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De los satélites al Arte: Cómo las nuevas tecnologías inspiran a los artistas
En la última década, las nuevas tecnologías, como las fotos satelitales, han servido de inspiración para numerosos artistas, creando obras que capturan la belleza y la fragilidad de nuestro planeta. Aquí te presento algunos artistas contemporáneos que utilizan estas innovaciones en su trabajo.
1. Geoarte y José Antonio Suárez López
Hace diez años, José Antonio Suárez López presentó la exposición «Geoarte», donde utilizó fotografías satelitales para crear obras que reflejan la majestuosidad de la Tierra desde el espacio. Este proyecto destacó cómo las imágenes satelitales pueden transformar nuestra percepción del entorno, inspirando tanto a artistas como a espectadores.
Método y Técnica:
José Antonio Suárez López trabaja con imágenes satelitales proporcionadas por diversas agencias espaciales y plataformas de observación terrestre. Estas imágenes se procesan y transforman en obras de arte mediante técnicas digitales y manuales, creando piezas que destacan por su precisión y su capacidad de evocar emociones. Las obras resultantes combinan la exactitud científica con la creatividad artística, ofreciendo una experiencia visual única.
Geoarte ha sido exhibido en varias locaciones destacadas, incluyendo las Salas de Exposiciones de RTVA Canal Sur por toda Andalucía, donde la exposición itinerante llevó el mensaje de conservación a un amplio público. También se presentó en el VALDELARTE Centro de Exposiciones y Formación en Arte y Naturaleza en Valdelarte, Huelva, proporcionando un entorno natural que complementa el proyecto. La Escuela de las Artes en Marchena acogió la inauguración, presentando seis pinturas, diez fotografías y un libro con relatos y poemas, destacando una esfera de un metro de diámetro que representa la Tierra como pieza central.
Además, en las exposiciones se proyectó el documental «Home» de Yann Arthus Bertrand, enriqueciendo la experiencia de los visitantes y subrayando la importancia de la conservación ambiental.
2. Maxhence Doré
El pintor francés Maxhence Doré, conocido por sus detallistas imágenes creadas con rotuladores Posca, está recorriendo Europa y Francia con sus exposiciones. Sus obras, inspiradas en fotografías satelitales, combinan precisión y creatividad, mostrando paisajes terrestres con una riqueza de detalles que capturan la esencia de la naturaleza.
Maxhence Doré es un pintor francés que combina la precisión del dibujo analítico con la espontaneidad del graffiti para crear obras detalladas y coloridas. Utiliza rotuladores Posca para elaborar imágenes intricadas que capturan momentos de la naturaleza a partir de fotos satélite.
Su enfoque ecológico y estético resalta la conexión entre el arte y el medio ambiente a menudo inspirándose en imágenes satelitales para sus creaciones. Maxhence Doré ha expuesto su obra en numerosos lugares prestigiosos tanto en Europa como en otros continentes.
Ha presentado algunas de sus primeras obras en la Galería 152 Writers en Carrière-sur-Seine Francia bajo la curaduría de Clovis Coutand. También ha exhibido en la Joseph Gallery en París Francia y en la Chapelle Saint Léonard en Croissy Francia.
Su trabajo ha llegado a un público global a través de la 6ª Trienal de Guangzhou en China y también ha estado presente en otras exposiciones en China. Participó en la Art Fair en Montesson Francia mostrando su trabajo a coleccionistas y críticos y presentó la exhibición «To the Rhythm of Time» en la Galerie Bhak que recibió gran atención.
3. J. Henry Fair y la Colección «Industrial Scars»
J. Henry Fair utiliza fotografías aéreas y satelitales para documentar el impacto industrial en el planeta. Su colección «Industrial Scars» revela las cicatrices que la actividad humana deja en el medio ambiente, utilizando imágenes visualmente impactantes para concienciar sobre la sostenibilidad.
J. Henry Fair es un fotógrafo estadounidense, activista ambiental y cofundador del Wolf Conservation Center en South Salem, Nueva York. Es conocido por su proyecto fotográfico «Industrial Scars», en el que utiliza fotografías aéreas y satelitales para documentar el impacto de la actividad industrial en el medio ambiente.
Sus fotografías muestran de manera impactante las «cicatrices» que la actividad humana deja en el planeta, como minas a cielo abierto, vertederos, deforestación, etc.
Busca concienciar sobre la necesidad de la sostenibilidad a través de sus fotografías, que han sido publicadas en medios como National Geographic, Vanity Fair, TIME y New York.
Además de su trabajo fotográfico, Fair participa en numerosos esfuerzos ambientales alrededor del mundo y es cofundador del Wolf Conservation Center.
Ha publicado varios libros, incluyendo «Industrial Scars: The Hidden Costs of Consumption» y «On The Edge: From Combahee to Winyah».
4. Daniel Beltrá
El fotógrafo español Daniel Beltrá se especializa en fotografía aérea, capturando la intersección entre la naturaleza y la destrucción causada por el desarrollo insostenible. Sus imágenes muestran tanto la belleza como la vulnerabilidad del planeta, destacando eventos como el derrame de petróleo de Deepwater Horizon en el Golfo de México (The Climate Reality Project).
Beltrá es miembro de la International League of Conservation Photographers (ILCP), una organización que reúne a fotógrafos comprometidos con la conservación del medio ambiente.
Ha ganado varios premios importantes, como el World Press Photo en 2006 en la categoría de Historia Natural y el Premio del Príncipe del Proyecto de Bosques Tropicales en 2018.
Ha recibido fondos de la monarquía británica para fotografiar ecosistemas en peligro de extinción en las regiones tropicales de América, Asia y África.
Trabajo Fotográfico
Sus fotografías han capturado el impacto del cambio climático en diferentes partes del mundo, como el Ártico, los glaciares de Patagonia, las selvas amazónicas y las islas Maldivas.
Ha documentado la deforestación ilegal en Brasil, así como las actividades de minería de piedras preciosas y producción de carbón, trabajando con organizaciones como Greenpeace.
Actualmente tiene una exposición llamada «Focusing on the Forests» en los Jardines de Kew en Londres, que luego viajará a París y Alemania.
5. Tomás Saraceno
El artista argentino Tomás Saraceno fusiona arte, ciencia y sociología para crear propuestas de vida más sostenibles. Su proyecto «Aerocene» incluye museos flotantes impulsados por energía solar, construidos con bolsas de plástico recicladas, promoviendo un futuro sin fronteras ni combustibles fósiles (Artsy).
6. Olafur Eliasson
Conocido por sus experiencias sensoriales ecológicas, Olafur Eliasson ha creado obras como «Ice Watch», donde bloques de hielo glaciar fueron exhibidos para concienciar sobre el cambio climático. Sus instalaciones buscan provocar respuestas viscerales y una mayor conciencia ambiental (Christie’s).
7. Danielle de Satellite Stitches
Danielle, bajo el nombre Satellite Stitches, crea bordados inspirados en imágenes satelitales de los océanos. Su técnica de «thread painting» permite que sus piezas brillen como olas en la orilla, reflejando la belleza y la complejidad de los paisajes marinos desde una perspectiva aérea (My Modern Met).
Estos artistas, entre otros, demuestran cómo las nuevas tecnologías, especialmente las imágenes satelitales, pueden ser una fuente poderosa de inspiración, permitiendo explorar y documentar el estado de nuestro planeta de maneras innovadoras y visualmente impactantes.
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Saturnalia y Sol Invictus: la fiesta romana que existóa antes de la navidad
La fecha del 25 de diciembre se estableció no por una evidencia histórica precisa del nacimiento de Jesús, sino más bien como resultado de una combinación de tradiciones religiosas preexistentes, cálculos teológicos, y la consolidación de la práctica litúrgica en el creciente cristianismo. A lo largo de los siglos, esta fecha ha llegado a ser reconocida universalmente en la tradición cristiana como el día para celebrar el nacimiento de Jesucristo.
Antes del cristianismo se celebraban esta fecha otras fiestas como el solsticio de invierno o la saturnalia y el sol invicto, siendo luego cristianizadas.
Solsticio de Invierno: El 25 de diciembre estaba cerca del solsticio de invierno en el calendario romano, un tiempo asociado con la celebración y la renovación de la luz. Muchas culturas antiguas tenían festivales importantes en este momento, celebrando la «victoria» de la luz sobre la oscuridad.
Saturnalia y Sol Invictus: En Roma, las festividades de Saturnalia (en honor al dios Saturno) y el nacimiento del «Sol Invictus» (el sol invencible) se celebraban en diciembre. Algunos eruditos sugieren que la elección del 25 de diciembre como la Navidad cristiana fue en parte para proporcionar una alternativa cristiana a estas populares festividades paganas.
Desarrollo Teológico: Algunos de los primeros teólogos cristianos, como Tertuliano, calcularon la fecha de la crucifixión en marzo. Había una creencia en la antigüedad de que los grandes profetas morían en la misma fecha de su concepción. Si Jesús fue concebido en marzo y se asume un embarazo de nueve meses, entonces diciembre se convierte en un mes plausible para su nacimiento.
Celebraciones Litúrgicas: A medida que el cristianismo creció y se organizó, la necesidad de una celebración litúrgica clara y uniforme del nacimiento de Jesús se volvió más evidente. La mención más antigua conocida de la celebración del 25 de diciembre como la fiesta de la Natividad proviene de un calendario romano de 336 d.C., sugiriendo que para entonces, la fecha ya estaba establecida en algunas comunidades cristianas.
Adopción y Difusión: Constantino y el Cristianismo Oficial
Con el emperador Constantino legalizando el cristianismo y eventualmente convirtiéndose al mismo, las prácticas cristianas ganaron prominencia en el Imperio Romano. La celebración de la Navidad el 25 de diciembre se habría beneficiado de la infraestructura y el patrocinio imperial.
Aunque la fecha del 25 de diciembre fue ampliamente aceptada en el oeste por el siglo IV, otras fechas fueron propuestas y celebradas en diferentes partes del mundo cristiano. Con el tiempo, sin embargo, el 25 de diciembre se convirtió en la fecha dominante en la mayoría de las tradiciones cristianas.
6 de enero: En algunas tradiciones cristianas orientales, particularmente dentro de la Iglesia Ortodoxa, el 6 de enero se celebra como la Epifanía, conmemorando tanto el nacimiento de Jesús como su bautismo. En algunos casos, este día fue primordialmente asociado con el nacimiento de Jesús antes de que el 25 de diciembre se adoptara más ampliamente.
7 de enero: Algunas iglesias ortodoxas, como la Iglesia Ortodoxa Rusa y la Iglesia Ortodoxa de Jerusalén, celebran la Navidad el 7 de enero debido a diferencias entre el calendario juliano (que estas iglesias siguen para sus festividades) y el calendario gregoriano más ampliamente utilizado hoy.
25 de marzo: Conocido como la Anunciación, este día conmemora el momento en que se cree que el Ángel Gabriel anunció a María que daría a luz a Jesús. Algunos cristianos primitivos consideraban este día no solo como la concepción de Jesús sino también, siguiendo la idea de que un gran profeta debería vivir un número exacto de años, como su fecha de nacimiento.
Enero a Marzo: Algunos cálculos antiguos, basados en intentos de correlacionar la fecha del censo mencionado en el Evangelio de Lucas (que se creía coincidía con el nacimiento de Jesús) con registros históricos romanos, sugerían fechas en estos meses.
28 de marzo: Algunas fuentes apuntan a que una minoría de cristianos en el pasado consideraba este día como la fecha del nacimiento de Jesús.
Fechas en Primavera y Otoño: Diversos estudiosos y grupos cristianos a lo largo de los años han propuesto varias fechas en primavera y otoño basándose en interpretaciones astronómicas, históricas y bíblicas.
La variación en estas fechas refleja la falta de un registro claro del nacimiento de Jesús en los textos bíblicos y las diferencias culturales y teológicas dentro del cristianismo primitivo. A medida que el cristianismo se expandía y se organizaba más formalmente, la necesidad de una celebración unificada del nacimiento de Jesús llevó a la adopción más amplia del 25 de diciembre, una fecha que eventualmente eclipsó a las otras observancias en la mayoría de las comunidades cristianas.
Primeras Representaciones de la Navidad Cristiana
La Natividad. Estas representaciones comenzaron a aparecer en el arte cristiano temprano desde el siglo II d.C., aunque las descripciones más detalladas y las celebraciones específicas de la Navidad no se establecieron hasta varios siglos después.
Las primeras imágenes de la Natividad se encuentran en las catacumbas de Roma, donde los cristianos primitivos enterraban a sus muertos. Estas representaciones eran símbolos simples, a menudo mostrando a la Virgen María con el Niño Jesús. Los sarcófagos cristianos a veces presentaban escenas de la Natividad, destacando la importancia del nacimiento de Cristo desde los primeros tiempos.
Desarrollo Teológico y Litúrgico:
Los Evangelios de Mateo y Lucas proporcionan las narrativas que la mayoría de las representaciones artísticas posteriores buscarían ilustrar.
La primera mención registrada de la celebración específica de la Navidad (la fiesta de la Natividad) es del 25 de diciembre de 336 d.C. en Roma. La elección de esta fecha podría haber sido influenciada por festivales paganos como el Sol Invictus, buscando reemplazarlos o cristianizarlos.
Primeros Villancicos
Los villancicos, como forma musical, tienen sus raíces en la tradición medieval de Europa. Siglos IV y V: Los himnos y cantos litúrgicos relacionados con la Navidad comenzaron a aparecer en los servicios religiosos cristianos. Estos no eran villancicos en el sentido moderno, sino más bien himnos formales como «Veni redemptor gentium» de San Ambrosio.
Villancicos de negros en las partituras de la iglesia de San Juan de 1712
La Catedral de Sevilla, uno de los centros religiosos más importantes de España, desempeñó un papel crucial en la evolución de la música religiosa, incluyendo los villancicos. Los maestros de capilla y los compositores vinculados a la catedral creaban frecuentemente música para las festividades navideñas.
Los primeros villancicos en Sevilla no solo reflejaban la devoción religiosa sino también la diversidad cultural y musical de la región. Sevilla, en particular, se convirtió en un centro para compositores y músicos gracias a su catedral y a su posición como una ciudad rica y cosmopolita.
Los Ponce de Leon como magnates y autoridades de la ciudad de Sevilla en 1500 r4ecibian cada navidad las visitas de los niños cantores de la catedral y contrataban músicos catedralicios para traerlos a Marchena o Mairena. Entre ellos los primeros villancicos en Sevilla fueron dedicados al duque de Arcos.
La misa del gallo
El término «Misa del Gallo» se cree que proviene del latín «Missa in Gallicantu,» que significa «misa al canto del gallo.» Se refiere al tiempo en que tradicionalmente se lleva a cabo esta misa de madrugada que es cuando los gallos comienzan a cantar anunciando la llegada de un nuevo día.
Simbolismo Bíblico:
Además, hay un simbolismo bíblico que asocia al gallo con el anuncio de la llegada de Jesucristo. En el Evangelio según San Marcos, Jesús predice que Pedro lo negará tres veces antes de que el gallo cante dos veces. Así, el canto del gallo se convierte en un símbolo de anuncio y redención, adecuado para la celebración del nacimiento de Cristo.
Orígenes Tempranos:
Las celebraciones de la medianoche tienen sus raíces en la práctica antigua de vigilia nocturna. Los cristianos primitivos a menudo pasaban la noche antes de las grandes festividades en oración y vigilia, preparándose para la celebración del día siguiente.
Evolución
San Juan tiene uno de los mayores archivos históricos de villancicos de Andalucía
De la Vigilia a la Misa:
Con el tiempo, estas vigilias nocturnas se convirtieron en celebraciones eucarísticas formales. La popularización de la Misa del Gallo está en gran parte atribuida a la tradición en Roma. Se dice que el Papa Sixto III (432-440 d.C.) introdujo una misa especial de medianoche en la Basílica de Santa María la Mayor en Roma. Esta práctica ganó prominencia y se extendió a otras partes del mundo cristiano.
Los villancicos más antiguos conservados en Sevilla y provincia datan de 1517
La misa de los maitines de Navidad
Antiguamente, la Misa de Maitines de Navidad se celebraba durante las últimas horas de la noche, justo antes del amanecer. La hora específica podría variar, pero generalmente era en la fase final de la noche, terminando con la primera luz del día.
Tradicionalmente, los Maitines eran una de las primeras oraciones del día en la Liturgia de las Horas. Aunque el horario exacto podía variar, a menudo comenzaban mientras aún era de noche y terminaban cerca o al amanecer.
En la tradición cristiana, Jesucristo es frecuentemente referido como la «Luz del Mundo» (John 8:12). Celebrar los Maitines justo antes del amanecer simboliza la llegada de esta luz espiritual que disipa la oscuridad del pecado y la ignorancia, al igual que el sol físico disipa la oscuridad de la noche.
Fiestas del sol naciente en los villancicos de la iglesia de San Juan
En algunas iglesias, los Maitines siguen formando parte de las celebraciones de la víspera de Navidad, a menudo realizándose en las primeras horas de la mañana del 25 de diciembre o como parte de una vigilia más larga que incluye la Misa del Gallo a medianoche. Tras el Concilio Vaticano II, se permitió una mayor flexibilidad en el horario de las liturgias. Muchas iglesias optaron por celebrar servicios navideños en la noche del 24 de diciembre en lugar de la madrugada del 25.
Antes del Concilio Vaticano II (1962-1965), la Misa del Gallo se celebraba exactamente a medianoche. Después del Concilio, se permitió a las parroquias celebrar esta misa antes de la medianoche para acomodar a los fieles, especialmente a las familias con niños. En la actualidad, la Misa del Gallo secelebra en algunos lugares en la noche del 24.
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De América a Marchena en busca de sus raíces
Después de más de 390 años de emigración, la familia Zamora de Costa Rica, descendientes de Sebastián de Zamora Romero, nacido en Marchena, busca reconectar con sus raíces en la provincia sevillana. El 18 de Diciembre vuelve a Marchena Juan Pablo Zamora, ingeniero costarricense, que ha dedicado los últimos 10 años a investigar el árbol genealógico de su familia, cuyos orígenes se remontan a los siglos XVI y XVII, cuando Sebastián de Zamora fue uno de los primeros marcheneros en asentarse en Santo Domingo de Heredia, Costa Rica.
Sebastián Zamora, un alférez de la villa de Marchena, recibió tierras en la región costarricense de Tibás por parte del rey de España en el siglo XVII, lo que marcó el inicio de una importante rama de la familia en América. Desde entonces, los Zamora han sido una figura clave en la historia de Costa Rica, destacando entre sus descendientes a José María Alfaro Zamora, primer presidente de Costa Rica, y José María Zamora Coronado, jurista que contribuyó a la legislación española en ultramar.
Ahora, la familia en Costa Rica, encabezada por Juan Pablo, busca contacto con sus parientes en Marchena. El ingeniero viajará a la localidad sevillana el próximo 12 de diciembre y espera poder encontrarse con algunos de sus familiares. “Nos gustaría mucho conocer a algún pariente que aún resida en Marchena, quizás compartir un café y honrar a nuestros abuelos, quienes seguramente habrían querido poder reencontrarse,” comentó Juan Pablo Zamora.
La familia invita a cualquier Zamora de Marchena que tenga interés en este reencuentro a contactar a través del correo jpzamora@yahoo.com. Esta será una oportunidad única para revivir la historia y el legado de una familia que ha sido parte fundamental tanto en América como en España.
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Sevilla, centro de distribución de los tintes naturales en el siglo de oro
Sevilla, como sede de la Casa de Contratación, fue el gran puerto de entrada de los productos americanos a Europa. Desde allí, los tintes naturales como el negro del palo de Campeche y el rojo carmesí de la cochinilla llegaban a los mercados de Italia, Flandes, Francia e Inglaterra.
Los tintes eran redistribuidos por rutas terrestres y fluviales, alcanzando las ciudades textiles de mayor prestigio, como Lyon en Francia, Florencia en Italia y Amberes en los Países Bajos.
Los tintes naturales, que durante siglos simbolizaron el poder de los imperios y monarquías, hoy representan la sostenibilidad y el respeto a las tradiciones artesanales. En un mundo dominado por los tintes sintéticos, el rescate de estos procesos antiguos en lugares como Oaxaca es un homenaje a la historia y al equilibrio con la naturaleza.
El Negro: El Palo de Campeche y la Moda Española
Durante los siglos XVI y XVII, el color negro se convirtió en un símbolo de elegancia, poder y solemnidad en la Europa moderna, especialmente en España, donde la moda austera de los Habsburgo lo posicionó como un tono predominante. Esta demanda tuvo su base en un tinte natural extraído del palo de Campeche, un árbol originario de la península de Yucatán, en el actual estado mexicano de Campeche.
El palo de Campeche (o Haematoxylum campechianum) produce una madera rica en hematoxilina, un compuesto que, al procesarse, genera un tinte negro profundo y duradero, perfecto para las vestimentas de la nobleza y del clero español.
El palo de Campeche fue transportado en grandes cantidades al puerto de Sevilla, centro neurálgico del comercio del Imperio Español. Desde allí, era distribuido a talleres de tintorería en toda Europa, transformando la industria textil.
Sin embargo, la explotación desmedida del palo de Campeche causó una deforestación masiva en la región. Los bosques de Campeche, que albergaban biodiversidad única, fueron talados sin control, alterando gravemente los ecosistemas locales. La extracción insostenible de este recurso natural fue uno de los primeros ejemplos del impacto ecológico de la globalización impulsada por los imperios europeos.
El Taller Artesanal en Oaxaca: La Cochinilla del Carmín
A día de hoy, la producción de la cochinilla del carmín sigue siendo un proceso artesanal en Oaxaca, México. Los productores mantienen viva la tradición transmitida durante generaciones. En los talleres, los nopales se cultivan en pequeñas plantaciones, y las cochinillas se cuidan manualmente hasta su cosecha.
La Cochinilla y el Imperio Español
Durante el periodo virreinal, la cochinilla se convirtió en uno de los productos más valiosos del comercio español, junto con la plata. Sevilla, como principal puerto del comercio atlántico, recibía toneladas de cochinilla desde México, que luego se distribuía a los centros textiles más importantes de Europa. El tinte rojo de la cochinilla teñía las vestimentas de cardenales, reyes y aristócratas europeos, consolidando su posición como el “oro rojo” del Imperio Español.
El Rojo Carmesí: La Cochinilla Mexicana
Si el negro simbolizaba la austeridad, el rojo carmesí era el color de la riqueza, el lujo y la autoridad. Este color proviene de un tinte extraordinario: la cochinilla del carmín (Dactylopius coccus), un pequeño insecto parásito que habita en las hojas de los nopales (cactus).
Producción de la Cochinilla
La cochinilla crece de forma natural en los nopales, donde se adhiere y se alimenta de la savia de la planta. Para cosecharla, los productores raspan con cuidado los insectos secos de las palas de nopal. Estos son recolectados, secados y triturados para obtener el ácido carmínico, un pigmento natural que, al mezclarse con agua o sales, produce distintas tonalidades de rojo.
La producción artesanal de este tinte tuvo su epicentro en Oaxaca, México, donde hasta hoy se mantiene viva esta tradición. El proceso requiere mano de obra experta y paciencia, pues se necesitan alrededor de 70,000 insectos para producir solo 500 gramos de tinte.
La Cochinilla y el Imperio Británico
Tras la independencia de México en el siglo XIX, el Reino Unido buscó controlar la producción y el comercio de la cochinilla, pero nunca logró igualar la calidad y el saber hacer artesanal de los oaxaqueños. Aún hoy, la cochinilla mexicana sigue siendo considerada el mejor tinte natural del mundo.
La Simbología del Azul en la Monarquía Francesa
El azul comenzó a asociarse con la monarquía francesa a partir del reinado de Luis IX (San Luis) en el siglo XIII. El rey adoptó un escudo de armas con fondo azul adornado con flores de lis doradas, un símbolo que pronto se convertiría en el emblema de la dinastía de los Capetos y de la corona francesa.
El azul simbolizaba pureza, lealtad y divinidad, valores que se alineaban con la imagen de un monarca como líder elegido por Dios. La fleur-de-lis (flor de lis) también tenía connotaciones religiosas, ya que se asociaba con la Virgen María, reforzando el vínculo entre el poder divino y el rey.
El Azul Ultramar y el Arte
El azul ultramar, obtenido del lapislázuli, era uno de los pigmentos más caros del mundo debido a su rareza y al complejo proceso de extracción y purificación. En la Francia medieval y renacentista, el azul ultramar se reservaba para obras religiosas o textiles exclusivos de la monarquía y la nobleza. El lujo de teñir telas de este azul reafirmaba el poder y el prestigio de la corona francesa.
El Comercio del Azul y Sevilla
El lapislázuli, conocido principalmente por provenir de las minas de Afganistán, también tiene una interesante conexión con Nápoles y otras regiones de Italia. De hecho, en Europa, la piedra azul utilizada para producir el «azul ultramar» no siempre era importada directamente desde Oriente. Durante el Renacimiento, Nápoles jugó un papel clave en el comercio de pigmentos y materiales artísticos, y su suelo volcánico proporcionaba minerales, aunque no lapislázuli puro como el de Afganistán, sino versiones más accesibles de pigmentos azules, como la azurita.
Aunque el lapislázuli venía principalmente de Oriente, su llegada a Europa era facilitada por rutas comerciales que conectaban Oriente Medio con Italia (especialmente Nápoles y Venecia). El pigmento azul ultramar o sus variantes eran transportados hacia el puerto de Sevilla, punto central del comercio global del Imperio Español. Desde Sevilla, las materias primas y los tintes viajaban hacia las grandes ciudades de Europa.
Estudios Académicos sobre el Tema
Diversos estudios han abordado la explotación y comercio del palo de Campeche y su relación con Sevilla. Por ejemplo, la investigación de Manuela Cristina García Bernal analiza el incipiente comercio entre Sevilla y Yucatán entre 1561 y 1590, destacando la importancia del palo de tinte en estos intercambios.
Otro estudio relevante es el de Rosa Torras, quien examina la extracción y exportación del palo de tinte a manos de colonos extranjeros en el siglo XIX, ilustrando cómo empresarios franceses construyeron un emporio comercial en torno a este recurso.
- «Evolución de la producción y el comercio mundial de la grana cochinilla, siglos XVI-XIX»: Este artículo analiza cómo la producción de cochinilla, inicialmente monopolizada por la provincia mexicana de Oaxaca, se trasladó posteriormente a Centroamérica y las Islas Canarias.
- «La explotación de la grana cochinilla en Nueva España: su organización en el siglo XVI»: Este estudio profundiza en la organización de la producción y explotación de la cochinilla en México durante el siglo XVI, destacando su importancia económica en la Nueva España.
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