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Cuando la música era sagrada y las melodías sonaban por las calles de Al-Andalus
La caída de la dinastía Omeya y la llegada de las taifas supuso la ruptura con la tradición oriental y la libertad creativa su propio sello personal en todas las artes, música, poesía, literatura y lingüística que ejercieron gran atractivo en el mundo hasta nuestros días.
La música se hizo popular, salió de los Palacios a la calle, tomó las plazas y los jardines públicos para convertirse en un espectáculo al gusto del pueblo que le dio su propia forma: cante y baile y Andalucia se convirtió en una cantera de poetas, músicos y danzarines.
Existen documentos de la contabilidad de la corte de Alfonso X contabilizando 13 juglares árabes 1 judío y 12 cristianos. Alfonso X creó grupos musicales en Burgos, Toledo, Sevilla y Murcia donde colaboraban los músicos de todas las comunidades y religiones.
Tan grande era el amor de los andaluces por la música, la poesía y a la danza, no solo a los ricos sino también a la gente del pueblo, que eran el divertimento más apreciado de toda la familia y la música somaba la mayor parte del tiempo el hogar, en la calle, en los jardines y las plazas públicas.
Al Tullibi cuenta que durante su estancia en Málaga en el año 1015 no podía salir a la calle a causa de una enfermedad y al llegar la noche escuchaba alrededor de la casa la música, pero era imposible encontrar otra casa más tranquila «porque era costumbre generalizada en la gente de toda la región».
En las fiestas familiares se hacía cantar uno por uno a todos los jóvenes de la familia y en las cortes de algunos monarcas hasta se llegó a escuchar grandes agrupaciones de cien Laudes y el visir Ibn Abás de Almería en tenían su palacio quinientas cantoras y cada uno de los principes o miembros de la nobleza tenían, su propia cítara u orquesta personal.
Las bailarinas de Úbeda eran famosas en el siglo XII por su extraordinaria belleza, su arte y su habilidad para hacer malabarismos con sables y dados y para ejecutar números de magia al mismo tiempo que bailaban.
Ibn Haldun nos habla de las célebres danzas donde las bailarinas imitaban una lucha de caballeros en el transcurso de un combate ecuestre, con caballos de tela o carton cubiertos con faldas, describiendo una serie de movimientos que apasionaban tanto a jóvenes como adultos.
Las bodas eran suntuosamente celebradas y animadas por la sonoridad de la trompeta, el tambor y el cuerno. Rodeado de una gran audiencia avanzaban lentamente por las calles de la ciudad. La novia era recibida con acorde de música y conducida ante su futuro esposo rodeado de una comitiva de mujeres envuelta en aires de flauta citara. El público participa activamente en el concierto dando palmas siguiendo el ritmo particular de la danza o de algunos estribillos.
Córdoba era el centro de las escuelas de arte a donde llegaban estudiantes desde todos los rincones de Al-Andalus para familiarizarse con la ciencia y la cultura y el arte. Tan solo en esta ciudad había ochenta escuela públicas, diecisiete madrazas y más de veinte bibliotecas públicas que encerraban centenares de miles de libros de las cuales la inmensa mayoría aludían al arte musical.
Eran muchas las zambras, es decir las fiestas y velardas nocturnas que se hacían en las casas, llamadas Samar, de donde viene la palabra Zambra, descritas en las crónicas de Ibn Guzmán animadas por simples instrumentos como el tambor la castañuela.
Filósofos como Averroes o Avempace estudiaron la influencia de la música en las costumbres populares, el poder de sus fuerzas expresiva su efecto sobre el alma humana, y dejaron por escrito tratados de Música.
Según varias fuentesm en 1288 no era posible encontrar una sola persona que no supiera improvisar la composición de un poema sobre un tema cualquiera y la cantara en el mismo instante.
Las célebres cantaoras de Granada, Laila y Marian fueron famosas por su arte así como por su extraordinaria belleza, Ibn Bayá, (Avenpace) virtuoso del laúd, dejó muchas melodías célebres e hizo varias reformas que permitió a la escuela de Al Andalus entrar en una nueva fase dando pie al inicio del zéjel y la moaxaja, dos inventos netamente andalusíes.
La jarcha es un breve poema lírico en lengua romance que se encuentra al final de una moaxaja, un poema extenso en árabe o hebreo. Las moaxajas son composiciones poéticas estructuradas que incluyen varias estrofas y un estribillo, y las jarchas solían expresar sentimientos de amor o melancolía.
La moaxaja fue creada a finales del siglo IX, diez años después de la muerte de Ziryab y luego surge su versión popular el Zéjel que es el resultado de una evolución poética musical y social. Ibn Haldúm nos relata que que tras lograr que su poesía alcanzara una producción muy densa y técnica elaborada, los andalusíes crearon un nuevo arte llamado moaxaja y una vez difundido por la población nace a partir de la lengua dialectal es decir de La Algarabía, el zéjel. Varias fuentes corroborar que esta creación exclusivamente Andalusí forma parte de sus hermosas invenciones.
Las reglas básicas del arte de la música Andalusí fueron establecidas por Ziryab en Córdoba que vino de Oriente y dejó como legado un inmenso repertorio de cantos más de 10.000 canciones que inundó Sevilla para seguidamente invadir las demás provincias andaluzas y luego el Magreb.
La concepción mágica, mística y religiosa de la música andalusí asi como su poder expresivo y terapéutico y sus efectos sobre el alma humana constituyen el fundamento mismo y la razón de ser de la música Andalusí.
Las cuerdas del laúd y su reflejo en las diferentes manifestaciones psicofísicas del hombre muestran la estrecha relación entre el origen mágico y religioso de la música, la cosmología, la medicina y la matemática llegando a su culmen con la incorporación de una quinta cuerda roja como la sangre por el maestro Ziryab.
La quinta cuerda de Ziryab del laúd trataba de completar la constitución de este cuerpo sonoro y vivo que representa el legado mistico de la música andalusí. Dada su posición central la cuerda Ziryab constituye la síntesis de los cuatro elementos precedentes representados en alma y vida.
La posición central la cuerda Ziryab en el Laúd constituye la síntesis de los cuatro elementos del alma y la vida. Sus cinco cuerdas representan elementos cósmicos y temperamentos humanos, Los colores de las curdas, amarilla, roja, rojo oscuro, blanco y negro representaban el fuego, el aire, la vida, el agua y la tierra así como los temperamentos humanos, primera la bilis, la segunda la sangre, la tercera el alma, la cuarta la flema, y la quinta la atrabilis.
LOS INSTRUMENTOS DE AL ANDALUS
La música andalusí, desarrollada en Al-Ándalus durante la Edad Media, contó con una variedad de instrumentos que reflejaban su rica fusión cultural. Algunos de los instrumentos propios de la música andalusí son:
Laúd (Ud o Oud): Instrumento de cuerda pulsada muy popular, considerado el precursor del laúd europeo y de la guitarra. Tiene un cuerpo abombado, sin trastes y una cabeza inclinada.
Rabab o Rebab: Instrumento de cuerda frotada, posiblemente el antecesor del violín moderno. Con un cuerpo pequeño y una o dos cuerdas, se toca con un arco.
Qanun o Kanoon: Una especie de cítara o zíter que se toca colocándolo horizontalmente y pulsando las cuerdas con púas especiales. Tiene una serie de cuerdas afinadas que producen un sonido distintivo.
Nay o Ney: Una flauta de caña simple, con un sonido melancólico y etéreo, esencial en muchos estilos de música de Oriente Medio y del norte de África.
Darbuka o Derbake: Tambor en forma de copa hecho de cerámica o metal, con una cabeza de piel que se toca con las manos. Es un instrumento de percusión esencial para los ritmos andalusíes.
Zarb o Tar: Tambor de marco que se toca con las manos. Viene en varios tamaños y a menudo se utiliza en la música folclórica y clásica.
Castañuelas (Krakebs o Qraqeb): Especialmente en el norte de África, se utilizan castañuelas metálicas que producen un sonido rítmico característico.
Riq o Riqq: Un tipo de pandero con címbalos, utilizado en varios estilos de música árabe y andalusí.
Tamboril (T’bol): Un pequeño tambor que se toca con una mano y un palillo, típico de algunas regiones como Marruecos.
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El alumbrado navideño se inaugura el 27 de noviembre y costará 54.395 Euros.
El Ayuntamiento de Marchena ha adjudicado el contrato para la instalación del alumbrado navideño a la empresa AINELEC LM S.L., única licitadora en el proceso. La oferta presentada asciende a 44.954,55 euros más 9.440,46 euros de IVA, lo que hace un total de 54.395,01 euros. Este contrato incluye la instalación, mantenimiento y desmontaje de las luces, que estarán operativas del 6 de diciembre de 2023 al 6 de enero de 2024.
La empresa se compromete a cumplir con los requisitos medioambientales establecidos, aportando dos vehículos con emisiones estándar EURO6 o superiores. Además, deberá suscribir una póliza de seguro de responsabilidad civil por un mínimo de 600.000 euros antes de la formalización del contrato.
El alumbrado, que se instalará en régimen de alquiler, abarcará las siguientes calles y plazas de Marchena:
Avenida Santos Ruano, Calle Rojas Marcos, Calle San Sebastián, Calle Santa Clara, Calle Sevilla, Calle Antonia Díaz, Calle Santo Domingo, Calle Las Torres, Calle San Pedro, Calle Enrique Iniesta, Calle Madre de Dios, Plaza del Cardenal Espínola, Plaza Alvarado, Plaza de la Barriada de la Estación, Barriada Madre de Dios, Plaza San Sebastián, Mercado de Abastos y Plaza del Ayuntamiento.
Los trabajos de montaje comenzaron el 10 de noviembre y deben finalizar antes del 27 de noviembre, fecha prevista para la inauguración oficial. El desmontaje se llevará a cabo entre el 7 y el 20 de enero de 2025. Este proyecto busca fomentar el ambiente festivo en el municipio y dinamizar la actividad social y comercial durante la temporada navideña.
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La Hermandad de la Humildad presentó la restauración del coro alto y la puerta de entrada de la Iglesia de Santa Clara
Durante la presentación, se destacó la importancia de este proyecto, que ha sido posible gracias al programa de desarrollo rural de Andalucía 2014-2022 y la gestión del Grupo de Desarrollo Rural Serranía Suroeste Sevillana. Los trabajos han contado con la implicación de la empresa Vensa Restauración y Conservación, además de colaboradores locales como Carpintería Hermanos Vela, entre otros.
La restauración del coro alto, una celosía de madera policromada de más de 8 metros de ancho, ha sido un reto técnico que requirió limpieza, consolidación y reintegración cromática. También se intervino el «can» derecho, una pieza estructural seriamente dañada por ataques xilófagos, reemplazando su interior por un soporte metálico para garantizar su estabilidad mientras se preservaba su aspecto original.
Por otro lado, la puerta de entrada fue renovada mediante la sustitución de sus tablas exteriores por madera de iroco, respetando los herrajes originales y garantizando su funcionalidad por generaciones.
El hermano mayor, Antonio Molina, subrayó la responsabilidad de la Hermandad en preservar su patrimonio, no solo como legado espiritual, sino como bien cultural para el pueblo de Marchena. Además, agradeció la colaboración de todos los hermanos y entidades que han hecho posible esta restauración, valorada en más de 78.000 euros.
La celosía de madera policromada del coro alto de la Iglesia de Santa Clara de Marchena es una obra notable del patrimonio histórico local. Según los registros históricos, la celosía data de 1785, un año en el que se constata su existencia como parte integral del coro alto del templo. Este elemento se diseñó con una función específica: tamizar la luz y ofrecer intimidad a las monjas clarisas, permitiéndoles asistir a los actos religiosos desde el coro sin ser vistas por los asistentes en la nave de la iglesia.
Autoría y Estilo
Aunque no se ha identificado al autor exacto de la celosía, los análisis técnicos y estilísticos sugieren que fue realizada por artesanos locales del siglo XVIII con un alto grado de especialización en carpintería y policromía. Estos artesanos trabajaron bajo la influencia del estilo barroco tardío, caracterizado por una decoración rica y detallada, que es evidente en las molduras, cresterías y elementos ornamentales de la celosía.
Materiales y Técnicas
La celosía está compuesta por madera de alta calidad, probablemente pino o abeto, tratada para resistir las condiciones ambientales del interior del templo. La policromía, que se conserva en gran parte original, incluye tonos claros en el fondo (como el beige y el blanco) y detalles decorativos en azules y negros. Las técnicas empleadas incluyen la talla manual para los detalles estructurales y decorativos, y la aplicación de pigmentos y barnices de origen natural, característicos de la época.
Contexto Histórico
La Iglesia de Santa Clara, antigua sede del convento de monjas clarisas, fue fundada oficialmente en 1498 y acogió a la orden hasta 1964, cuando las últimas monjas dejaron el convento. La celosía del coro alto era un elemento esencial en la vida conventual, permitiendo a las religiosas participar en las ceremonias mientras mantenían su clausura.
Conservación
Antes de la reciente restauración, la celosía presentaba daños estructurales y estéticos significativos, incluyendo suciedad acumulada, grietas en la madera, ataque de xilófagos (insectos que dañan la madera) y alteraciones en la policromía debido a intervenciones previas mal documentadas. Estos problemas comprometían tanto su estabilidad como su apariencia original.
La celosía de madera policromada del coro alto de la Iglesia de Santa Clara de Marchena es una obra notable del patrimonio histórico local. Según los registros históricos, la celosía data de 1785, un año en el que se constata su existencia como parte integral del coro alto del templo. Este elemento se diseñó con una función específica: tamizar la luz y ofrecer intimidad a las monjas clarisas, permitiéndoles asistir a los actos religiosos desde el coro sin ser vistas por los asistentes en la nave de la iglesia.
El can derecho de la celosía del coro alto de la Iglesia de Santa Clara presentaba un estado crítico de deterioro estructural, que comprometía la estabilidad de todo el conjunto. Este elemento, esencial para sostener la gran viga que recorre la celosía, había sufrido un ataque severo de xilófagos (insectos que se alimentan de madera), que dejó su interior prácticamente hueco y sin capacidad portante.
El daño fue tan severo que la madera original perdió prácticamente toda su capacidad estructural. Aunque los xilófagos ya no estaban activos, el deterioro acumulado había reducido el can a una delgada capa exterior.
La profundidad del daño incluso había causado agujeros visibles en el exterior, lo que alertó a los restauradores sobre el riesgo de colapso.
El can apenas cumplía su función de soporte. Durante la inspección, los restauradores notaron que estaba casi suelto, sostenido más por las condiciones generales de la estructura que por su propia integridad. Dada la importancia del can en la estabilidad de la celosía y la gran viga que soporta, su estado representaba un peligro real para la conservación de la pieza y la seguridad de la estructura.
Solución adoptada
Los restauradores tomaron una decisión técnica clave: mantener el can como elemento decorativo, pero reforzarlo estructuralmente desde el interior. Esto permitió preservar su apariencia histórica mientras se aseguraba su función. El can fue desmontado cuidadosamente para evitar daños adicionales. Antes de su manipulación, se protegió su superficie exterior con papel japonés y adhesivo para evitar desprendimientos de la policromía.
Se diseñó y fabricó un can metálico interno, que asumiera toda la carga estructural que el can original ya no podía soportar. Este elemento metálico se diseñó específicamente para encajar dentro del can de madera. El can de madera fue ahuecado en su interior para alojar el núcleo metálico. Se consolidaron las partes exteriores, reparando las zonas dañadas con injertos de madera en las áreas que presentaban pérdida de material.
Una vez restaurado y reforzado, el can fue colocado nuevamente en su posición original, ahora cumpliendo únicamente una función decorativa. El núcleo metálico oculto dentro de él asume toda la carga estructural.
Sin embargo, el can derecho no fue el único desafío al que se enfrentaron los restauradores. La celosía, de más de 8 metros de ancho y rica en ornamentación barroca, también mostraba suciedad acumulada por siglos de uso, especialmente por el hollín de velas y polvo ambiental, lo que había formado una costra que ocultaba su policromía original.
Además, se detectaron grietas profundas en la madera, pérdida de adherencia en la pintura decorativa, y la presencia de repintes antiguos que habían cambiado de color con el tiempo, alterando la armonía estética del conjunto. Estas lesiones se abordaron con técnicas modernas, incluyendo limpieza química con disolventes específicos, consolidación de las grietas mediante inyecciones de resina, y la eliminación cuidadosa de repintes incompatibles.
Otro problema recurrente fue la presencia de piezas desplazadas o sueltas, algunas de las cuales estaban tan inestables que podían desprenderse al manipular la estructura. Estas se reubicaron y fijaron en su posición original con materiales compatibles, mientras que las molduras y elementos decorativos faltantes se reprodujeron en madera tallada a mano, respetando los diseños originales. Los elementos metálicos, como clavos y herrajes, también fueron tratados para eliminar la oxidación y asegurar su funcionalidad, volviéndose a integrar en la celosía tras ser restaurados.
La restauración no solo se centró en la parte frontal de la celosía, sino también en su reverso, donde las patologías eran similares. Se realizaron limpiezas profundas, consolidaciones y reposiciones necesarias, logrando un resultado homogéneo que preserva tanto la funcionalidad como la estética del elemento. Además, la puerta de entrada de la iglesia, otro componente esencial, fue intervenida reemplazando las tablas exteriores deterioradas por nuevas de madera de iroco, garantizando su resistencia al tiempo y respetando los herrajes originales para mantener su apariencia histórica.
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