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«The White Lotus» a la italiana: hedonismo, neorrealismo y homenajes a El Padrino
«The White Lotus»2 está a punto de terminar y ha dado muestra de ser todo un espectacular homenaje a la cultura italiana. La serie ha sido la gran ganadora de los premios Emmy 2022 y se inspira en Almodóvar, Fellini, Antonioni, y la cultura popular italiana según su creador Mike White.
La cabecera de entrada llamada Rennaisance reproduce frescos de un techo palaciego en la que de repente aparecen escenas de sexo y asesinatos.
Mientras los clientes se acercan en barco al hotel White Lotus de Taormina, Sicilia, la voz de Rafaella Carrá va anunciando lo que pasará en la trama. «Si te lleva a una cama vacía, devuélvele el vacío, demuéstrale que no es un juego, hazle saber lo que quieres. A far l’amore comincia tu (Ahahaha) A far l’amore comincia tu».
Dos prostitutas sicilianas interpretadas por Simona Tabasco y Beatrice Grano que parecen sacadas de una película de Fellini, trastocan la acomodada existencia de los personajes americanos hasta llevarlos al abismo.
El amor sagrado y el amor profano, dos conceptos del neoplatonismo renacentista, Venus versus Maria, suena en Boca di Rosa, mientras los vehículos del hotel de cinco estrellas trasladan a los clientes al antiguo convento dominico, donde hoy se ubica el el Four Seasons Taormina. El hotel donde se alojó Oscar Wilde y el rey Eduardo VIII hasta Elizabeth Taylor, Audrey Hepburn y Sofía Loren.
Aunque parezca una canción medieval sacada del Decamerón de Bocaccio o una historia del neorrealismo cinematográfico «Bocca di Rosa» fue compuesta por Fabrizio Andrés de 1967. Cuenta la historia de una mujer que poniendo por encima de todo al amor se echa encima a las mujeres de un pequeño pueblo siendo denunciada a la policía que la acompaña a la estación de tren donde «estaban todos, desde el comisario hasta el sacristán» para despedir a quien «por un poco trajo el amor al pueblo. Había un cartel amarillo con un escrito en negro que decía: Adiós Boca de Rosa, contigo se va la primavera».
Pero su fama se extiende y en la estación siguiente «el párroco que no desprecia el bien efímero de la belleza, la quiere a su lado en la procesión. Y con la Virgen en primera fila y Boca de Rosa no muy lejos, se lleva de paseo por el pueblo el amor sagrado y el amor profano».
Ya en la habitación una «Testa di moro» recibe a los huéspedes. Una tradición cerámica local de hacer cabezas de cerámica para usarlas como macetas que data del siglo XI, cuando una joven cristiana se enamora locamente de un moro, sin saber que éste tiene esposa e hijos en su país natal. Ella enloquece y le corta la cabeza y la mete en una maceta de Albahaca. Esta leyenda es lo primero que conocemos en la serie y anuncia que la trama se va a desarrollar entre infidelidades y amores prohibidos.
La temporada es una búsqueda de la belleza y del hedonismo de la cultura italiana, herencia del mundo romano. Los actores disfrutan de los paisajes de Isola Vella o acuden al palacio de la ópera de Palermo entre lujos y oropeles o se alojan en palacios barrocos llenos de obras de arte y de lujo, escenario ideal para descubrir orgías, que llevarán la trama a otro nivel.
La búsqueda de la belleza es el motor de la vida de los aburridos protagonistas millonarios a quienes no les importa traicionarse a sí mismos con tal alcanzar placer y la belleza por encima de todo conduciéndoles a una serie de problemas propios de una vida de engaños e infidelidades.
La serie es un derroche de hermosos palacios y hermosos paisajes, hermosos atardeceres, hermosos cuerpos y el mar jónico de fondo. Un mar omnipresente como una metáfora de los del estado de ánimo de los personajes. Y así según de el ánimo de los protagonistas aparece un mar en calma o un mar embravecido. Se añaden además rayos y hasta una erupción volcánica mostrando el monte Etna expulsando lava, sobre el alma de los personajes.
Una familia de italianos emigrados a América que vuelven a buscar el pueblo de sus antepasados, se paran a comer en un restaurante donde se rodaron algunas escenas de El Padrino.
Mientras en el restaurante se van proyectando escenas de El Padrino y se muestra el coche donde murió la mujer de Michael Corleone, Albi, el pequeño de la familia, italo americana proyecta su visión de que la cinta de Coppola no es mas que la máxima expresión del auge del machismo italiano que para él representan su fracasado padre y su nostálgico abuelo, en sus escarceos con fulanas, mientras la nueva generación que es él muestra su oposición a todo eso y finalmente acaba enamorándose de una prostituta.
Otros guiños a la saga de Coppola muestra la fruta del país, la naranjada como símbolo de la muerte. Las naranjas se derraman en la calle mientras están asesinando a Vito Corleone y representan la sangre derramada y la tierra siciliana.
También hay guiños a Mónica Vitti en un viaje en Vespa que la loca millonaria americana realiza por la isla y además copiando de forma integra una breve escena de La Aventura, filme de Miguelangelo Antonioni en la que Vitti se ve rodeada en una plaza de una veintena de hombres que la miran de forma grosera y que White Lotus rueda en la misma localización exacta mientras suenan ecos de música africana.
El propio creador de la serie Miguel White explica que la serie va sobre la búsqueda del sentido de la vida, tema absolutamente universal, acentuado en millonarios cuya vida carece de más sentido que buscar la belleza y los placeres o yacer al borde de una piscina sin principio ni fin como trasunto de la sociedad americana actual o de los vicios que condujeron al fin del imperio romano a manos de los bárbaros.
Todo esto personificado en la mujer ya madurita desorientada, e incapaz de vislumbrar los peligros que se ciernen a su alrededor. Rodeada de personajes que la utilizan por su dinero a quienes no conoce en profundidad y con quienes se relaciona de una forma absolutamente superficial y a los que desecha cuando le viene en gana sin el mayor remordimiento.
Mucho más allá de averiguar quien es el asesino la serie se convierte en todo un goce estético más allá del simple entretenimiento.
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El alumbrado navideño se inaugura el 27 de noviembre y costará 54.395 Euros.
El Ayuntamiento de Marchena ha adjudicado el contrato para la instalación del alumbrado navideño a la empresa AINELEC LM S.L., única licitadora en el proceso. La oferta presentada asciende a 44.954,55 euros más 9.440,46 euros de IVA, lo que hace un total de 54.395,01 euros. Este contrato incluye la instalación, mantenimiento y desmontaje de las luces, que estarán operativas del 6 de diciembre de 2023 al 6 de enero de 2024.
La empresa se compromete a cumplir con los requisitos medioambientales establecidos, aportando dos vehículos con emisiones estándar EURO6 o superiores. Además, deberá suscribir una póliza de seguro de responsabilidad civil por un mínimo de 600.000 euros antes de la formalización del contrato.
El alumbrado, que se instalará en régimen de alquiler, abarcará las siguientes calles y plazas de Marchena:
Avenida Santos Ruano, Calle Rojas Marcos, Calle San Sebastián, Calle Santa Clara, Calle Sevilla, Calle Antonia Díaz, Calle Santo Domingo, Calle Las Torres, Calle San Pedro, Calle Enrique Iniesta, Calle Madre de Dios, Plaza del Cardenal Espínola, Plaza Alvarado, Plaza de la Barriada de la Estación, Barriada Madre de Dios, Plaza San Sebastián, Mercado de Abastos y Plaza del Ayuntamiento.
Los trabajos de montaje comenzaron el 10 de noviembre y deben finalizar antes del 27 de noviembre, fecha prevista para la inauguración oficial. El desmontaje se llevará a cabo entre el 7 y el 20 de enero de 2025. Este proyecto busca fomentar el ambiente festivo en el municipio y dinamizar la actividad social y comercial durante la temporada navideña.
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La Hermandad de la Humildad presentó la restauración del coro alto y la puerta de entrada de la Iglesia de Santa Clara
Durante la presentación, se destacó la importancia de este proyecto, que ha sido posible gracias al programa de desarrollo rural de Andalucía 2014-2022 y la gestión del Grupo de Desarrollo Rural Serranía Suroeste Sevillana. Los trabajos han contado con la implicación de la empresa Vensa Restauración y Conservación, además de colaboradores locales como Carpintería Hermanos Vela, entre otros.
La restauración del coro alto, una celosía de madera policromada de más de 8 metros de ancho, ha sido un reto técnico que requirió limpieza, consolidación y reintegración cromática. También se intervino el «can» derecho, una pieza estructural seriamente dañada por ataques xilófagos, reemplazando su interior por un soporte metálico para garantizar su estabilidad mientras se preservaba su aspecto original.
Por otro lado, la puerta de entrada fue renovada mediante la sustitución de sus tablas exteriores por madera de iroco, respetando los herrajes originales y garantizando su funcionalidad por generaciones.
El hermano mayor, Antonio Molina, subrayó la responsabilidad de la Hermandad en preservar su patrimonio, no solo como legado espiritual, sino como bien cultural para el pueblo de Marchena. Además, agradeció la colaboración de todos los hermanos y entidades que han hecho posible esta restauración, valorada en más de 78.000 euros.
La celosía de madera policromada del coro alto de la Iglesia de Santa Clara de Marchena es una obra notable del patrimonio histórico local. Según los registros históricos, la celosía data de 1785, un año en el que se constata su existencia como parte integral del coro alto del templo. Este elemento se diseñó con una función específica: tamizar la luz y ofrecer intimidad a las monjas clarisas, permitiéndoles asistir a los actos religiosos desde el coro sin ser vistas por los asistentes en la nave de la iglesia.
Autoría y Estilo
Aunque no se ha identificado al autor exacto de la celosía, los análisis técnicos y estilísticos sugieren que fue realizada por artesanos locales del siglo XVIII con un alto grado de especialización en carpintería y policromía. Estos artesanos trabajaron bajo la influencia del estilo barroco tardío, caracterizado por una decoración rica y detallada, que es evidente en las molduras, cresterías y elementos ornamentales de la celosía.
Materiales y Técnicas
La celosía está compuesta por madera de alta calidad, probablemente pino o abeto, tratada para resistir las condiciones ambientales del interior del templo. La policromía, que se conserva en gran parte original, incluye tonos claros en el fondo (como el beige y el blanco) y detalles decorativos en azules y negros. Las técnicas empleadas incluyen la talla manual para los detalles estructurales y decorativos, y la aplicación de pigmentos y barnices de origen natural, característicos de la época.
Contexto Histórico
La Iglesia de Santa Clara, antigua sede del convento de monjas clarisas, fue fundada oficialmente en 1498 y acogió a la orden hasta 1964, cuando las últimas monjas dejaron el convento. La celosía del coro alto era un elemento esencial en la vida conventual, permitiendo a las religiosas participar en las ceremonias mientras mantenían su clausura.
Conservación
Antes de la reciente restauración, la celosía presentaba daños estructurales y estéticos significativos, incluyendo suciedad acumulada, grietas en la madera, ataque de xilófagos (insectos que dañan la madera) y alteraciones en la policromía debido a intervenciones previas mal documentadas. Estos problemas comprometían tanto su estabilidad como su apariencia original.
La celosía de madera policromada del coro alto de la Iglesia de Santa Clara de Marchena es una obra notable del patrimonio histórico local. Según los registros históricos, la celosía data de 1785, un año en el que se constata su existencia como parte integral del coro alto del templo. Este elemento se diseñó con una función específica: tamizar la luz y ofrecer intimidad a las monjas clarisas, permitiéndoles asistir a los actos religiosos desde el coro sin ser vistas por los asistentes en la nave de la iglesia.
El can derecho de la celosía del coro alto de la Iglesia de Santa Clara presentaba un estado crítico de deterioro estructural, que comprometía la estabilidad de todo el conjunto. Este elemento, esencial para sostener la gran viga que recorre la celosía, había sufrido un ataque severo de xilófagos (insectos que se alimentan de madera), que dejó su interior prácticamente hueco y sin capacidad portante.
El daño fue tan severo que la madera original perdió prácticamente toda su capacidad estructural. Aunque los xilófagos ya no estaban activos, el deterioro acumulado había reducido el can a una delgada capa exterior.
La profundidad del daño incluso había causado agujeros visibles en el exterior, lo que alertó a los restauradores sobre el riesgo de colapso.
El can apenas cumplía su función de soporte. Durante la inspección, los restauradores notaron que estaba casi suelto, sostenido más por las condiciones generales de la estructura que por su propia integridad. Dada la importancia del can en la estabilidad de la celosía y la gran viga que soporta, su estado representaba un peligro real para la conservación de la pieza y la seguridad de la estructura.
Solución adoptada
Los restauradores tomaron una decisión técnica clave: mantener el can como elemento decorativo, pero reforzarlo estructuralmente desde el interior. Esto permitió preservar su apariencia histórica mientras se aseguraba su función. El can fue desmontado cuidadosamente para evitar daños adicionales. Antes de su manipulación, se protegió su superficie exterior con papel japonés y adhesivo para evitar desprendimientos de la policromía.
Se diseñó y fabricó un can metálico interno, que asumiera toda la carga estructural que el can original ya no podía soportar. Este elemento metálico se diseñó específicamente para encajar dentro del can de madera. El can de madera fue ahuecado en su interior para alojar el núcleo metálico. Se consolidaron las partes exteriores, reparando las zonas dañadas con injertos de madera en las áreas que presentaban pérdida de material.
Una vez restaurado y reforzado, el can fue colocado nuevamente en su posición original, ahora cumpliendo únicamente una función decorativa. El núcleo metálico oculto dentro de él asume toda la carga estructural.
Sin embargo, el can derecho no fue el único desafío al que se enfrentaron los restauradores. La celosía, de más de 8 metros de ancho y rica en ornamentación barroca, también mostraba suciedad acumulada por siglos de uso, especialmente por el hollín de velas y polvo ambiental, lo que había formado una costra que ocultaba su policromía original.
Además, se detectaron grietas profundas en la madera, pérdida de adherencia en la pintura decorativa, y la presencia de repintes antiguos que habían cambiado de color con el tiempo, alterando la armonía estética del conjunto. Estas lesiones se abordaron con técnicas modernas, incluyendo limpieza química con disolventes específicos, consolidación de las grietas mediante inyecciones de resina, y la eliminación cuidadosa de repintes incompatibles.
Otro problema recurrente fue la presencia de piezas desplazadas o sueltas, algunas de las cuales estaban tan inestables que podían desprenderse al manipular la estructura. Estas se reubicaron y fijaron en su posición original con materiales compatibles, mientras que las molduras y elementos decorativos faltantes se reprodujeron en madera tallada a mano, respetando los diseños originales. Los elementos metálicos, como clavos y herrajes, también fueron tratados para eliminar la oxidación y asegurar su funcionalidad, volviéndose a integrar en la celosía tras ser restaurados.
La restauración no solo se centró en la parte frontal de la celosía, sino también en su reverso, donde las patologías eran similares. Se realizaron limpiezas profundas, consolidaciones y reposiciones necesarias, logrando un resultado homogéneo que preserva tanto la funcionalidad como la estética del elemento. Además, la puerta de entrada de la iglesia, otro componente esencial, fue intervenida reemplazando las tablas exteriores deterioradas por nuevas de madera de iroco, garantizando su resistencia al tiempo y respetando los herrajes originales para mantener su apariencia histórica.
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