincias enemigas para asegurar la lealtad o fomentar la traición

 A lo largo de la historia, diversas naciones europeas emplearon tácticas de corrupción para debilitar a sus rivales. Por ejemplo, en el Renacimiento, las potencias italianas como Venecia, Florencia y los Estados Pontificios, usaron el soborno y la manipulación política para influir en los estados vecinos.

Fuentes Adicionales:
«La lucha contra la corrupción desde un enfoque de derechos humanos para la administración de justicia» – Naciones Unidas.
«El combate a la corrupción en El Salvador» – WOLA.
«Seguridad, corrupción e impunidad en América Latina» – Real Instituto Elcano.
Estos ejemplos ilustran cómo la corrupción ha sido una herramienta eficaz y recurrente en la estrategia de guerra y desestabilización política, utilizada tanto por y contra España a lo largo de su historia.

Hay en la polémica sobre el cartel de la Semana Santa de Sevilla muchos elementos de los que nadie está hablando, centrados en los aspectos más políticos e ignorando otros más profundos. Para entender esta polémica, hay que comprender la tradicional frustración de los artistas contemporáneos que, como Salustiano, salen de la Facultad de la calle Laraña, Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla, y ven cómo la ciudad los ignora o les da la espalda si no se enfocan en el lenguaje más tradicional, que es el discurso que durante décadas se ha venido escuchando entre los que salían de la Facultad de Bellas Artes.

Sucede que, cuando los astros se alinean, ocurre lo que se llama la Venganza de la calle Laraña, que explicaré más abajo.

Otro aspecto clave para entender la polémica no está en el campo de las Bellas Artes, sino de la Comunicación y la Semiótica, ciencias que aportan herramientas para evaluar si los elementos visuales del cartel están en armonía y son coherentes con el tema y el contexto del evento que representan.

La discusión pone de relieve la importancia de equilibrar la innovación artística con las expectativas y tradiciones de cada ciudad cuando hablamos de cartelería. La obra de Salustiano sencillamente no funciona como cartel porque no es un cartel. No tiene el formato de cartel, es un tondo redondo luego recortado y presentado de forma rectangular. El propio artista ha dicho que él no es cartelista y que, por lo tanto, no pretendía hacer un cartel, sino una pintura artística personal, que sin embargo carece de muchos de los elementos propios del género de la cartelería.

Aunque en un plano estético, el rojo funciona como elemento de atracción visual, el rojo del fondo funciona no solo como elemento de la Pasión, sino como elemento característico de la obra del pintor y los elementos propios de la ciudad aparecen en las potencias y el sudario, es decir, indirectamente, y toda la obra aparece como una reafirmación del propio autor representado en su mayor obra, que es su hijo. De esta forma, se presenta como sumo creador que se muestra a través de su creación.

Al analizar la obra desde una perspectiva semiótica, es importante considerar los códigos y convenciones culturales que el público objetivo puede reconocer y cómo estos influyen en la interpretación del cartel. Aunque el artista puede tener una intención clara, el significado último de la obra será construido por los espectadores, quienes traerán sus propias perspectivas y preconcepciones al acto interpretativo.

LA DIFÍCIL TAREA DE MODERNIZAR LA TRADICIÓN

Así, lo que parece ser un intento de modernizar y refrescar la imagen de una tradición centenaria utilizando algunos elementos visuales de forma intencionada para afirmar que mantiene el espíritu formal del evento representado, introduce un lenguaje visual actualizado que puede resonar de manera diferente con una audiencia contemporánea y que desde luego no satisface los códigos visuales habituales en el género de la cartelería y no ha sido entendido en amplios sectores de la población.

Los carteles de la Semana Santa son un subgénero de la cartelería ampliamente conocidos y analizados, incluyendo elementos de identidad y solemnidad del evento como iconografía religiosa, elementos relacionados con las procesiones, colores sobrios y un estilo que evoca la devoción y el respeto, elementos comunes inherentes al hecho cultural que representan. Finalmente, pueden incluir referencias a la ciudad, como su arquitectura, y su ubicación geográfica y cultural.

ANÁLISIS SEMIÓTICO

Un artista, por mayor calidad técnica que tenga, siempre deberá echar mano de su capacidad simbólica que opera en un plano semiótico. Y así vemos a grandes artistas como Picasso que han creado símbolos, como la Paloma de la paz, que sin dejar de ser personales se han convertido en símbolos universalmente aceptados. Sin embargo, en este cartel de Sevilla vemos que hay una disonancia entre lo que el autor ha querido representar y lo que el espectador esperaba ver representado.

Y aquí entran en juego múltiples facetas, desde lo psicológico a lo simbólico, a lo cultural, a lo político, a lo económico y estético. Mientras unos consideran que el canon de la Semana Santa es inamovible, otros consideran que ya es hora de empezar a movernos, y ese es el trasfondo de la polémica.

LA NATURALEZA DEL MERCADO DEL ARTE EN SEVILLA

El artista ha expresado su yo más profundo e íntimo: la belleza de su hijo, pero le ha faltado un diálogo con la comunidad representada, la ciudad de Sevilla. Sin embargo, ¿cómo ha sido esa relación con su ciudad?

¿Debe un artista contemporáneo, un creador con mayúsculas, estar abocado a abandonar su ciudad si no comparte los gustos de la mayoría?

En la obra de Salustiano está el gran drama de los artistas contemporáneos que salen de la Facultad de Bellas Artes desde 1988 sobrados de talento y que contemplan cómo la ciudad los ignora, culpando a la tradición barroca de la Semana Santa de este ensimismamiento del mercado del arte en una tradición centenaria que indirectamente cierra puertas a la innovación. Al menos ese es el discurso. El gusto de la ciudad está marcado por una línea estética que la mayoría de creadores contemporáneos no comparten, o así discurren algunos.

LA VENGANZA DE LA CALLE LARAÑA

El creador contemporáneo sobrado de talento inexorablemente tiene que irse de la ciudad de Sevilla para poder crear, ser aceptados, vivir y vender sus obras de arte, y esto es lo que ha hecho Salustiano. Hasta que no se ha hecho conocido y famoso fuera de la ciudad no se han fijado en él para encargarle una obra. Al alumno que sale de la facultad de Bellas Artes de Sevilla o vive toda su vida de la estética tradicional o se va fuera a crecer.

Y ahora, desde su cartel, el artista nos dice: yo no voy a cambiar el estilo que me ha hecho respetado y conocido fuera de la ciudad para ser aceptado por la ciudad que da la espalda al arte contemporáneo. Después de que yo me he tenido que ir de la ciudad para que se me reconozca, ahora voy a hacer un cartel de Semana Santa que me gusta a mí y no a vosotros. Y esto es lo que hay en el trasfondo de todos los artistas contemporáneos de la ciudad.

EL ROL DEL CARTEL DE SEMANA SANTA

El cartel de la Semana Santa juega un rol crucial en la comunicación y promoción del evento. Actúa como un anuncio visual que invita a la comunidad y a los visitantes a participar en las celebraciones. Además, refuerza la identidad cultural y religiosa, siendo un elemento de cohesión y expresión de la fe colectiva.

El arte de la cartelería, especialmente en eventos de gran trascendencia cultural y religiosa como la Semana Santa en Sevilla, va más allá de la simple representación gráfica; se convierte en un medio de comunicación con profundas implicaciones semióticas. Las características que diferencian un cartel de Semana Santa de una fotografía de una obra de arte o de una obra de arte en sí, se centran en el que la sociedad otorga al papel comunicativo y simbólico de estos elementos visuales.

En este sentido, la ausencia de comunicación de elementos visuales simbólicos tradicionales de la Pasión sevillana brilla por su ausencia o, mejor aún, la ausencia de los mismos indica cuál es el sentido que le ha querido dar a su obra. El artista ha comunicado que él nunca ha vivido la Semana Santa desde dentro; luego, es imposible que haya interiorizado y traducido a su lenguaje personal ninguno de sus elementos. Ha querido hacer una obra personal y no colectiva, por eso no ha incluido otros elementos más tradicionales.

EL ESTUDIO DE LOS SIGNOS

La semiótica es el estudio de los signos y símbolos y su uso o interpretación. En el ámbito de la comunicación, la semiótica se ocupa del análisis de cómo se crean y se entienden los mensajes a través de signos, que pueden ser visuales, lingüísticos, sonoros, gestuales, entre otros. Los signos son elementos que representan algo para alguien y están compuestos por un significante (la forma del signo) y un significado (el concepto que representa).

La semiótica permite desglosar los elementos visuales del cartel (imágenes, colores, tipografías, etc.) y entender cómo cada uno de ellos contribuye al mensaje general. Por ejemplo, en un cartel de Semana Santa, elementos como cruces, imágenes de santos o colores específicos pueden tener significados religiosos y culturales específicos.

La semiótica ayuda a entender cómo diferentes audiencias interpretarán los signos y símbolos. Esto es crucial para asegurarse de que el mensaje del cartel sea efectivo y adecuado para el público al que se dirige, explorar y respetar los significados tradicionales, al mismo tiempo que ofrece la oportunidad de innovar y reinterpretar elementos culturales de manera respetuosa y creativa.

DIFERENCIAS ENTRE CARTEL Y OBRA DE ARTE

Se ha querido defender la obra como heredera de una rica y abundante tradición artística en la representación de Resucitados, pero desde una perspectiva semiótica y comunicativa, un cartel de Semana Santa y una obra de arte difieren en varios aspectos fundamentales.

Mientras que una obra de arte tiene como fin principal la expresión estética y la transmisión de emociones o ideas del artista, un cartel busca comunicar un mensaje específico, claro y directo al espectador. En el caso de un cartel de Semana Santa, este mensaje está relacionado con la promoción y la celebración del evento religioso.

Un buen cartel debe ser legible y directo. Debe captar la atención rápidamente y transmitir su mensaje de forma eficiente. Las obras de arte, por otro lado, pueden ser más complejas y abiertas a múltiples interpretaciones.

Los carteles suelen utilizar elementos de diseño gráfico como tipografías claras, colores llamativos y composiciones que faciliten la rápida comprensión del mensaje. Las obras de arte pueden no seguir estas convenciones, enfocándose más en la expresión personal y la experimentación estilística.

JOSÉ ANTONIO SUÁREZ. GRADO EN COMUNICACIÓN Y PINTOR AUTODIDACTA