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Cine y TV

Mi cine favorito: «Una historia de amistad entre dos mujeres fuertes»

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SERGIO BERBEL

Sergio Berbel Leyva se estrena como colaborador de Saber Más con una crítica de la película Nadie quiere la Noche, de I. Coixet.  Es Abogado, Profesor, Colaborador en la SER, Cinéfilo, Aprendiz de Fotógrafo, Lector incansable. Ver su blog.

“Nadie quiere la noche” es una gran película, incluso un film que crece enormemente en su revisión, como la historia de la amistad imposible entre dos mujeres que sólo las condiciones más adversas del mundo, como el invierno del Polo Norte, lo hacen posible y profundo.

Isabel Coixet es una de las más grandes directoras de nuestro tiempo. De su diestra mano nos han llegado películas capitales de nuestra época, como “Mi vida sin mí”, “La vida secreta de las palabras” o su versión cinematográfica de la obra de mi escritor de cabecera Philip Roth titulada “Elegy”. También es cierto que, cuando se deja llevar, se embarca en proyectos meramente alimenticios donde se desaprovecha a sí misma en medios tiempos que no conducen a demasiadas partes como la sobrevalorada “La librería” o “Aprendiendo a conducir”.

Una apasionante historia de la época de los conquistadores del Polo Norte, a principios del siglo XX, gentes con dinero y sin cabeza que arriesgaban su vida persiguiendo su sueño descubridor y colonizador, con la simple recompensa de poner la bandera y llevarse la gloria.

Y esos parajes perpetuamente nevados permiten a Isabel Coixet dar rienda suelta a su cinefilia y a la exquisitez que la caracteriza a la hora de crear imágenes que permanecen en la retina del espectador para siempre, alrededor de ventiscas de nieve y oscuros inviernos polares “cuando el sol se acuesta”, como lo describe Allaka.

Pero se trata, por encima de todo y de todos, de una película de amistad entre dos mujeres de fuerte carácter, una espléndida y perfecta (como siempre) Juliette Binoche como la señora Peary y un personaje de mujer esquimal con un secreto inconfesable en su interior, Allaka, de esos que se perfilan en el alma del cinéfilo para guardar un pequeño rincón para siempre, soberbiamente interpretado por Rinko Kikuchi.

Una película feminista que hace de las mujeres personajes activos que apuestan su vida al todo o nada, que se dirigen a sí mismas, de personalidad fuerte y deseos ingobernables. Y también una historia que pone el dedo en la llaga de los blancos colonizadores que no respetan a nada ni a nadie, y de los pobres aborígenes colonizados sin piedad por el opresor, para el que no cuentan ni tan siquiera muertos.

Tiene tantas lecturas, que hay que verla en diferentes claves unas cuantas veces, de ahí su genialidad.

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El papel clave de los latinos en el auge del cine y la música cristiana

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Si eres seguidor de las plataforas de video te habrás dado cuenta de que cada una tiene, su propia linea editorial, lo que en el caso de  Netflix significa que no hay muchos contenidos cristianos o profundos, seguramente porque pensarán que no tiene audiencia. Netflix peca de falta de luz, y exceso de oscuridad en las historias que cuenta, pero sobre todo faltan contenidos trascendentes y sobran entretenmientos bellos pero vacuos, perfectamente prescindibles. 

Esto hace más destacable el éxito de The Chosen, Los Eelegidos, la serie sobre Jesús de la que todo el mundo habla porque puede verse gratis en una plataforma. Cuenta la vida de Jesus de una forma atractiva y amenza y se financia con una colecta global que ya ha recaudado 40 millones de dólares y ha sido vista pro 500 millones de personas.

The Chosen, la primera serie de televisión de varias temporadas sobre la vida de Jesucristo, fue uno de los primeros proyectos de la compañía que obtuvo 500  millones de visitas en todo el mundo en su plataforma online www.angel.com.

The Chosen (Los elegidos): La serie de la que todo el mundo habla

«Jesus Revolution» . «His only son»,  «The Chosen» o “’Sound of Freedom’ son la punta de lanza de la revolución del cine espiritual en la industria de Hollywood que está protagonizando Angel Studios. 

Angel Studios fue fundada en 2014 como VidAngel por cuatro hermanos y un primo de apellido Harmon en Utah, y, recaudó más de 10 millones de dólares en su campaña de crowdfunding. 

El proyecto ed Angel Studios pretende luchar contra la oscuridad y la banalización que inundan los contenidos de las plataformas de cine y video y las productoras de cine escapandose por vez primera al control de los grandes estudios.

El Milagro del cine espiritual que está cambiando Hollywood

Después de que VidAngel llego a un acuerdo con Disney en 2020, vendió el negocio de filtrado y cambió su nombre a Angel Studios, con miras a producir contenido independiente, cristiano y lleno de luz, segun su comunicado.

El auge del cine y la música cristiana en Estados Unidos se puede atribuir a varios factores clave. En el cine, especialmente en las producciones cristianas de sensibilidad evangélica, ha habido un notable aumento en la última década.

Este resurgimiento se atribuye en gran medida a películas independientes de bajo presupuesto que han logrado un éxito significativo en taquilla. Por ejemplo, películas como «Prueba de fuego» y «El cielo es real» demostraron que con inversiones relativamente modestas se podían alcanzar grandes éxitos.

Otro proyecto de Angel Studios es“Sound of Freedom” que se basa en la historia real de Tim Ballard, un ex agente del gobierno de los EE. UU. que deja su trabajo para rescatar a niños de los traficantes sexuales. Ballard (Jim Caviezel el Jesucristo de Mel Gibson), recupera la esperanza cuando logra liberar a un niño de 7 años que fue secuestrado y decide dedicar su vida a rescatar a los niños de la esclavitud sexual. La ganadora del Oscar Mira Sorvino y el nominado al Emmy Bill Camp coprotagonizan.

Eduardo Verastegui tiene una relación multifacética con la película «Sound of Freedom». No solo forma parte del elenco interpretando el personaje de Pablo, sino que también es uno de los productores del filme.

Además de su carrera en el entretenimiento, Verastegui es conocido por su activismo católico y sus fuertes convicciones religiosas, que han influido en las elecciones de sus proyectos cinematográficos y en su trabajo como productor.

Arturo Allen es un referente en la industria cinematográfica cristiana de América Latina. Su trabajo comenzó con la producción de videos musicales para cantantes cristianos, lo que eventualmente llevó a la producción de películas como «Poema de Salvación». Esta película fue un punto de partida para CanZion Films y marcó el inicio de la producción y distribución de cine cristiano en América Latina. Después del éxito de «Poema de Salvación», CanZion se convirtió en un distribuidor clave de películas cristianas, incluyendo títulos como «Dios no está muerto» y «Cuarto de guerra».

La película «Jesus Revolution» es una película basada en hechos reales que narra la historia del movimiento de fe cristiana durante la década de 1970 en los Estados Unidos. Se centra en el impacto del movimiento hippie, la música y el mensaje de Jesús en la vida de las personas, especialmente los jóvenes de esa época. De acuerdo con los informes, se ha convertido en la película más vendida en Amazon Prime, solo unas pocas semanas después de recaudar $52 millones en los cines.

Basado en la vida Abraham y su hijo Isaac, «His Only Son», se estrenaró en Semana Santa en EEUU siendo un éxito económico recaudando en taquilla 11 millones de dólares solo en un fn de semana, costando su rodaje solo $250,000. 

Además recaudó 1,2 millones de dólares de sus seguidores en menos de 100 horas, solo para financiar su distribución. Para financiar la producción completa de «David», una película animada que ahora está trabajando Angel Studios, han recaudado 61 millones de dolares de un crowfunding.

MUSICA CRISTIANA

En el ámbito de la música cristiana, especialmente en español, ha habido un crecimiento notable en las últimas décadas, impulsado principalmente por el aumento de la población hispana en Estados Unidos y el interés creciente por la música religiosa en Latinoamérica.

la música cristiana, se considera una de las áreas de mayor crecimiento en la historia de la música grabada.

Con más de medio billón de dólares en ventas anuales y más de 1,400 estaciones de radio con 80 millones de oyentes, la música cristiana/góspel ha establecido una presencia notable.

Los oyentes suelen pasar un promedio de 9 horas por semana escuchando formatos de programación de radio cristiana/góspel.

Además, un dato interesante es que las mujeres de entre 25 y 44 años constituyen el núcleo principal de consumidores de música cristiana/góspel. Grandes marcas como Pepsi MidAmerica, Cracker Barrel, Allstate, NASCAR y McDonald’s se han asociado con artistas, lanzamientos y festivales de música cristiana/góspel para promover sus marcas.

Desde la década de 1990, se han establecido estaciones de radio y programas de televisión dedicados a la música cristiana en español. Artistas como Miel San Marcos, Marcos Witt, Gateway Worship en Español y Alex Campos son nombres reconocidos en este género, que abarca estilos como rock, pop, música electrónica y hasta fusiones con música folclórica local​​.

En los premios Grammy Latinos, existe el premio al «Mejor Álbum Cristiano» en español, que se otorga anualmente.  En cuanto a los premios Grammy, que se centran en la producción musical en Estados Unidos, hay varias categorías específicas para la música cristiana dentro del campo «Gospel & Contemporary Christian».

Athenas, cuyo nombre completo es Athenas María Venica, ha sido invitada a actuar en más de 20 países y en más de 150 ciudades a lo largo de América Latina, Estados Unidos y Europa. Además, fue nominada al Latin Grammy en 2022 con su álbum «Alfa y Omega» en la categoría de Mejor Álbum Cristiano. 

Artistas similares a Athenas en el género de la música católica, algunos nombres destacados incluyen Pablo Martinez, Hermana Inés de Jesús, Hermana Glenda, Martín Valverde y el Coro Pascua Joven San Isidro. Athenas también ha colaborado con otras figuras importantes de la música católica como Jon Carlo, Juan Delgado, The Vigil Project, Jésed, Alfareros, Celinés Díaz, Kairy Márquez, Maxi Larghi y Verónica Sanfilippo​.

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Ultimo dia para ver «Sound of Freedom» en Marchena

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Este Jueves a las 22 horas ultima ocasión para ver en Marchena el ultimo Fenómenos Sociologico del cine llamado Sound of Freedom. Sound of Freedom forma parte del auge del cine cristiano del que tambien forma parte The Chosen. 

«Sound of Freedom» película que se basa en hechos reales y relata la historia de Tim Ballard, un ex agente de Seguridad Nacional de EE. UU. que abandona su vida anterior para investigar el tráfico de personas y tratar de salvar a cientos de niños víctimas de esta lacra​​.

El equipo detrás de la película «Sound of Freedom» incluye a Alejandro Monteverde como director y guionista, colaborando con Rod Barr en el guion. Entre los actores destacados están Jim Caviezel, interpretando a Tim Ballard, Bill Camp en el papel de Vampiro, Javier Godino como Jorge, Manny Perez como Fuego, Eduardo Verastegui en el papel de Pablo, y otros actores como Gustavo Sánchez Parra, José Zuniga, Carlos Gutierrez, Mauricio Cujar, Gary Basaraba, Gerardo Taracena, Scott Haze, Mira Sorvino, Kurt Fuller, Jaime Newball, y James Quattrochi.

The Chosen (Los elegidos): La serie de la que todo el mundo habla

Eduardo Verastegui tiene una relación multifacética con la película «Sound of Freedom». No solo forma parte del elenco interpretando el personaje de Pablo, sino que también es uno de los productores del filme.

Eduardo Verastegui es un actor, modelo y productor mexicano. En la década de 2000, Verastegui se trasladó a los Estados Unidos para perseguir una carrera en Hollywood. Se destacó por su papel en la película «Bella» (2006), que ganó el premio People’s Choice en el Toronto International Film Festival.

Además de su carrera en el entretenimiento, Verastegui es conocido por su activismo católico y sus fuertes convicciones religiosas, que han influido en las elecciones de sus proyectos cinematográficos y en su trabajo como productor.

La revolucion del cine cristiano que llega a Netflix el 31 de Julio tras su exito en cines

Un thriller de acción al que muchos criticos dan la calificación de 3/5. Se destaca que, aunque la cinta trata de conmover al espectador mediante herramientas cinematográficas como zooms exagerados y música dramática, a menudo estas técnicas resultan en un efecto excesivo y melodramático, que puede desvincular al espectador de la experiencia fílmica. Además, se señala que el protagonista, Tim Ballard, es retratado como el arquetipo de héroe hollywoodense, lo que puede resultar en un personaje con poca profundidad y, por ende, menos interesante para el espectador​​​​.

En cuanto a su contenido y mensaje, la película ha sido objeto de controversia. Se menciona que, aunque el tema central y los objetivos de la película no admiten matices morales, su mensaje ha sido apropiado por ciertas instituciones y personas, incluyendo a miembros del movimiento ultraderechista QAnon y el expresidente Donald Trump, lo que ha generado cierto resquemor en su director​​.

La película incorpora elementos de denuncia política, y su financiación ha sido vinculada con el movimiento alt-right y el activismo ultraconservador, lo que ha generado discusiones sobre su posible ideología​​.

«Sound of Freedom» es un thriller dramático de bajo presupuesto que ha logrado un notable éxito económico en EE. UU., destacándose por su objetivo de denunciar el tráfico sexual infantil. La película ha sido elogiada por su capacidad de contener los excesos melodramáticos y por destacar en secuencias y aciertos particulares, aunque también se sugiere que hubiera beneficiado de un tono más oscuro y terrible, dada su temática y la calidad de su cinematografía​​.

Sin embargo, la película también ha sido criticada por ciertos excesos verbales y un efecto melodramático en algunos momentos. Es más efectiva cuando mantiene una simplicidad narrativa, especialmente en las secuencias iniciales. La dirección de Alejandro Monteverde ha sido elogiada por su capacidad de utilizar la imagen para narrar, aunque a veces tiende a ser excesivamente obvia y sentimental​​. Además, «Sound of Freedom» contiene secuencias y elementos destacables, como el uso de temas musicales latinos para agilizar la acción y un tono oscuro y terrible en la cinematografía, lo que la distingue de otras películas con temáticas similares​​.

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Cuando la radio hacía ganar o perder batallas

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La miniserie «La luz que no puedes ver» se estrenó en Netflix el 2 de noviembre de 2023. Esta adaptación de la novela homónima de Anthony Doerr, galardonada con el Pulitzer, fue dirigida por Shawn Levy y producida por Dan Levine y Josh Barry. La serie narra la historia de Marie-Laure, una joven francesa ciega, y Werner, un brillante adolescente alemán reclutado por el régimen de Hitler para rastrear emisiones de radio ilegales durante la Segunda Guerra Mundial. Los actores principales son Aria Mia Loberti, Louis Hofmann y Mark Ruffalo.

La serie consta de cuatro episodios de alrededor de una hora de duración cada uno, ambientados en el contexto de la Segunda Guerra Mundial, específicamente en el periodo en que los aliados estaban bombardeando la ciudad de Saint Malo para derrotar a los nazis.

«La luz que no puedes ver» es una novela escrita por Anthony Doerr, publicada en 2014. La historia se desarrolla durante la Segunda Guerra Mundial y sigue las vidas de una joven francesa ciega llamada Marie-Laure LeBlanc y un joven alemán talentoso llamado Werner Pfennig. A medida que la guerra avanza, sus caminos se cruzan de manera significativa.

La radio fue una herramienta esencial para la transmisión de información y propaganda tanto para las fuerzas aliadas como para las del Eje. Los gobiernos y las fuerzas militares utilizaron la radio para mantener informada a la población y promover sus agendas políticas.

Las fuerzas armadas utilizaron la radio para coordinar movimientos, estrategias y operaciones militares. La capacidad de comunicarse rápidamente y en tiempo real fue vital para la ejecución de operaciones militares complejas.

La radio también se utilizó para la recopilación de inteligencia y actividades de espionaje. Por ejemplo, los operadores de radio interceptaban y descifraban mensajes enemigos para obtener información valiosa.

Los grupos de resistencia y los movimientos de liberación también utilizaron la radio para coordinar sus actividades, difundir información y mantener el contacto con las fuerzas aliadas. Los transmisores de radio clandestinos eran particularmente importantes para estos grupos.

La guerra impulsó el desarrollo y la mejora de la tecnología de radio, lo que llevó a avances significativos en la comunicación electrónica que tendrían un impacto duradero mucho después del conflicto.

Se transmitieron programas de radio específicos para mantener la moral alta entre las tropas y la población civil. También se utilizaban para transmitir mensajes codificados a la resistencia en los territorios ocupados.

 

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El cine iniciático: De Buñuel a Jodorowsky pasando por Fellini

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Luis Buñuel aportó al cine la incorporación del surrealismo al cine siendo su obra una de las mayores en el cine surrealista.  Buñuel utilizó el cine como un instrumento de subversión, lo cual fue una contribución única en su tiempo. Esta actitud abrió las puertas a discursos más radicales y desafiantes dentro del cine europeo. 

Buñuel habló del cine como un «instrumento de poesía», algo que fue considerado adelantado. Aunque no es el único, Buñuel contribuyó a la riqueza del cine que se centra en narrativas psicológicas y su impacto sigue siendo palpable hoy en día.

Luis Buñuel, exiliado en México desde 1946 casi por casualidad realizó más de 20 películas en el país, muchas de las cuales se han convertido en clásicos del cine.

Un perro andaluz (1929) inicia su estlo surrealista y fue escrita por Buñuel y Dalí. En 
Viridiana (1961) hace una crítica social y en  Belle de Jour (1967) habla sobre una mujer casada que se convierte en prostituta mientras en el ángel exterminador (1962) un grupo de personas de alta sociedad no pueden salir de una habitación tras una cena.
El discreto encanto de la burguesía (1972): Satiriza la hipocresía y la vacuidad de la clase alta.

 

Fellini tenía un interés notable en lo sobrenatural, el ocultismo, la magia, la parapsicología, y los médiums. También se interesaba por los astrólogos y telépatas.

El mismo veía al artista como un tipo de médium: una vasija que se llena de sueños, fantasías, ideas y sentimientos, que luego se convierten en arte. Incluso tuvo contacto con el mundo de los espectros vía médiums, que consideraba un ensanche de su propia espiritualidad.

Es a menudo descrito como un «mago» en el contexto del cine debido a su habilidad única para crear mundos imaginativos y contar historias en una manera magistral y trabajar sin guión. 

En cuanto a lo «parasicológico»,  el carácter surrealista, introspectivo, y a veces onírico de muchas de sus películas podría interpretarse como una especie de búsqueda de lo «otro», de lo que está más allá de la realidad tangible.

 Su obra a menudo revela una mirada satírica hacia la sociedad, especialmente en películas como «La Dolce Vita». Fellini mezclaba lo onírico con lo real, buscando que el cine fuera, a su manera, una pintura maestra.

 Criado en un entorno católico, su cine está poblado de arquetipos cristianos. Sin embargo, Fellini no se limitó al catolicismo; también mostró interés en el psicoanálisis, el onirismo, y lo sobrenatural.

 

«La Dolce Vita» lanzada en 1960, generó una «furibunda reacción» por parte de la Iglesia Católica, lo cual dio lugar a debates al abordar temas que desafiaron y cuestionaron el papel de la religión, lo que llevó a una compleja relación con la Iglesia Católica que con el tiempo ha ido evolucionando.

La obra de Fellini fue vista por la Iglesia como una crítica a la decadencia moral y a la frivolidad que se habían apoderado de la sociedad. Sin embargo, algunos argumentan que la película diagnosticaba con agudeza «la derrota social del catolicismo a manos de la frivolidad.

 

Mostró una profunda influencia de Freud en su obra, especialmente en la película «Ocho y Medio. Esta película explora los recuerdos, los sueños y las fantasías del protagonista, reflejando los conceptos freudianos de la interpretación de los sueños y el subconsciente.

Fellini también exploró conceptos oníricos, la terapia y incluso el uso de sustancias como el LSD, que algunos consideran tener raíces en las teorías psicoanalíticas. Freud y sus ideas sobre la importancia de los sueños se citan específicamente en relación con la «filosofía de los sueños» que Fellini aborda en su cine.

En 1984, Fellini viajó a Tulum, México, con la intención de rodar una película. Sin embargo, este proyecto cinematográfico nunca llegó a concretarse. En lugar de dejar que la idea muriera, Fellini decidió convertir su guión en un cómic con el dibujante Milo Manara, resultando en la novela gráfica titulada «Viaggio a Tulum».

Se reunió con el escritor Andrea De Marco y buscaba encontrarse con Carlos Castaneda que habia escrito un lubro sobre Don Juan. Alejándose de los relatos de Castaneda, Manara y Fellini proyectaron hasta la estratósfera el mundo del chamanisno mexicano al “resucitar” a una antigua raza de videntes toltecas.

Alejandro Jodorowsky y Carlos Castaneda se conocieron casualmente en México. Jodorowsky incluso iba acompañado de una rubia con la esperanza de que sus encantos persuadieran a Castaneda para rodar una película sobre ‘Las enseñanzas de Don Juan’.

Carlos Castaneda, autor del libro «Las enseñanzas de Don Juan,» ha tenido un impacto significativo en la cultura popular y también en la industria cinematográfica. Aunque no se ha llevado a cabo una película directamente basada en las enseñanzas de Don Juan, el personaje ha influido en otras obras de cine. Los diálogos entre el Maestro Yoda y Luke Skywalker en «Star Wars» se consideran un eco de los encuentros entre Don Juan y Carlos Castaneda, algo que el creador George Lucas ha reconocido.

Carlos César Salvador Arana Castañeda, llegó a inspirar a músicos como Jim Morrison y fue un escritor y antropólogo peruano nacionalizado estadounidense más conocido por su serie de libros que describen su formación en chamanismo, principalmente a través de un mentor llamado Don Juan.

Sus libros que describen su entrenamiento en chamanismo y las enseñanzas del mago indio Don Juan contribuyó significativamente al movimiento New Age y fue objeto de controversia, principalmente por las preguntas sobre la autenticidad de sus relatos y sobre su relación con el misticismo y la espiritualidad.

El primer intento de adaptar las enseñanzas de Don Juan al cine lo tuvo Federico Fellini que consideró filmar una película inspirada en el libro, incluso llegando a entrevistar a Carlos Castaneda dentor del proyecto Viaje a Tulum. Otro proyecto, que involucraba a Levine, planeaba contar con las actuaciones de Anthony Quinn y Mia Farrow, pero la película finalmente no se realizó

Años después, en 1994, el director Alejandro Jodorowski proyectó rodar una película basada en «Viaje a Tulum».

Novelista y director de cine y teatro su cine pretende ser terapéutico y Espiritual y su cine es como un «viaje», tanto literal como simbólico, donde el espectador puede embarcar en una travesía de autoconocimiento y descubrimiento. Sus películas están llenas de elementos surrealistas, arquetípicos y simbolismos ocultos, que él llama «cine psicomágico».

Hasta nuestros dias Jodorowsky no ha cesado de producir peliculas como  La Danza de la Realidad (2013) Santa Sangre (1990), Un thriller psicológico que explora la fe y la religión,  La Montaña Sagrada (1973), El Topo – Una película de culto que mezcla western y misticismo y Fando y Lis (1968) – Su ópera prima, trata de un romance apocalíptico y sadomasoquista.

Las enseñanzas de Alejandro Jodorowsky pasan por la Psicomagia técnica que mezcla psicoterapia y rituales chamánicos para sanar problemas emocionales el Cabaret Místico un libro que resume sus 35 años de enseñanzas sobre espiritualidad y psicomagia.

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Estas son las dos peliculas que han devuelto el público a las salas de cine en niveles prepandemia

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La pelicula Barbie recaudó el pasado fin de semana 337 millones de dólares a nivel mundial, un hito que junto a la ‘Oppenheimer’ de Nolan con sus 174 millones recaudados supone el mayor éxito de taquilla desde los tiempos pre-pandemia. En Marchena Cine Planelles esta cerrado por vacaciones hasta Septiembre. Barbie puede verse en los siguientes cine de nuestra zona.

Cine Méliès Osuna a las 20:30. Cineapolis Utrera 20:05 y 22:10. Artesiete Cines Écija. ·Centro Comercial N4 -20:30 22:30. Cinesur Los Alcores Alcala De Guadaira 20:15, 21:30, 22:30. Cineapolis Dos Hermanas 20:10 22:20.

This image released by Universal Pictures shows Cillian Murphy in a scene from

J. Robert Oppenheimer fue un físico teórico estadounidense que es mejor conocido como el «padre de la bomba atómica». Fue el director científico del Proyecto Manhattan, que fue un proyecto de investigación durante la Segunda Guerra Mundial que produjo las primeras armas nucleares.

La película de Nolan está basada en el libro ‘Promised American: El Triunfo y la Tragedia’ de J. Robert Oppenheimer. No es una película biográfica de Oppenheimer, sino una adaptación del libro ganador del Pulitzer.

El cine de Nolan es conocido por su desmedida ambición, lo que ha suscitado críticas.
Hay una opinión polarizada sobre las películas de Nolan, y algunas personas lo odian.
Ser uno de los pocos directores que puede hacer películas taquilleras con integridad artística podría ser la razón detrás de las fuertes reacciones.

Cillian interpreta a J. Robert Oppenheimer

El trabajo de Oppenheimer y su equipo en Los Álamos culminó en la prueba Trinity en julio de 1945, en la cual se detonó con éxito la primera bomba atómica. A pesar de su éxito en el desarrollo de la bomba, Oppenheimer se volvió cada vez más preocupado por las implicaciones de su trabajo y luchó durante el resto de su vida con dilemas éticos y morales.

Si la película «Oppenheimer» trata sobre su vida y obra, podría explorar no solo los logros científicos de Oppenheimer, sino también su lucha con las implicaciones de su trabajo. Esto podría incluir sus relaciones con otros científicos, su implicación en la política, su postura ante el uso de armas nucleares, y su eventual censura y aislamiento.

Barbie, está protagonizada por Margot Robbie como Barbie y Ryan Gosling como Ken

Este 2023 Barbie vuelve a estar de moda. La película de Greta Gerwig, protagonizada por Margot Robbie -en el papel de Barbie- y Ryan Gosling -en el papel de Ken-, es una de las más esperadas de este año por los fans de la icónica muñeca de Mattel, que este pasado mes de marzo cumplía 64 años.

Gracias a esta producción y a Valentino se ha impuesto la tendencia del Barbiecore, que básicamente consiste en vestir de rosa fucsia de pies a cabeza, emulando así al estilo de la muñeca. Lo que muchos no saben es que los fundadores de Barbie se inspiraron en su propia hija para crear este personaje.

Elliot y Ruth Handler se conocieron en 1932 en una fiesta y desde entonces se volvieron inseparables. Se mudaron a California y en 1945 se asociaron con Harold Matsson para impulsar la empresa Mattel.

Pero en 1959 lanzaron la primera muñeca con el nombre de Barbie. La gran fuente de inspiración fue su hija Bárbara. De hecho, no dudaron en bautizar al personaje con el diminutivo del nombre de su hija. Posteriormente, harían lo mismo con su segundo hijo llamado Ken.

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¿Hay que ser comunista para leer a Karl Marx?

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«Un Rey en Nueva York» es una película de 1957 dirigida e interpretada por Charles Chaplin, es una sátira política que aborda temas como la fama, la política y la sociedad moderna.

La película fue bien acogida en Europa pero la falta de distribución en Estados Unidos afectó fuertemente su impacto comercial. Incluso hoy día los aficionados y los críticos están totalmente divididos acerca de los méritos de la película. Algunos la consideran un fracaso en tanto para otros es la obra maestra de Chaplin.

A lo largo de su vida, Chaplin defendió abiertamente los derechos de los trabajadores, se pronunció en contra del fascismo y abogó por la igualdad y la justicia social. Sus películas, como «Tiempos Modernos» y «El Gran Dictador», reflejaban su visión crítica de la sociedad y la política de su tiempo.

Charlie Chaplin tuvo varios problemas con la política a lo largo de su vida. Sus ideas políticas y su activismo social le llevaron a enfrentar críticas, controversias y dificultades legales en diferentes momentos.

En la década de 1950, durante el auge del macartismo y la caza de brujas anticomunista en Estados Unidos, Chaplin fue blanco de sospechas y acusaciones debido a sus inclinaciones políticas progresistas. Se le asoció con el movimiento comunista y fue objeto de una intensa vigilancia por parte del FBI. Aunque nunca se comprobó ninguna actividad ilegal, Chaplin se convirtió en un objetivo del gobierno estadounidense y su popularidad se vio afectada.

En la película, Chaplin interpreta al rey Shahdov, el monarca de un pequeño país europeo que se ve obligado a abandonar su nación debido a un golpe de Estado. Shahdov llega a Nueva York, donde se enfrenta a la realidad de la vida en la sociedad estadounidense y a las complicaciones de la burocracia y los medios de comunicación.

 Chaplin utiliza su característico estilo cómico para abordar temas como la propaganda política, la comercialización de la cultura y la obsesión por la fama. A través de situaciones cómicas y diálogos ingeniosos, la película critica tanto la política de la Guerra Fría como la influencia de los medios de comunicación en la sociedad.

«Un Rey en Nueva York» fue una película controvertida en su época debido a sus críticas políticas y sociales, lo que llevó a su prohibición en algunos países. 

 Invitado a hablar en una escuela progresista se encuentra con Rupert Macabee, representado por Michael Chaplin, editor del periódico escolar, un historiador de diez años que le da un firme alegato anarquista. Aunque el mismo Rupert dice que desconfía de todas las formas de gobierno sus padres son comunistas. A continuación Shahdov pasa a ser sospechoso de comunista y debe concurrir a una de las audiencias del Comité de Actividades Antiamericanas.

Es absuelto de todos los cargos y decide reunirse con la reina, su esposa, en París para una reconciliación. Pero los padres de Rupert son encarcelados y las autoridades fuerzan al niño a revelar los nombres de los amigos de sus padres. Apenado y cargado de culpa es presentado al rey Shahdov como un «patriota». El Rey le consuela y lo invita a visitarlo con sus padres en Europa.

La película muestra el ingenio y la habilidad cómica de Chaplin, así como su capacidad para abordar temas serios con humor. A través de su personaje, el rey Shahdov, Chaplin ofrece una mirada satírica y crítica de la sociedad moderna y de la política de la época.

«Un Rey en Nueva York» es una película recomendada para aquellos que disfrutan del humor inteligente y de las sátiras políticas. Es una obra que combina la comedia y la crítica social de una manera única, y que sigue siendo relevante en la actualidad.

En 1952, mientras se encontraba en Europa para el estreno de su película «Candilejas», el gobierno de Estados Unidos le revocó su visa de entrada al país. Esta acción fue justificada por las acusaciones de que Chaplin tenía vínculos comunistas y suponía una amenaza para la seguridad nacional. Como resultado, Chaplin decidió establecerse en Suiza, donde vivió el resto de su vida.

Además de los problemas políticos en Estados Unidos, Chaplin también tuvo enfrentamientos con las autoridades británicas. Durante la Segunda Guerra Mundial, se le acusó de no contribuir lo suficiente al esfuerzo bélico británico y se le criticó por su negativa a hacer películas de propaganda. Estas tensiones llevaron a que se le otorgara un permiso de entrada limitado al Reino Unido en 1952, pero posteriormente se le permitió regresar en 1972 para recibir un premio honorífico de la Academia Británica de Cine.

Geraldine Chaplin vive en España desde hace muchos años por diversas razones. Aunque nació en Estados Unidos en 1944, decidió establecerse en España y ha desarrollado gran parte de su carrera artística en este país.

Una de las razones principales por las que Geraldine Chaplin se mudó a España fue por su relación personal. En la década de 1960, contrajo matrimonio con el director de cine español Carlos Saura y juntos tuvieron varios hijos. Esta unión con un español influyó en su decisión de vivir en España y formar una familia allí.

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Los empleados de una farmacia de Marchena, jugaron un papel crucial en la prevención de un robo durante la mañana...

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Tres siglos escoltando y prendiendo a Jesús Nazareno en el Gólgota de San Miguel

Según Juan Antonio Fernandez Guerrero, romano desde hace 18 años, que ha investigado la historia de la centuria romana de...

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Este Lunes, viacrucis del Cristo de los Peligros que recorrerá las tres parroquias

El próximo lunes 26 de febrero, a las 20.30 será el solemne Via Crucis del Santísimo Cristo de los Peligros...

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