El cine, como reflejo de nuestras emociones más profundas, ha encontrado en los arquetipos de Carl Gustav Jung una herramienta poderosa para construir personajes que conectan con el público. Estos arquetipos, que representan patrones universales de comportamiento, trazan el desarrollo emocional de los personajes y nos muestran su transformación a lo largo de las historias.

En el inicio de un guion, es común encontrar al Inocente, un personaje lleno de esperanza que confía en la bondad del mundo. Un ejemplo clásico es el niño de La vida es bella, cuya visión ingenua contrasta con el horror del entorno, creando una narrativa que acentúa tanto la ternura del personaje como la dureza de la realidad.

Sin embargo, cuando el paraíso en el que vive el Inocente se derrumba, este arquetipo se transforma en el Huérfano. El Huérfano es pesimista, siente una profunda herida emocional y busca desesperadamente seguridad. Bruce Wayne en Batman Begins es un claro ejemplo: la pérdida de sus padres lo lleva a desconfiar del mundo, pero también a buscar fortaleza en sí mismo, dando el salto hacia el arquetipo del Guerrero.

El Guerrero, uno de los arquetipos más comunes en la ficción, simboliza la lucha por alcanzar un objetivo. William Wallace en Braveheart es el prototipo de este arquetipo, motivado por la venganza tras la muerte de su amada. Sin embargo, no todos los Guerreros luchan por causas nobles.

Finalmente, el Benefactor, también conocido como el Cuidador, representa el altruismo y la compasión. Personajes como Mary Poppins o Anne en Mi vida sin mí son ejemplos de cómo el Benefactor prioriza el bienestar de los demás, incluso sacrificándose a sí mismo. Sin embargo, su sombra puede convertirlo en un personaje sofocante, como la madre de Rose en Titanic, que utiliza su rol protector para manipular a su hija.

Arquetipos del Alma en el cine: el puente hacia la transformación

Tras los arquetipos del Ego, que se centran en la construcción de la identidad y la relación con el mundo exterior, los arquetipos del Alma, según Carl Gustav Jung, representan una etapa de introspección y conexión con emociones profundas. En el cine, estos arquetipos dan lugar a personajes que buscan significado, enfrentan conflictos internos y persiguen cambios transformadores.

Uno de los arquetipos más destacados del Alma es el Buscador, quien anhela una vida más auténtica y persigue aventuras que le permitan comprenderse a sí mismo. Frodo en El Señor de los Anillos encarna perfectamente este arquetipo, emprendiendo un viaje que no solo lo lleva a destruir el Anillo Único, sino también a superar sus limitaciones internas. Sin embargo, el Buscador también puede caer en su sombra, volviéndose obsesivo y aislándose de los demás. Esto lo vemos en personajes como Chris McCandless en Hacia rutas salvajes, cuya búsqueda de libertad lo lleva a un destino trágico.

El Amante es otro arquetipo esencial del Alma, guiado por el deseo de conexión emocional y armonía. Este personaje no solo busca amor romántico, sino también belleza y significado en todo lo que lo rodea. En Romeo y Julieta, ambos protagonistas representan al Amante en su forma más intensa, idealizando su amor hasta el extremo. Sin embargo, la sombra de este arquetipo puede llevar al autoengaño o a la dependencia emocional, como ocurre con Gatsby en El gran Gatsby, obsesionado con un amor idealizado que nunca podrá alcanzar.

Por último, el Creador se centra en construir algo duradero que trascienda. Este arquetipo es un visionario, como Tony Stark en Iron Man, cuya inventiva y creatividad lo impulsan a ser un héroe. Sin embargo, su sombra puede llevarlo a la autodestrucción, como ocurre con muchos artistas y genios que sucumben a su perfeccionismo.

En contraste, el Destructor, también conocido como el Rebelde, actúa como un agente de cambio. Su misión es acabar con lo que considera injusto o corrupto, aunque su método implique destruir sin contemplaciones. Jack Sparrow en Piratas del Caribe ilustra este arquetipo en su vertiente más extravagante y libre, mientras que Walter White en Breaking Bad muestra su lado oscuro: el Destructor que se convierte en villano, cegado por su ambición.

Los arquetipos del Self: la culminación del viaje

En la etapa final del desarrollo según Jung, los arquetipos del Self representan la integración del consciente y el inconsciente. Estos personajes han alcanzado un equilibrio interno y simbolizan la sabiduría y la plenitud.

El Sabio es el arquetipo que busca y comparte conocimiento. Obi-Wan Kenobi en Star Wars es un ejemplo clásico: un maestro que guía al protagonista con sabiduría y experiencia. Sin embargo, la sombra del Sabio puede ser la arrogancia intelectual o el aislamiento, como ocurre con Jorge en El nombre de la rosa, quien utiliza su conocimiento para controlar y castigar.

El Gobernante encarna el liderazgo y el deseo de orden. Aragorn en El Señor de los Anillos representa el lado positivo de este arquetipo, un líder que asume su papel con responsabilidad y justicia. Pero en su sombra, el Gobernante puede convertirse en un tirano, como Vito Corleone en El padrino, cuya necesidad de control lo lleva a la crueldad.

El Mago utiliza su conocimiento para transformar la realidad. Gandalf en El Señor de los Anillos y Yoda en Star Wars son ejemplos perfectos: personajes que combinan sabiduría y poder para guiar a otros en sus propios viajes. Sin embargo, la sombra del Mago puede ser peligrosa, como Saruman en El Señor de los Anillos, quien se deja consumir por su deseo de poder.

Finalmente, el Bufón aporta ligereza y humor, pero también verdades profundas. En Shrek, el Burro es un Bufón que combina comicidad y lealtad, ayudando al protagonista a enfrentar sus propios miedos. Sin embargo, en su sombra, el Bufón puede convertirse en un irresponsable o un cínico, incapaz de tomarse nada en serio, como Jack Sparrow en sus momentos más autodestructivos.

En la teoría de Carl Gustav Jung, la sombra representa los aspectos reprimidos o inconscientes de la personalidad, incluyendo deseos, temores y cualidades que el individuo o personaje no reconoce como propios. En términos narrativos, integrar la sombra de un arquetipo significa permitir que el personaje enfrente estas partes ocultas de sí mismo, lo que enriquece su desarrollo y lo hace más complejo y realista. La sombra finalmente se vence aceptandola y abrazandola es decir haciendola consciente, dándonos cuenta de cómo opera en nosotros y aceptándola. La integración de la sombra supone que deja de ser sombra y por lo tanto desaparece.  

Joseph Campbell (1904-1987) fue un profesor estadounidense que comparó todos los mitos y religiones de la tierra y extrajo sus elementos comunes, presentándolos en «El viaje del héroe» que se convirtió en la biblia para los guionistas de Hollywood  y George Lucas, usó para escribir el guión de “La Guerra de las Galaxias”.

“El Viaje del Héroe” es el nombre con el que Campbell denominó una estructura común desde “Gilgamesh” o “La Odisea”, hasta las novelas contemporáneas. Se trata del monomito, o los pasos que da un héroe para convertirse en héroe que se ha convertido en una referencia para muchos guionistas a la hora de sacar adelante sus películas o libros.

Unas décadas antes, en 1928, ya lo había apuntado el formalista ruso Vladimir Propp en La morfología del cuento, con una esquematización más compleja en forma de listado de 31 puntos o funciones. La ciencia de contar historias de Will Storr es otra exploración de las claves de la eficacia narrativa conectándola con el funcionamiento de nuestro cerebro, que procesa información constantemente y está especialmente alerta al cambio. 

El neurolingüista Steven Pinker nos define como una especie verbívora que necesita las palabras para dar forma concreta a las ideas abstractas y pensamientos que surgen dentro de su cerebro. Pero podemos ir más allá. Somos una especie narratívora. Las palabras aisladas no nos bastan, necesitamos articularlas alrededor de historias que hablen de sus relaciones de semejanza, contigüidad o causa-efecto y, así, entender mejor el mundo que nos rodea y a nosotros mismos.

Este tipo de textos habla a dos niveles, un nivel psicológico interior a cada ser humano y un nivel social comunitario, de ahí que funcione a nivel global, ya que todos nos sentimos concernidos en uno u otro plano.

En Star Wars: Una Nueva Esperanza, Luke Skywalker encarna a la perfección el arquetipo del héroe según el esquema de Joseph Campbell. Su historia comienza en el árido Tatooine, donde vive atrapado en la monotonía de una vida como granjero, soñando con aventuras más allá de las estrellas. Pero todo cambia cuando un misterioso mensaje de la princesa Leia, oculto en el androide R2-D2, lo introduce al conflicto galáctico contra el Imperio.

Al principio, Luke se muestra reticente. El miedo a lo desconocido y el apego a sus responsabilidades lo frenan, hasta que la tragedia golpea: la muerte de sus tíos a manos de los soldados imperiales lo obliga a abandonar su hogar. Es entonces cuando entra en escena Obi-Wan Kenobi, el sabio mentor que lo guía hacia su destino, entregándole el sable láser de su padre y enseñándole sobre la Fuerza. Con Obi-Wan, Luke cruza el umbral hacia un mundo desconocido, lleno de peligros y posibilidades.

El viaje no es solitario. Luke encuentra aliados como Han Solo, Chewbacca y Leia, con quienes enfrentará pruebas como el rescate de la princesa y la infiltración en la imponente Estrella de la Muerte. Sin embargo, el momento más devastador llega cuando Obi-Wan se sacrifica enfrentando a Darth Vader, dejando a Luke solo con la carga de su aprendizaje.

Con los planos de la Estrella de la Muerte en sus manos, Luke regresa al refugio de los rebeldes para planear el ataque final. En el clímax de la historia, durante la batalla decisiva, Luke confía plenamente en la Fuerza, dejando de lado la tecnología y los cálculos para destruir la amenaza imperial. Su acto heroico no solo asegura una victoria crucial para la Alianza Rebelde, sino que también lo transforma. Deja atrás al joven inseguro y se convierte en el héroe que el universo necesita.

El triunfo de Luke, al regresar con el elixir simbólico de la libertad y la esperanza, cierra este capítulo de su viaje, pero deja claro que su transformación es solo el inicio de mayores desafíos. Así, Star Wars se erige como un relato atemporal que conecta con las profundidades del alma humana, siguiendo el camino universal del héroe.

Como antesala a la Salida Extraordinaria del Dulce Nombre, el próximo viernes 25 de octubre a las 20.30 horas  en San Sebastiám, la hermandad del Dulce Nombre celebra un concierto de música antigua, con el repertorio “Sacra Musicae”, para escuchar la música procesionale para cortejos penitenciales del S. XVI por el grupo Ministriles Hispalensis, enmarcado en los 425 años de esta Corporación del Dulce Nombre de Jesús.

Sacra Musicae es el repertorio con el que Ministriles Hispalenses un grupo de expertos e investigadores rescata la música que sonaban tras nuestras imágenes en el XVI y XVII es decir en su época fundacional.  Aunque muchos piensan que la «música de capilla» es la música más antigua de nuestra Semana santa lo cierto es que era la “música de ministriles” la que acompañaba a las hermandades de Marchena y así lo recogen las primitivas reglas del Cristo de san Pedro, o Soledad. 

Para rescatar esta música Ministriles Hispalensis utiliza sacabuches, corneto, bajón, bajoncillo, chirimía, tambor destemplado y organetto además de una Escolanía de Sevilla y un cuerpo de “acólitos” acompañantes.

Ministriles Hispalensis, se ofrece a las hermandades para rescatar este primitivo repertorio de música procesional que ya ha recuperado la Vera Cruz de Jerez, cofradía más antigua de la ciudad fundada en 1.542. Este grupo se ofrece para dar a conocer y valorar la “música de ministriles” para los cultos y las estaciones de penitencia de las hermandades.

La cofradía del Santo Crucifijo o Cristo de San Pedro recoge en sus primeras reglas de 1556 que la música que lo acompañaba en su cortejo procesional en la madrugada  del Jueves al Viernes Santo era música de ministriles y trompeta en su procesión y cultos, músicos que tenían una situación de privilegio en la hermandad pues no pagaban nada y a cambio tocaban gratis en las fiestas y procesiones.

En su capítulo veinticuatro qué trata «de cómo sean de rescibir los ministriles o trompetas» dice «ordenamos que si algún trompeta o ministril quisiera entrar en nuestra cofradía que lo reciban de balde con tal condición que sirva nuestra fiesta en su trompeta», y si faltaba se le ordenaba que pague una cuota que quedaría en depósito de la Cofradía.

En 1600 el Santo Entierro era portado por clérigos escoltado en los flancos por los armaos de etnia gitana que portaban lanzas y espadas y seguido por el palio de respeto con sacerdotes seguidos de frailes de las órdenes franciscanas y agustinos. Un grupo de ministriles acompañaban a la Soledad. Detrás de la Virgen, cruz parroquial y ciriales para abrir el tramo de caperos grupos de hasta cincuenta sacerdotes de la matriz de San Juan.

La regla de la Veracruz manda en sus reglas primitivas que la cofradía se ordene de la siguiente manera. «Que delante de la dicha processión vaia el nuestro maiordomo con la seña negra, y luego los demás cofrades por su orden e processión, entre dos de luz uno de sangre, con mucho concierto hasta el cabo donde irá el crucifijo grande con las lumbres que a los diputados pareciere que conuiene que vaian alumbrando. Y luego los cantores y tras de ellos irá la imajen de Nuestra Señora».  

«Que vaia el Christo pequeño con seis hachas y más atrás que vaia por su orden vaia el Christo grande con doze achas. Y acabada nuestra processión, vaia la imajen de la Madre de Dios y que la alumbre ocho hachas y allí vaian sus cantores y que ninguno vaia vestido de negro en la dicha Cofradía sino con su túnica».

Igualmente la primitiva regla del Dulce Nombre manda «quel Domingo de Ramos de cada vn año se haga cabildo general. E para ello el muñidor llame e apellide a todos los hermanos para que se hallen presentes a el dicho cabildo. Ase de tratar en el dicho cabildo de la procesión del Jueues Sancto y la ora que a de salir y las yglesias que a de andar. Ase de tratar los cantores y clérigos que an de yr en la proçesión y la limosna que se les a de dar por ello».

Juan Polo era un ministril de la capilla musical de la iglesia de San Juan que vivia en la calle Alcalde Lebrón, viudo y con varios hijos en 1719, según el padrón de Marchena de ese año, conservado en el Archivo Historico municipal de Marchena. Aparece descrito con la palabra ministril, si bien es cierto que dicha palabra se usaba entonces como sinónimo de músico.

Por todo el barrio de San Juan aparecen viviendo los músicos de la capilla de San Juan como Rodrigo de Jaén, y Juan Ignacio de Morales maestro de capilla que vivían en la calle Albarracín o San Francisco. En la calle Huescar vivía Francisco Madroñal ciego y organista de la Parroquia de San Juan y Tomas Ignacio Reina párroco de San Juan. En la calle de los Sastres vivía Juan Polo Ministril de la capilla.

La chirimía, el sacabuche, la corneta y el bajón fueron los principales instrumentos interpretados por los ministriles, otras veces se añadían flautas u orlos, que son aerófonos con forma de “J”.

La chirimía era un instrumento de viento con doble lengüeta, similar a la dulzaina actual.  En 1468, desde Francia llega el sacabuche para acompañar a la chirimía en los conjuntos de ministriles. El sacqueboute, en su denominación original, es el antepasado del moderno trombón. A finales del siglo XV se incorpora la corneta, que desciende del cuerno de caza medieval. Para reforzar los sonidos bajos los conjuntos de ministriles adoptaron el bajón, un instrumento de alrededor de un metro de longitud, de un solo bloque de madera.

En la boda  Carlos I e Isabel de Portugal, que tuvo lugar en Sevilla el 11 de marzo de 1526 y en el que tocó una fastuosa capilla real de ministriles.

Desde la Edad Media al músico profesional, se le denominaba ministril porque ejercía un oficio o ministerium se trataba de instrumentistas que vendían sus servicios de forma ocasional y tocaban puntualmente tanto en celebraciones religiosas como civiles. Su repertorio era amplio y variado: desde música religiosa hasta danzas y canciones de moda de la época.

Aparte de la corte, algunas altas casas señoriales contaban con su propio grupo fijo de ministriles, algo que solamente se podían permitir las familias más opulenta.

El Palacio Ducal de Marchena era escenario de fiestas y espectáculos musicales y teatrales con cierta frecuencia. En algunas de estas actividades participaba la capilla musical del Palacio Ducal, dirigida por importantes maestros como Melchor Téllez (1541), Cristobal de Morales, (1548), maestro Laureano (1569), Andrés de Angulo (1599) y Carlos Domingo de Rada.

En 1513 trabajaban para el duque un grupo de músicos entre ellos el vihuelista Antonio Ramos y un grupo de trompetas y tambores que tenían además, funciones militares.

En tiempos de Cristóbal de Morales la capilla musical estaba formada por Juan Gómez, Diego de Villadiego, Nicolás de Velasco. Alonso Verdugo y el joven Juan Navarro cantor de coro, tenor y luego maestro de capilla en las catedrales de Avila, Salamanca y Palencia.

En las solemnidades como la Inmaculada de 1569 se sumaron además cinco chirimías, ocho cantores, varios mozos de coro mas el organista Juan Garcia de Arenas y el maestro Laureano. A esto hay que sumar los ministriles y arpa agregados en 1636.

La Universidad de Granada ha lanzado recientemente una monografía exhaustiva sobre Pedro de Mena, el célebre escultor barroco andaluz del siglo XVII, conocida como Pedro de Mena (1628-1688): Un singular escultor andaluz del Barroco español. Esta obra, escrita por Lázaro Gila Medina y Juan Antonio Sánchez López, ambos reconocidos especialistas en arte barroco, es parte de la Colección Arte y Arqueología de la Editorial UGR. La publicación aborda la vida, el contexto artístico y las técnicas del escultor, cuya obra se caracteriza por un realismo conmovedor y una profunda espiritualidad.

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La monografía está ricamente ilustrada y realiza un análisis crítico actualizado, con descubrimientos recientes y aportaciones académicas que subrayan la relevancia de Pedro de Mena en el arte español. Este estudio se ha convertido en una referencia imprescindible para conocer a fondo su legado tanto en Granada como en Málaga, los dos principales escenarios de su actividad artística.

En esta obra, los autores rinden homenaje a Pedro de Mena y Medrano, un artista único que dejó una huella imborrable en la escultura barroca española. Su realismo, combinado con una conmoción emocional y un profundo sentido de la espiritualidad, abrió las puertas a un nuevo estilo cuyo legado perdura hasta hoy.

A través de un riguroso análisis académico y un lenguaje preciso, Gila Medina y Sánchez López abordan una amplia variedad de temas, desde el contexto artístico que influyó en la vida de Mena hasta su biografía, sus obras y su maestría técnica. La publicación incluye una rica selección de imágenes que sumergen al lector en el universo artístico de este escultor granadino-malagueño.

Este volumen se presenta como una obra de referencia ineludible para entender la vida, obra e imagen de un artista genial e irrepetible.

La Inmaculada que Pedro de Mensa hizo para Santa María de Marchena por encargo del Duque de Arcos se considera su última obra y hoy está en la iglesia de San Juan.

Nacido en Granada, desarrolló su actividad artística en la ciudad de Málaga durante los últimos treinta años de su vida. Aprendió a partir de los 10 u 11 años las técnicas de la escultura en el taller de su padre, Alonso de Mena y Escalante, otro famoso escultor. En este taller coincidió con el sevillano Pedro Roldán y el lorquino Juan Pérez Crespo, además de su hermano Alonso de Mena.  A la muerte de su padre en 1646, quedaron ambos hermanos en el taller, que era el más importante de Andalucía oriental en la primera mitad del siglo XVII.

El año de 1652 Alonso Cano se establece en Granada para trabajar en la Catedral y elige como colaborador a Mena, que cambia de estilo y luego huyendo de la presión del maestro se traslada a Málaga  con 30 años para tallar el coro de la Catedral de Málaga,  1658-1660.

Cuando terminó el coro malagueño, viajó a la corte y la Catedral de Toledo le nombró escultor mayor, volvió a Málaga y trajo consigo el encargo de los jesuitas de Madrid de una Magdalena Penitente, obras clave firmada como «Granatensis Malacae» («Granadino en Málaga»).

Con 50 años contrae la peste y se salva milagrosamente, pero no deja de trabajar, dibuja especialmente  Ecce Homos e Inmaculadas que so obra de taller mientras que el maestro daba los toques maestros en cara y manos.

LA INMACULADA DE MARCHENA

En los últimos años de su vida el Duque de Arcos le encarga la gran Inmaculada de dos metros de alto que se conserva en San Juan, para la iglesia de Santa Maria sobre la que se conservan dos cartas manuscritas, una del propio escultor y otra de su viuda después de muerto el maestro. Por lo tanto, la obra realizada para Marchena es su última escultura.

En torno diciembre de 1688 se conservan  dos cartas autógrafas del escultor Pedro de Mena y Medrano a Antonio de Fuentes explicando que el estado de su salud le impidió trabajar en la imagen de la Concepción encargada para Marchena y dice que el duque querría verla en Madrid pues por su arte será mucho mejor que la que hizo para la Iglesia de Córdoba; habla también de su situación y cuestión de fondos.

Todas las Inmaculadas de Mena tienen entre ochenta o un metro, menos las de Córdoba y Marchena que superan los dos metros, pues fueron realizadas para su exposición en retablo. En 1688 Mena dejó a su muerte casi terminada la Inmaculada encargada por el Duque de Arcos para Marchena, cuya imagen concluyó su discípulo Miguel de Zayas.

Una vez muerto el artista su viuda Catalina de Vitoria y Ulquiza, envía una carta al Duque de Arcos en la que asegura que éste dijo que estaba terminada la imagen de la Concepción que por encargo del Duque de Arcos hizo para la iglesia de Santa María de la Mota de Marchena y que lo que faltaba lo podían hacer sus oficiales o discípulos. Carta fechada en Málaga eñ 23 de noviembre de 1688.

En estos años el maestro era uno de los artistas más reclamado y cotizados de España y trabajó al mismo tiempo para Marchena y para la catedral de Córdoba en dos Inmaculadas de gran tamaño, pues ambas tienen dos metros de alto.

Federico García Lorca fue asesinado hace hoy 88 años pero está más vivo que nunca. «Cuando yo era niño viví en un pueblecito muy callado y oloroso de la vega de Granada. Todo lo que en él ocurría y todos sus sentires pasan hoy por mí, velados por la nostalgia de la niñez y por el tiempo. El monstruo de la política le quitó su virginidad y su luz. En ese pueblo yo nací y se despertó mi corazón. En ese pueblo tuve mi primer sueño de lejanías. En ese pueblo yo seré tierra y flores…».

Los lugares donde vivió el poeta se han convertido en la Ruta de Lorca por tierras granadina que puede descuribrse a través del proyecto Universo Lorca.

Federico García Lorca vino al mundo en la casa de la calle de la Trinidad número 4 de Fuente Vaqueros (hoy calle Federico García Lorca) a “las doce de la noche” del cinco de junio de 1898 y fue bautizado seis días más tarde con el nombre de Federico del Sagrado Corazón de Jesús.

LA INFANCIA FELIZ DEL POETA MAS AMADO

Una compañía de marionetas llegó un año a Fuente Vaqueros y cautivó al niño, tanto que empezó a producir sus propias funciones. “Todos nosotros nos reconocíamos en los títeres de Federico: mi madre, don Antonio, la servidumbre y yo… Del mismo modo nos reconocimos más tarde en una u otra de sus obras”, explica Carmen Ramos.

Su juego favorito consistía en decir misa. “En el patio había un pequeño muro donde colocaba una imagen de la Virgen y algunas rosas tomadas del jardín. Delante de ese improvisado altar nos hacía sentar a su hermano Francisco y a mí”, cuenta Carmen Ramos. Y ya acomodados los espectadores y cubierto él con vestidos de telas rameadas oficiaba la misa con una condición: que la audiencia rompiera a llorar durante el sermón.

Museo Casa-Natal de Federico García Lorca en Fuente Vaqueros (Granada)
Cuna y dormitorio de Federico García Lorca.

 Manuel Ángeles Ortiz recuerda cómo Federico, en la Residencia de Estudiantes, “nos decía misa casi todos los días”. “Envuelto en unos viejos brocados que yo tenía, llegaba incluso a darnos la comunión con trozos de bizcocho”. 

“Siendo niño”, declaró en 1934 en Buenos Aires, “viví en pleno ambiente con la naturaleza. Como todos los niños, adjudicaba a cada cosa, mueble, objeto, árbol, piedra, su personalidad. Conversaba con ellos y los amaba”.

En el patio de la casa había una fila de chopos musicales que parecían hablar entre sí cuando el viento movía sus ramas. “Yo solía pasarme las horas acompañando con mi voz la canción de los chopos. Otro día me detuve asombrado. Alguien pronunciaba mi nombre, separando las sílabas como si deletreara: ´Fe… de… ri…. co´. Miré a todos lados y no vi a nadie. Sin embargo, en mis oídos seguían chicharreando mi nombre. Después de escuchar largo rato, encontré la razón. Eran las ramas de un chopo viejo que, al rozarse, producían un ruido monótono, quejumbroso, que a mí me pareció mi nombre”.

 A los ocho años Federico conocía más de un centenar de romances populares.

“Yo, si tuviera hambre y estuviera desvalido en la calle no pediría un pan; sino medio pan y un libro. Y yo ataco desde aquí violentamente a los que solamente hablan de reivindicaciones económicas sin nombrar jamás las reivindicaciones culturales” dijo en otra ocasión en su pueblo.

PEPE EL ROMANO FUSILÓ A LORCA

Cuando Federico se muda a Valderrubio conoce allí la historia real de Frasquita Alba que vivía en la casa de al lado de la de su tía.  El propio Federico escribe «había en el confín del patio un pozo medianero, sin agua, y a él descendía para espiar a esa familia extraña cuyas actitudes enigmáticas me intrigaban. Y pude observarla. Era un infierno mudo y frío en ese sol africano, sepultura de gente viva bajo una férula inflexible de cancerbero oscuro. Y así nació La casa de Bernarda Alba, 

Cuando se publica La casa de Bernarda Alba, provoca un enfrentamiento entre los Alba y los Lorca al narrar los hechos y personajes reales de la familia Alba. Además el poeta usó la historia de los Alba para algunas escenas de Yerma y Bodas de sangre. Los Lorca dejaron de ir a veranear a Valderrubio cuando compran la Huerta de San Vicente. 

Una de las hijas de Frasquita Alba Martirio sufría unas fiebres de origen desconocido. Pepe el Romano o Pepico el de Roma (a los del pueblo cercano de Romilla se les llamaba “romanos”) se casó con una de las hijas de Frasquita pero murió pronto. Martirio se casó luego con su cuñado Pepe el Romano, José Benavides Peña que participó en el fusilamiento del poeta.

El Museo de la Casa Natal de García Lorca se inauguró el 29 de julio de 1986 en el 50 aniversario de su fusilamiento. La vivienda fue adquirida en 1982 por la Diputación de Granada. Posteriormente, en 1998, con ocasión del centenario del nacimiento, se abrió el Centro de Estudios Lorquianos en el edificio de las antiguas escuelas, para guardar y poner a disposición de los investigadores el importante archivo lorquiano procedente de compras y donaciones. 

LA HUERTA DE SAN VICENTE

La principal residencia de Federico García Lorca en Granada fue la Huerta de San Vicente, la casa de campo donde la familia pasó todos los veranos a partir de 1926; el lugar donde fueron escritas o trabajadas obras como Yerma, Bodas de sangre, el Romancero gitano, Doña Rosita la Soltera, El Público o Así que pasen cinco años, entre otras,

“Hay tantos jazmines en el jardín y tantas damas de noche que por la madrugada nos da a todos en casa un dolor lírico de cabeza”. (A Jorge Guillén, 1926)

El dormitorio de Federico se conserva en su estado y orientación originales. “Granada enfrente de mi balcón, tendida a los lejos con una hermosura jamás igualada”. 

En 1936, Lorca viajó de Madrid a Granada, tras muchas dudas. “Rafael”, le dijo a su amigo Martínez Nadal antes de tomar el tren, “estos campos se van a llenar de muertos. Está decidido. Me voy a Granada y sea lo que Dios quiera”.  El seis de agosto se presentó en la Huerta un grupo de falangistas buscando una supuesta emisora de radio a través de la cual Lorca se comunicaba con la Unión Soviética y que, según sus sospechas, escondía en el piano.

“Estoy en plena bucólica, todo el día comiendo exquisita fruta y cantando en el columpio con mis hermanos, y hago tantísima tontería que a veces me avergüenzo de la edad que tengo”. (A Sebastià Gasch, 1927)

El 9 de agosto, tres días después, se presentó en la Huerta otro grupo al mando de un sargento retirado de la Guardia Civil: buscaban al casero Gabriel Perea para que confesara el paradero de sus hermanos.  Gabriel fue atado a un cerezo y maltratado.  La noche de ese mismo día, el 9 de agosto, el chófer de la familia llevó a Lorca a la casa de los Rosales, a solos unos centenares de metros del Gobierno Civil. 

Tras los asesinatos de Lorca y de Manuel Fernández-Montesinos, la familia permaneció dos años refugiada en la Huerta hasta que, atemorizada y vulnerable, se mudó a un piso en la calle Manuel del Paso En agosto de 1940 la familia huyó a América.

“Yo trabajo mucho. Ahora mismo mi casa está llena de canciones de cuna para dormir a la niña, y ya están dormidas mi mamá, mis hermanas, mi papá, los árboles y los perros, menos la niña, que no se duerme nunca”. (A Carlos Morla Lynch, 1931)

EL MISTERIO DE LA TUMBA DE FEDERICO

El parque Federico García Lorca en Alfácar, Granada se levantó en 1986 en el lugar donde se cree fue asesinado el poeta en 1936, en un punto indeterminado entre Víznar y Alfacar. 

Debajo de la fuente del parque que lleva el nombre del poeta en Alfacar hay unos sacos con huesos. ¿Son de Lorca?. Ni la Junta ni la familia del poeta dan los permisos para buscar, tras dos excavaciones fallidas en otros tantos puntos. Su sobrina nieta Laura García Lorca nunca ha dado permisos para buscar los huesos del poeta, por eso a él nunca se le ha buscado, aunque sí a los de las otras tres personas fusiladas con él, por expreso deseo de sus familias.

En el barranco de Víznar, fueron fusiladas centenares de personas en 1936 durante décadas, los niños de la zona jugaban al fútbol con los huesos que encontraban, muy superficiales. Pero, ¿dónde están los huesos de Lorca y porqué no aparecen?.

Las dos teorías sobre el paradero de los huesos de Lorca resultaron ser falsas. Una, la de la fosa bajo el olivo de Alfácar donde luego se construye el parque que lleva el nombre del poeta y donde supuestamente yacían los banderilleros anarquistas Galadí y Arcollas, el maestro republicano Dióscoro Galindo y el poeta granadino universal, defendida por Ian Gibson, avalada por testigos presenciales. Se desechó tras no encontrarse huesos.

Tampoco había huesos al otro lado del barranco de Víznar en el lugar indicado por Molina Fajardo, investigador afín al régimen franquista, quien habría accedido a documentación oficial.

En la obra para construir el parque de Alfacar en 1986, la Diputación granadina encontró unos huesos y los puso debajo de la fuente sin averiguar su identidad y con prisas para inaugurar. Lo afirmaron varios testigos a los periodistas Quico Chirino y Rafa López de Ideal entre ellos el entonces vice-presidente y diputado de obras de Diputación granadina Ernesto Molina.

Hoy, no hay artista andaluz que no se inspire en Lorca a la hora de crear.  Hoy Lorca es un mito de la cultura andaluza y universal. Pero, ¿quién era Lorca en 1986 cuando aparecieron unos huesos anónimos en las obras del Parque de Alfacar y se volvieron a enterrar con prisas?. ¿Porqué no se identificaron los huesos cuando se sacaron para la obra del parque. Quien lo autorizó?.

«Si los obreros que sacaron los huesos hubiesen intuído que aquellos podían ser los huesos de Lorca, hubiesen procedido de otra manera» explica Chirino.

Chirino, jefe de información de Ideal afirma que ya nunca se podrán encontrar los restos del poeta, si no cambian las circunstancias actuales, es decir que la familia Lorca no da permiso para cotejar el posible ADN encontrado y si nadie aporta ninguna información nueva que motive la apertura de una nueva zanja.

«Yo sé lo que me dijo una persona. Lo primero que habría que hacer es llamar a esa persona a sede oficial, Parlamento de Andalucía a una comisión oficial y que declare» explica Chirino. «Hay una segunda persona que declara lo mismo y volvería a declarar lo mismo pero es muy mayor».

«Si ahora tú abres el suelo debajo de la fuente del parque de Alfacar y aparecen huesos,  los huesos pueden ser de cualquiera. No se resuelve nada abriendo allí y la posibilidad de fracaso es elevada. No hay ahora mismo un expediente que justifique abrir ahí, sobre todo cuando en otras dos ocasiones se ha excavado cerca y no han encontrado huesos».  Además los georradares solo indican movimiento de tierra que pueden ser de cuando se hizo el parque.

«La leyenda de cómo mataron y donde enterraron a Lorca siempre va a permanecer viva. Nunca se sabrá dónde está enterrado» concluye Chirino.

El Doctor Diego Sánchez es un claro ejemplo de hombre humanista y renacentista, que además de ser el primer médico de Marchena del que tenemos noticia escrita, junto con Luis de Alcaudete, escribió poesía satírica y sobre astronomía.

Contó su vida en un poema picaresco que es el segundo en España escrito en latín macarrónico, popular entre los estudiantes universitarios de Salamanca.  Su memoria se conservó en Marchena durante siglos hasta el punto de que aún se conserva la calle que lleva su nombre junto a la iglesia de San Juan.

Gracias a su vasta cultura y preparación universitaria se convirtió en persona de la máxima confianza de Luis Cristóbal Ponce de León, duque de Arcos, señor de Marchena. Le encarga tareas representativas y diplomáticas, además de las puramente relacionadas con su oficio de médico y le pagan generosamente, 30.000 maravedíes al año, según una nómina del Palacio Ducal del 11 de marzo de 1541. 

Jardines del Palacio, con sus arcos almenados y sus esculturas.

Un sueldo solo superado en la Casa Ducal por el Juez y el Asistente  de Marchena (60.000) y el Mayordomo mayor (40.000). Su sueldo era mayor que el del Tesorero, el Secretario (25.000) y que los militares de alta graduación (de 15.000 a 25.000).

El Doctor Diego Sánchez llegó a Marchena el 7 de julio de 1533 con 25-30 años para ejercer como médico contratado por los Duques, junto a un maestro y cátedra de gramática y un boticario. El cabildo municipal de Marchena autoriza a Francisco de Medina -primer boticario de Marchena- a poner una tienda de botica el 7 de junio de 1535. 

Escalera del Palacio Ducal, conservado en el palacio de Feria, Sevilla.

Un año antes  se había graduado como bachiller en medicina por la Universidad de Salamanca. En Marchena vivió toda su vida donde alcanzó fama de hombre erudito y donde se casó con Isabel Suárez.

Marchena vivía entonces su particular edad de oro. Las iglesias y monumentos estaban en plena construcción o ampliación. El número de habitantes había pasado de 1638 vecinos de 1534 a los 3569 de 1588 atraídos por las políticas del Duque que reclamaba obreros y profesionales especializados. En este momento se acababan de fundar el convento de Santo Domingo (1520), la hermandad de la Veracruz (1530),  y se acababa de crear el hospital de La Misericordia (1552) refundando cinco hospitales previos, lo que requería de un médico.

Fachada original del Palacio a la Plaza Ducal.

Los primeros cargos del hospital de Misericordia en 1552 fueron el  Bachiller Alonso de Benjumea, Rector, Francisco García de la Riva, Gobernador, Antón de Vega, limosnero,  Alonso García de Vargas, escribano , Juan González Rueda, Mayordomo. La enfermera era la esposa del gobernador. Además se contrató médico, un cirujano y un barbero.

Reja del Palacio Ducal reutilizada en una casa solariega de la calle San Francisco.

El Doctor Diego Sánchez vivió rodeado del lujo, la opulencia y el amor por las artes propia de una corte renacentista.

Imbuído de este ambiente escribió en su vejez «El coloquio del sol», libro impreso en 1576 por el impresor sevillano Alonso Escrivano, escrito y ambientado en Marchena y el poema epistolar macarrónico, humorístico, «Magnífico Doctori» que escribe a su amigo Francisco de Vargas Mejía fiscal del Consejo de Castilla en 1545.

La puerta del Palacio en su ubicación original de Marchena.

En esta obra se presenta a sí mismo como Diego Sánchez de Alcaudete, motivo por el cual algunos autores creen que nació en Alcaudete -Jaén- otros lo consideran nacido en Marchena. Curiosamente otro de los primeros médicos de Marchena fue Luis de Alcaudete que con toda su familia viaja de Marchena a México en la misma época.

Luis de Alcaudete y Leonor de Alcaudete, su hermana, hijos del licenciado Alcaudete y de Catalina González, naturales de Marchena, viajaron a Nueva España, México en 1536.

Patio del Palacio Ducal según la recosntrucción realizada tras las excavación arqueológica.

EL COLOQUIO DEL SOL 

El Coloquio del Sol es  una obra de carácter científico que versa sobre astronomía. Tiene forma de diálogo entre dos personajes, Leonardo y Antonino, cuya acción se desarrolla en Marchena. 

Antonino, trasunto del autor, pretende demostrar la tesis de que el sol es mayor que la tierra, y ésta que la luna, empleando tres presupuestos del libro II de Plinio el Viejo. Antonino demuestra tales presupuestos respondiendo, asimismo, a doce ‘dudas’ que le plantea Leonardo.  Diego Sánchez despliega una notable erudición citando autores de todas las épocas.

Artesonado de la escalera del Palacio Ducal de Marchena conservado en un palacio de la calle Cuna, Sevilla.

POESÍA MACARRÓNICA

La poesía macarrónica -o macarronea- es una poesía satírica nacida a finales del XV en Padua, Italia a finales del XV.  Consiste en escribir en latín mezclado con otras lenguas y con normas inventadas, siempre con una finalidad satírica.  La primera macarronea fue creada por el monje Teófilo Folengo que bajo el seudónimo Merlinus Cocaius, publicó en 1517 sus Maccheronee.

A Folengo se le relaciona con el luteranismo. Colgó los hábitos, robando luego una doncella de clase elevada, viéndose mas tarde encarcelado por las autoridades pontificias y acabó por recorrer los caminos reales y las posadas de Italia.  Rescatado del vicio por un hermano cura que logra volverlo a meter en el convento. Redacta su vida de aventuras, cuando vuelve al convento en latín macarrónico.

Fuente del Palacio Ducal conservada en uno de sus patios.

En España el primer poeta macarrónico es amigo de Erasmo de Rotterdam: Juan de Vergara y data de 1522.  

Diez años más tarde, 1533, Diego Sánchez, el médico de Marchena, fue el segundo en España en escribir poesía macarrónica.  Su poema se conserva en un manuscrito en la Biblioteca del Palacio Real que perteneció a la Universidad de Salamanca en cuya biblioteca estuvo hasta 1806 y tiene características autobiográficas y picaresca mucho antes de que naciera el género picaresco.

El poema de Diego Sánchez  titulado “Magnifico Doctori» es una carta dirigida a Francisco de Vargas. Lo firma «Diego Sanchez de Alcaudete»  Incluye el texto «¿Cómo llegó la carta de nuestra Marchena» (Quam legis ex nostra Marchena littera venit). Concluye.   “Explicit Macharronica».

En su poema macarrónico el doctor Diego Sánchez afirma haber nacido en Alcaudete Jaén, haber obtenido el título de Bachiller en Artes en Salamanca, y el grado de Doctor en Medicina en Lérida y encontrarse ejerciendo en Marchena.