En 1996, el Parlamento Andaluz aprobó la celebración del 22 de noviembre como «Día de los Gitanos Andaluces».

“A veinte y dos días del mes de noviembre de este año (1462) llegaron a la ciudad de Jaén dos condes de la pequeña Egipto, que se llamaban el uno don Tomás y el otro don Martín, con hasta cien personas entre hombres, mujeres y niños…Y como llegaron a la ciudad de Jaén, el señor condestable los recibió muy honorablemente y los mandó aposentar  y hacer grandes honras…”

Esta llegada aparece recogida en los Hechos del Condestable Don Miguel Lucas de Iranzo, gobernador de Jaén y primer andaluz que documentadamente acoge el Pueblo Gitano.

«Sabemos que el origen del flamenco está en la Andalucía de hace unos trescientos años, y que ahí había gitanos y herederos de los moriscos cantando folklore andaluz. Creo que hay que reconocer esos tres orígenes, mezclados de forma indisociable» afirma Juan Ramon Lara músico e investigador de Academia del Piaccere, que se dedica a recuperar músicas antiguas.

En el XIX los gitanos de Marchena habían conservado romances,  propios de judíos y moriscos. En 1820 Bartolomé José Gallardo, encarcelado en Sevilla, escuchó a Pepe Sánchez y Curro El Moreno, gitanos de Marchena cantando El Romance de Gerineldo y La Condesita, romances propios de la tradición oral de los moriscos y judíos, según se recoge en la obra «El Romancero de la provincia de Sevilla» dirigido por Pedro M. Piñero Ramírez.  «El Romancero de Marchena» de Juan Pablo Alcaide confirma la procedencia sefardí de muchos romances conservados en Marchena en los años 80.

PRESTAMOS MUSICALES ENTRE EL FLAMENCOS Y MORISCOS

Músicas que creemos flamencas, tienen un origen anterior. El fandango existía antes del flamenco según el Diccionario de Autoridades de 1735. Pablo Montes, investigador y experto en historia de la música señala que la fiesta del fandango o fiesta del candil «viene de América». «Igualmente la Zambra es un baile morisco que luego se adapta al flamenco» señala Pablo Montes.

La tradición musical andalusí en Marchena enamoró en los años 30 a Aziz Balouch que vino a España buscando la raiz del folclore andalusí y acabó cantando flamenco en la compañía de Pepe Marchena y escribió un libro sobre la teoría árabe en el origen del cante jondo.

«Sufismo y Flamenco tienen mucho en común: un sistema musical que viene de la misma zona, un vocabulario similar, preguntas existenciales» explica Martina Catella, experta e investigadora musical (www.singtheworld.fr) . El qawwali es una tradición musical del sufismo que se inicia en el siglo XIV en lugares santos sufíes de India y Pakistán con similitudes con el flamenco. 

En Marchena destacó como gran maestra del sufismo Shams Um Al Fuqara, maestra de Ibn Arabi «La música sufí era una herramienta para curar a la gente, no un divertimento. De hecho Ibn ArabÍ explica que dependiendo del maqam, (escala o rango melódico que se usara) podían curar unos dolores de cabeza, de estómago, etc».  No usaban la música como divertimento porque «alejaba de lo divino».

«El sustrato étnico donde se crea el flamenco es abundante en moriscos y gitanos» explica Juan Ramón Lara, investigador y músico de la Academia del Piacere. «La forma del villancico tiene influjo del zéjel (en concreto su mudanza, vuelta y estribillo). Un sustrato de cultura árabe permaneció en nuestra tierra junto a sus pobladores».  Otros autores creen que los melismas tipicos de algunos cantes y del flamenco tiene su origen en los cantos andalusíes.

GITANOS EN MARCHENA EN EL XVI

En 1565 Loris Hoeffnagel vino a Marchena con sus instrumentos de dibujo para trazar un grabado de Marchena  con los primeros gitanos: el padre, la madre, el mocito y el niño/a pequeño en los brazos de la «mama». Los hombres trabajan el hierro mientras la gitana amamanta. Se reconoce que son gitanos por las herramientas, los fuelles (estos fuelles han seguido siendo usados por los gitanos) y por la rodela que luce la gitana.

Si los gitanos andaluces entraron en Andalucia por Jaen en 1462, primer registro escrito,  en Marchena en 1617 encontramos armaos gitanos junto al Santo Entierro y en la procesión de la Soledad de Septiembre llevaba «danzas de gitanos» según explica Vicente Henares en su libro sobre la Historia de la Hermandad de La Soledad.

En 1578 el Ayuntamiento de Marchena contrató para la procesión del Corpus varios grupos de danzas de gitanos de Marchena como Sebastián García, Beltrán Bustamante, Diego Salguero, Francisco Heredia, Baltasar de los Reyes, Alfonso Nicolás Montoya, y María Parla.

RODRIGO PONCE DE LEÓN Y LA LLEGADA DE LOS GITANOS

La Universidad de Sevilla citando a José María de Mena apunta la posibilidad de que los gitanos fueran usados por don Rodrigo Ponce de León como ayudas de campo en sus batallas, primero contra los Guzmanes y luego contra los moros.

La Pragmática de los Reyes Católicos, promulgada en Medina del Campo, en 1499 pedía a los gitanos que dejasen de vagar y se pusieran bajos las órdenes de un señor.  “Mandamos a los egipcianos que andan vagando por nuestros reinos y señoríos… que vivan por oficios conocidos… o tomen vivienda de señores a quien sirvan… Si fueren hallados o tomados, sin oficio, sin señores, juntos… que den a cada uno cien azotes”. Por eso los gitanos llegaron a tierras señoriales como Marchena buscando la jurisdicción de un Señor o Duque obedeciendo los Reyes y se bautizaban para no tener problemas.

GITANOS, MORISCOS Y JUDIOS EN LA MARCHENA DEL SIGLO XVI Y XVII

Poco antes, en 1481 unos 8000 judíos de Sevilla vinieron a Marchena y otras tierras del Estado de Arcos huyendo de la Inquisición real y fueron acogido por Rodrigo Ponce de León, entre ellos venían miembros de importantes familias sevillanas, y sabemos que hasta el XVII hubo conversos en Marchena por juicios de la Inquisición.

En 1570 el Duque también trajo a Marchena Moriscos de la sierra de Ronda, tras alcanzar con ellos acuerdos de paz, y muchos fueron bautizados en San Juan. Algunos tuvieron problemas con la Inquisición establecida en Santo Domingo, por conservar sus propias costumbres, lo mismo que sucedía con los judíos y los moriscos.  Se conocen los listados de apellidos moriscos que vinieron a Marchena.

«Aquellos lugares con mayor población morisca, son, precisamente, en los que se asentó el mayor número de gitanos» afirma Blas Infante en una de sus investigaciones sobre el origen del flamenco citando Marchena entre esos lugares.  En 1950 Antonio Mairena y Ricardo Molina afirman que los gitanos crearon el flamenco integrando «las tradiciones musicales que encontraron todavía vivas en la abundante población morisca”.

Justo cuando se fueron los moriscos y judíos, llegaron los gitanos que ocuparon sus oficios y aprendieron sus tradiciones culturales. «Cuando los gitanos llegaron a España se encontraron con una gran riqueza musical» señala Pablo Montes guitarrista clásico y recién graduado en Historia de la Música, por la Universidad de Granada.

La música y tradición andalusí -como también pasó con la judía- se eliminó de España durante siglos, aunque se conservó en el Magreb.  «De hecho se eliminó hasta tal punto de que el laúd estaba mal visto por ser instrumento árabe y por eso la vihuela se convierte en el instrumento principal y de ahí evoluciona la guitarra».

El cine, como reflejo de nuestras emociones más profundas, ha encontrado en los arquetipos de Carl Gustav Jung una herramienta poderosa para construir personajes que conectan con el público. Estos arquetipos, que representan patrones universales de comportamiento, trazan el desarrollo emocional de los personajes y nos muestran su transformación a lo largo de las historias.

En el inicio de un guion, es común encontrar al Inocente, un personaje lleno de esperanza que confía en la bondad del mundo. Un ejemplo clásico es el niño de La vida es bella, cuya visión ingenua contrasta con el horror del entorno, creando una narrativa que acentúa tanto la ternura del personaje como la dureza de la realidad.

Sin embargo, cuando el paraíso en el que vive el Inocente se derrumba, este arquetipo se transforma en el Huérfano. El Huérfano es pesimista, siente una profunda herida emocional y busca desesperadamente seguridad. Bruce Wayne en Batman Begins es un claro ejemplo: la pérdida de sus padres lo lleva a desconfiar del mundo, pero también a buscar fortaleza en sí mismo, dando el salto hacia el arquetipo del Guerrero.

El Guerrero, uno de los arquetipos más comunes en la ficción, simboliza la lucha por alcanzar un objetivo. William Wallace en Braveheart es el prototipo de este arquetipo, motivado por la venganza tras la muerte de su amada. Sin embargo, no todos los Guerreros luchan por causas nobles.

Finalmente, el Benefactor, también conocido como el Cuidador, representa el altruismo y la compasión. Personajes como Mary Poppins o Anne en Mi vida sin mí son ejemplos de cómo el Benefactor prioriza el bienestar de los demás, incluso sacrificándose a sí mismo. Sin embargo, su sombra puede convertirlo en un personaje sofocante, como la madre de Rose en Titanic, que utiliza su rol protector para manipular a su hija.

Arquetipos del Alma en el cine: el puente hacia la transformación

Tras los arquetipos del Ego, que se centran en la construcción de la identidad y la relación con el mundo exterior, los arquetipos del Alma, según Carl Gustav Jung, representan una etapa de introspección y conexión con emociones profundas. En el cine, estos arquetipos dan lugar a personajes que buscan significado, enfrentan conflictos internos y persiguen cambios transformadores.

Uno de los arquetipos más destacados del Alma es el Buscador, quien anhela una vida más auténtica y persigue aventuras que le permitan comprenderse a sí mismo. Frodo en El Señor de los Anillos encarna perfectamente este arquetipo, emprendiendo un viaje que no solo lo lleva a destruir el Anillo Único, sino también a superar sus limitaciones internas. Sin embargo, el Buscador también puede caer en su sombra, volviéndose obsesivo y aislándose de los demás. Esto lo vemos en personajes como Chris McCandless en Hacia rutas salvajes, cuya búsqueda de libertad lo lleva a un destino trágico.

El Amante es otro arquetipo esencial del Alma, guiado por el deseo de conexión emocional y armonía. Este personaje no solo busca amor romántico, sino también belleza y significado en todo lo que lo rodea. En Romeo y Julieta, ambos protagonistas representan al Amante en su forma más intensa, idealizando su amor hasta el extremo. Sin embargo, la sombra de este arquetipo puede llevar al autoengaño o a la dependencia emocional, como ocurre con Gatsby en El gran Gatsby, obsesionado con un amor idealizado que nunca podrá alcanzar.

Por último, el Creador se centra en construir algo duradero que trascienda. Este arquetipo es un visionario, como Tony Stark en Iron Man, cuya inventiva y creatividad lo impulsan a ser un héroe. Sin embargo, su sombra puede llevarlo a la autodestrucción, como ocurre con muchos artistas y genios que sucumben a su perfeccionismo.

En contraste, el Destructor, también conocido como el Rebelde, actúa como un agente de cambio. Su misión es acabar con lo que considera injusto o corrupto, aunque su método implique destruir sin contemplaciones. Jack Sparrow en Piratas del Caribe ilustra este arquetipo en su vertiente más extravagante y libre, mientras que Walter White en Breaking Bad muestra su lado oscuro: el Destructor que se convierte en villano, cegado por su ambición.

Los arquetipos del Self: la culminación del viaje

En la etapa final del desarrollo según Jung, los arquetipos del Self representan la integración del consciente y el inconsciente. Estos personajes han alcanzado un equilibrio interno y simbolizan la sabiduría y la plenitud.

El Sabio es el arquetipo que busca y comparte conocimiento. Obi-Wan Kenobi en Star Wars es un ejemplo clásico: un maestro que guía al protagonista con sabiduría y experiencia. Sin embargo, la sombra del Sabio puede ser la arrogancia intelectual o el aislamiento, como ocurre con Jorge en El nombre de la rosa, quien utiliza su conocimiento para controlar y castigar.

El Gobernante encarna el liderazgo y el deseo de orden. Aragorn en El Señor de los Anillos representa el lado positivo de este arquetipo, un líder que asume su papel con responsabilidad y justicia. Pero en su sombra, el Gobernante puede convertirse en un tirano, como Vito Corleone en El padrino, cuya necesidad de control lo lleva a la crueldad.

El Mago utiliza su conocimiento para transformar la realidad. Gandalf en El Señor de los Anillos y Yoda en Star Wars son ejemplos perfectos: personajes que combinan sabiduría y poder para guiar a otros en sus propios viajes. Sin embargo, la sombra del Mago puede ser peligrosa, como Saruman en El Señor de los Anillos, quien se deja consumir por su deseo de poder.

Finalmente, el Bufón aporta ligereza y humor, pero también verdades profundas. En Shrek, el Burro es un Bufón que combina comicidad y lealtad, ayudando al protagonista a enfrentar sus propios miedos. Sin embargo, en su sombra, el Bufón puede convertirse en un irresponsable o un cínico, incapaz de tomarse nada en serio, como Jack Sparrow en sus momentos más autodestructivos.

En la teoría de Carl Gustav Jung, la sombra representa los aspectos reprimidos o inconscientes de la personalidad, incluyendo deseos, temores y cualidades que el individuo o personaje no reconoce como propios. En términos narrativos, integrar la sombra de un arquetipo significa permitir que el personaje enfrente estas partes ocultas de sí mismo, lo que enriquece su desarrollo y lo hace más complejo y realista. La sombra finalmente se vence aceptandola y abrazandola es decir haciendola consciente, dándonos cuenta de cómo opera en nosotros y aceptándola. La integración de la sombra supone que deja de ser sombra y por lo tanto desaparece.  

Joseph Campbell (1904-1987) fue un profesor estadounidense que comparó todos los mitos y religiones de la tierra y extrajo sus elementos comunes, presentándolos en «El viaje del héroe» que se convirtió en la biblia para los guionistas de Hollywood  y George Lucas, usó para escribir el guión de “La Guerra de las Galaxias”.

“El Viaje del Héroe” es el nombre con el que Campbell denominó una estructura común desde “Gilgamesh” o “La Odisea”, hasta las novelas contemporáneas. Se trata del monomito, o los pasos que da un héroe para convertirse en héroe que se ha convertido en una referencia para muchos guionistas a la hora de sacar adelante sus películas o libros.

Unas décadas antes, en 1928, ya lo había apuntado el formalista ruso Vladimir Propp en La morfología del cuento, con una esquematización más compleja en forma de listado de 31 puntos o funciones. La ciencia de contar historias de Will Storr es otra exploración de las claves de la eficacia narrativa conectándola con el funcionamiento de nuestro cerebro, que procesa información constantemente y está especialmente alerta al cambio. 

El neurolingüista Steven Pinker nos define como una especie verbívora que necesita las palabras para dar forma concreta a las ideas abstractas y pensamientos que surgen dentro de su cerebro. Pero podemos ir más allá. Somos una especie narratívora. Las palabras aisladas no nos bastan, necesitamos articularlas alrededor de historias que hablen de sus relaciones de semejanza, contigüidad o causa-efecto y, así, entender mejor el mundo que nos rodea y a nosotros mismos.

Este tipo de textos habla a dos niveles, un nivel psicológico interior a cada ser humano y un nivel social comunitario, de ahí que funcione a nivel global, ya que todos nos sentimos concernidos en uno u otro plano.

En Star Wars: Una Nueva Esperanza, Luke Skywalker encarna a la perfección el arquetipo del héroe según el esquema de Joseph Campbell. Su historia comienza en el árido Tatooine, donde vive atrapado en la monotonía de una vida como granjero, soñando con aventuras más allá de las estrellas. Pero todo cambia cuando un misterioso mensaje de la princesa Leia, oculto en el androide R2-D2, lo introduce al conflicto galáctico contra el Imperio.

Al principio, Luke se muestra reticente. El miedo a lo desconocido y el apego a sus responsabilidades lo frenan, hasta que la tragedia golpea: la muerte de sus tíos a manos de los soldados imperiales lo obliga a abandonar su hogar. Es entonces cuando entra en escena Obi-Wan Kenobi, el sabio mentor que lo guía hacia su destino, entregándole el sable láser de su padre y enseñándole sobre la Fuerza. Con Obi-Wan, Luke cruza el umbral hacia un mundo desconocido, lleno de peligros y posibilidades.

El viaje no es solitario. Luke encuentra aliados como Han Solo, Chewbacca y Leia, con quienes enfrentará pruebas como el rescate de la princesa y la infiltración en la imponente Estrella de la Muerte. Sin embargo, el momento más devastador llega cuando Obi-Wan se sacrifica enfrentando a Darth Vader, dejando a Luke solo con la carga de su aprendizaje.

Con los planos de la Estrella de la Muerte en sus manos, Luke regresa al refugio de los rebeldes para planear el ataque final. En el clímax de la historia, durante la batalla decisiva, Luke confía plenamente en la Fuerza, dejando de lado la tecnología y los cálculos para destruir la amenaza imperial. Su acto heroico no solo asegura una victoria crucial para la Alianza Rebelde, sino que también lo transforma. Deja atrás al joven inseguro y se convierte en el héroe que el universo necesita.

El triunfo de Luke, al regresar con el elixir simbólico de la libertad y la esperanza, cierra este capítulo de su viaje, pero deja claro que su transformación es solo el inicio de mayores desafíos. Así, Star Wars se erige como un relato atemporal que conecta con las profundidades del alma humana, siguiendo el camino universal del héroe.

Como antesala a la Salida Extraordinaria del Dulce Nombre, el próximo viernes 25 de octubre a las 20.30 horas  en San Sebastiám, la hermandad del Dulce Nombre celebra un concierto de música antigua, con el repertorio “Sacra Musicae”, para escuchar la música procesionale para cortejos penitenciales del S. XVI por el grupo Ministriles Hispalensis, enmarcado en los 425 años de esta Corporación del Dulce Nombre de Jesús.

Sacra Musicae es el repertorio con el que Ministriles Hispalenses un grupo de expertos e investigadores rescata la música que sonaban tras nuestras imágenes en el XVI y XVII es decir en su época fundacional.  Aunque muchos piensan que la «música de capilla» es la música más antigua de nuestra Semana santa lo cierto es que era la “música de ministriles” la que acompañaba a las hermandades de Marchena y así lo recogen las primitivas reglas del Cristo de san Pedro, o Soledad. 

Para rescatar esta música Ministriles Hispalensis utiliza sacabuches, corneto, bajón, bajoncillo, chirimía, tambor destemplado y organetto además de una Escolanía de Sevilla y un cuerpo de “acólitos” acompañantes.

Ministriles Hispalensis, se ofrece a las hermandades para rescatar este primitivo repertorio de música procesional que ya ha recuperado la Vera Cruz de Jerez, cofradía más antigua de la ciudad fundada en 1.542. Este grupo se ofrece para dar a conocer y valorar la “música de ministriles” para los cultos y las estaciones de penitencia de las hermandades.

La cofradía del Santo Crucifijo o Cristo de San Pedro recoge en sus primeras reglas de 1556 que la música que lo acompañaba en su cortejo procesional en la madrugada  del Jueves al Viernes Santo era música de ministriles y trompeta en su procesión y cultos, músicos que tenían una situación de privilegio en la hermandad pues no pagaban nada y a cambio tocaban gratis en las fiestas y procesiones.

En su capítulo veinticuatro qué trata «de cómo sean de rescibir los ministriles o trompetas» dice «ordenamos que si algún trompeta o ministril quisiera entrar en nuestra cofradía que lo reciban de balde con tal condición que sirva nuestra fiesta en su trompeta», y si faltaba se le ordenaba que pague una cuota que quedaría en depósito de la Cofradía.

En 1600 el Santo Entierro era portado por clérigos escoltado en los flancos por los armaos de etnia gitana que portaban lanzas y espadas y seguido por el palio de respeto con sacerdotes seguidos de frailes de las órdenes franciscanas y agustinos. Un grupo de ministriles acompañaban a la Soledad. Detrás de la Virgen, cruz parroquial y ciriales para abrir el tramo de caperos grupos de hasta cincuenta sacerdotes de la matriz de San Juan.

La regla de la Veracruz manda en sus reglas primitivas que la cofradía se ordene de la siguiente manera. «Que delante de la dicha processión vaia el nuestro maiordomo con la seña negra, y luego los demás cofrades por su orden e processión, entre dos de luz uno de sangre, con mucho concierto hasta el cabo donde irá el crucifijo grande con las lumbres que a los diputados pareciere que conuiene que vaian alumbrando. Y luego los cantores y tras de ellos irá la imajen de Nuestra Señora».  

«Que vaia el Christo pequeño con seis hachas y más atrás que vaia por su orden vaia el Christo grande con doze achas. Y acabada nuestra processión, vaia la imajen de la Madre de Dios y que la alumbre ocho hachas y allí vaian sus cantores y que ninguno vaia vestido de negro en la dicha Cofradía sino con su túnica».

Igualmente la primitiva regla del Dulce Nombre manda «quel Domingo de Ramos de cada vn año se haga cabildo general. E para ello el muñidor llame e apellide a todos los hermanos para que se hallen presentes a el dicho cabildo. Ase de tratar en el dicho cabildo de la procesión del Jueues Sancto y la ora que a de salir y las yglesias que a de andar. Ase de tratar los cantores y clérigos que an de yr en la proçesión y la limosna que se les a de dar por ello».

Juan Polo era un ministril de la capilla musical de la iglesia de San Juan que vivia en la calle Alcalde Lebrón, viudo y con varios hijos en 1719, según el padrón de Marchena de ese año, conservado en el Archivo Historico municipal de Marchena. Aparece descrito con la palabra ministril, si bien es cierto que dicha palabra se usaba entonces como sinónimo de músico.

Por todo el barrio de San Juan aparecen viviendo los músicos de la capilla de San Juan como Rodrigo de Jaén, y Juan Ignacio de Morales maestro de capilla que vivían en la calle Albarracín o San Francisco. En la calle Huescar vivía Francisco Madroñal ciego y organista de la Parroquia de San Juan y Tomas Ignacio Reina párroco de San Juan. En la calle de los Sastres vivía Juan Polo Ministril de la capilla.

La chirimía, el sacabuche, la corneta y el bajón fueron los principales instrumentos interpretados por los ministriles, otras veces se añadían flautas u orlos, que son aerófonos con forma de “J”.

La chirimía era un instrumento de viento con doble lengüeta, similar a la dulzaina actual.  En 1468, desde Francia llega el sacabuche para acompañar a la chirimía en los conjuntos de ministriles. El sacqueboute, en su denominación original, es el antepasado del moderno trombón. A finales del siglo XV se incorpora la corneta, que desciende del cuerno de caza medieval. Para reforzar los sonidos bajos los conjuntos de ministriles adoptaron el bajón, un instrumento de alrededor de un metro de longitud, de un solo bloque de madera.

En la boda  Carlos I e Isabel de Portugal, que tuvo lugar en Sevilla el 11 de marzo de 1526 y en el que tocó una fastuosa capilla real de ministriles.

Desde la Edad Media al músico profesional, se le denominaba ministril porque ejercía un oficio o ministerium se trataba de instrumentistas que vendían sus servicios de forma ocasional y tocaban puntualmente tanto en celebraciones religiosas como civiles. Su repertorio era amplio y variado: desde música religiosa hasta danzas y canciones de moda de la época.

Aparte de la corte, algunas altas casas señoriales contaban con su propio grupo fijo de ministriles, algo que solamente se podían permitir las familias más opulenta.

El Palacio Ducal de Marchena era escenario de fiestas y espectáculos musicales y teatrales con cierta frecuencia. En algunas de estas actividades participaba la capilla musical del Palacio Ducal, dirigida por importantes maestros como Melchor Téllez (1541), Cristobal de Morales, (1548), maestro Laureano (1569), Andrés de Angulo (1599) y Carlos Domingo de Rada.

En 1513 trabajaban para el duque un grupo de músicos entre ellos el vihuelista Antonio Ramos y un grupo de trompetas y tambores que tenían además, funciones militares.

En tiempos de Cristóbal de Morales la capilla musical estaba formada por Juan Gómez, Diego de Villadiego, Nicolás de Velasco. Alonso Verdugo y el joven Juan Navarro cantor de coro, tenor y luego maestro de capilla en las catedrales de Avila, Salamanca y Palencia.

En las solemnidades como la Inmaculada de 1569 se sumaron además cinco chirimías, ocho cantores, varios mozos de coro mas el organista Juan Garcia de Arenas y el maestro Laureano. A esto hay que sumar los ministriles y arpa agregados en 1636.

La Universidad de Granada ha lanzado recientemente una monografía exhaustiva sobre Pedro de Mena, el célebre escultor barroco andaluz del siglo XVII, conocida como Pedro de Mena (1628-1688): Un singular escultor andaluz del Barroco español. Esta obra, escrita por Lázaro Gila Medina y Juan Antonio Sánchez López, ambos reconocidos especialistas en arte barroco, es parte de la Colección Arte y Arqueología de la Editorial UGR. La publicación aborda la vida, el contexto artístico y las técnicas del escultor, cuya obra se caracteriza por un realismo conmovedor y una profunda espiritualidad.

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La monografía está ricamente ilustrada y realiza un análisis crítico actualizado, con descubrimientos recientes y aportaciones académicas que subrayan la relevancia de Pedro de Mena en el arte español. Este estudio se ha convertido en una referencia imprescindible para conocer a fondo su legado tanto en Granada como en Málaga, los dos principales escenarios de su actividad artística.

En esta obra, los autores rinden homenaje a Pedro de Mena y Medrano, un artista único que dejó una huella imborrable en la escultura barroca española. Su realismo, combinado con una conmoción emocional y un profundo sentido de la espiritualidad, abrió las puertas a un nuevo estilo cuyo legado perdura hasta hoy.

A través de un riguroso análisis académico y un lenguaje preciso, Gila Medina y Sánchez López abordan una amplia variedad de temas, desde el contexto artístico que influyó en la vida de Mena hasta su biografía, sus obras y su maestría técnica. La publicación incluye una rica selección de imágenes que sumergen al lector en el universo artístico de este escultor granadino-malagueño.

Este volumen se presenta como una obra de referencia ineludible para entender la vida, obra e imagen de un artista genial e irrepetible.

La Inmaculada que Pedro de Mensa hizo para Santa María de Marchena por encargo del Duque de Arcos se considera su última obra y hoy está en la iglesia de San Juan.

Nacido en Granada, desarrolló su actividad artística en la ciudad de Málaga durante los últimos treinta años de su vida. Aprendió a partir de los 10 u 11 años las técnicas de la escultura en el taller de su padre, Alonso de Mena y Escalante, otro famoso escultor. En este taller coincidió con el sevillano Pedro Roldán y el lorquino Juan Pérez Crespo, además de su hermano Alonso de Mena.  A la muerte de su padre en 1646, quedaron ambos hermanos en el taller, que era el más importante de Andalucía oriental en la primera mitad del siglo XVII.

El año de 1652 Alonso Cano se establece en Granada para trabajar en la Catedral y elige como colaborador a Mena, que cambia de estilo y luego huyendo de la presión del maestro se traslada a Málaga  con 30 años para tallar el coro de la Catedral de Málaga,  1658-1660.

Cuando terminó el coro malagueño, viajó a la corte y la Catedral de Toledo le nombró escultor mayor, volvió a Málaga y trajo consigo el encargo de los jesuitas de Madrid de una Magdalena Penitente, obras clave firmada como «Granatensis Malacae» («Granadino en Málaga»).

Con 50 años contrae la peste y se salva milagrosamente, pero no deja de trabajar, dibuja especialmente  Ecce Homos e Inmaculadas que so obra de taller mientras que el maestro daba los toques maestros en cara y manos.

LA INMACULADA DE MARCHENA

En los últimos años de su vida el Duque de Arcos le encarga la gran Inmaculada de dos metros de alto que se conserva en San Juan, para la iglesia de Santa Maria sobre la que se conservan dos cartas manuscritas, una del propio escultor y otra de su viuda después de muerto el maestro. Por lo tanto, la obra realizada para Marchena es su última escultura.

En torno diciembre de 1688 se conservan  dos cartas autógrafas del escultor Pedro de Mena y Medrano a Antonio de Fuentes explicando que el estado de su salud le impidió trabajar en la imagen de la Concepción encargada para Marchena y dice que el duque querría verla en Madrid pues por su arte será mucho mejor que la que hizo para la Iglesia de Córdoba; habla también de su situación y cuestión de fondos.

Todas las Inmaculadas de Mena tienen entre ochenta o un metro, menos las de Córdoba y Marchena que superan los dos metros, pues fueron realizadas para su exposición en retablo. En 1688 Mena dejó a su muerte casi terminada la Inmaculada encargada por el Duque de Arcos para Marchena, cuya imagen concluyó su discípulo Miguel de Zayas.

Una vez muerto el artista su viuda Catalina de Vitoria y Ulquiza, envía una carta al Duque de Arcos en la que asegura que éste dijo que estaba terminada la imagen de la Concepción que por encargo del Duque de Arcos hizo para la iglesia de Santa María de la Mota de Marchena y que lo que faltaba lo podían hacer sus oficiales o discípulos. Carta fechada en Málaga eñ 23 de noviembre de 1688.

En estos años el maestro era uno de los artistas más reclamado y cotizados de España y trabajó al mismo tiempo para Marchena y para la catedral de Córdoba en dos Inmaculadas de gran tamaño, pues ambas tienen dos metros de alto.

Federico García Lorca fue asesinado hace hoy 88 años pero está más vivo que nunca. «Cuando yo era niño viví en un pueblecito muy callado y oloroso de la vega de Granada. Todo lo que en él ocurría y todos sus sentires pasan hoy por mí, velados por la nostalgia de la niñez y por el tiempo. El monstruo de la política le quitó su virginidad y su luz. En ese pueblo yo nací y se despertó mi corazón. En ese pueblo tuve mi primer sueño de lejanías. En ese pueblo yo seré tierra y flores…».

Los lugares donde vivió el poeta se han convertido en la Ruta de Lorca por tierras granadina que puede descuribrse a través del proyecto Universo Lorca.

Federico García Lorca vino al mundo en la casa de la calle de la Trinidad número 4 de Fuente Vaqueros (hoy calle Federico García Lorca) a “las doce de la noche” del cinco de junio de 1898 y fue bautizado seis días más tarde con el nombre de Federico del Sagrado Corazón de Jesús.

LA INFANCIA FELIZ DEL POETA MAS AMADO

Una compañía de marionetas llegó un año a Fuente Vaqueros y cautivó al niño, tanto que empezó a producir sus propias funciones. “Todos nosotros nos reconocíamos en los títeres de Federico: mi madre, don Antonio, la servidumbre y yo… Del mismo modo nos reconocimos más tarde en una u otra de sus obras”, explica Carmen Ramos.

Su juego favorito consistía en decir misa. “En el patio había un pequeño muro donde colocaba una imagen de la Virgen y algunas rosas tomadas del jardín. Delante de ese improvisado altar nos hacía sentar a su hermano Francisco y a mí”, cuenta Carmen Ramos. Y ya acomodados los espectadores y cubierto él con vestidos de telas rameadas oficiaba la misa con una condición: que la audiencia rompiera a llorar durante el sermón.

Museo Casa-Natal de Federico García Lorca en Fuente Vaqueros (Granada)
Cuna y dormitorio de Federico García Lorca.

 Manuel Ángeles Ortiz recuerda cómo Federico, en la Residencia de Estudiantes, “nos decía misa casi todos los días”. “Envuelto en unos viejos brocados que yo tenía, llegaba incluso a darnos la comunión con trozos de bizcocho”. 

“Siendo niño”, declaró en 1934 en Buenos Aires, “viví en pleno ambiente con la naturaleza. Como todos los niños, adjudicaba a cada cosa, mueble, objeto, árbol, piedra, su personalidad. Conversaba con ellos y los amaba”.

En el patio de la casa había una fila de chopos musicales que parecían hablar entre sí cuando el viento movía sus ramas. “Yo solía pasarme las horas acompañando con mi voz la canción de los chopos. Otro día me detuve asombrado. Alguien pronunciaba mi nombre, separando las sílabas como si deletreara: ´Fe… de… ri…. co´. Miré a todos lados y no vi a nadie. Sin embargo, en mis oídos seguían chicharreando mi nombre. Después de escuchar largo rato, encontré la razón. Eran las ramas de un chopo viejo que, al rozarse, producían un ruido monótono, quejumbroso, que a mí me pareció mi nombre”.

 A los ocho años Federico conocía más de un centenar de romances populares.

“Yo, si tuviera hambre y estuviera desvalido en la calle no pediría un pan; sino medio pan y un libro. Y yo ataco desde aquí violentamente a los que solamente hablan de reivindicaciones económicas sin nombrar jamás las reivindicaciones culturales” dijo en otra ocasión en su pueblo.

PEPE EL ROMANO FUSILÓ A LORCA

Cuando Federico se muda a Valderrubio conoce allí la historia real de Frasquita Alba que vivía en la casa de al lado de la de su tía.  El propio Federico escribe «había en el confín del patio un pozo medianero, sin agua, y a él descendía para espiar a esa familia extraña cuyas actitudes enigmáticas me intrigaban. Y pude observarla. Era un infierno mudo y frío en ese sol africano, sepultura de gente viva bajo una férula inflexible de cancerbero oscuro. Y así nació La casa de Bernarda Alba, 

Cuando se publica La casa de Bernarda Alba, provoca un enfrentamiento entre los Alba y los Lorca al narrar los hechos y personajes reales de la familia Alba. Además el poeta usó la historia de los Alba para algunas escenas de Yerma y Bodas de sangre. Los Lorca dejaron de ir a veranear a Valderrubio cuando compran la Huerta de San Vicente. 

Una de las hijas de Frasquita Alba Martirio sufría unas fiebres de origen desconocido. Pepe el Romano o Pepico el de Roma (a los del pueblo cercano de Romilla se les llamaba “romanos”) se casó con una de las hijas de Frasquita pero murió pronto. Martirio se casó luego con su cuñado Pepe el Romano, José Benavides Peña que participó en el fusilamiento del poeta.

El Museo de la Casa Natal de García Lorca se inauguró el 29 de julio de 1986 en el 50 aniversario de su fusilamiento. La vivienda fue adquirida en 1982 por la Diputación de Granada. Posteriormente, en 1998, con ocasión del centenario del nacimiento, se abrió el Centro de Estudios Lorquianos en el edificio de las antiguas escuelas, para guardar y poner a disposición de los investigadores el importante archivo lorquiano procedente de compras y donaciones. 

LA HUERTA DE SAN VICENTE

La principal residencia de Federico García Lorca en Granada fue la Huerta de San Vicente, la casa de campo donde la familia pasó todos los veranos a partir de 1926; el lugar donde fueron escritas o trabajadas obras como Yerma, Bodas de sangre, el Romancero gitano, Doña Rosita la Soltera, El Público o Así que pasen cinco años, entre otras,

“Hay tantos jazmines en el jardín y tantas damas de noche que por la madrugada nos da a todos en casa un dolor lírico de cabeza”. (A Jorge Guillén, 1926)

El dormitorio de Federico se conserva en su estado y orientación originales. “Granada enfrente de mi balcón, tendida a los lejos con una hermosura jamás igualada”. 

En 1936, Lorca viajó de Madrid a Granada, tras muchas dudas. “Rafael”, le dijo a su amigo Martínez Nadal antes de tomar el tren, “estos campos se van a llenar de muertos. Está decidido. Me voy a Granada y sea lo que Dios quiera”.  El seis de agosto se presentó en la Huerta un grupo de falangistas buscando una supuesta emisora de radio a través de la cual Lorca se comunicaba con la Unión Soviética y que, según sus sospechas, escondía en el piano.

“Estoy en plena bucólica, todo el día comiendo exquisita fruta y cantando en el columpio con mis hermanos, y hago tantísima tontería que a veces me avergüenzo de la edad que tengo”. (A Sebastià Gasch, 1927)

El 9 de agosto, tres días después, se presentó en la Huerta otro grupo al mando de un sargento retirado de la Guardia Civil: buscaban al casero Gabriel Perea para que confesara el paradero de sus hermanos.  Gabriel fue atado a un cerezo y maltratado.  La noche de ese mismo día, el 9 de agosto, el chófer de la familia llevó a Lorca a la casa de los Rosales, a solos unos centenares de metros del Gobierno Civil. 

Tras los asesinatos de Lorca y de Manuel Fernández-Montesinos, la familia permaneció dos años refugiada en la Huerta hasta que, atemorizada y vulnerable, se mudó a un piso en la calle Manuel del Paso En agosto de 1940 la familia huyó a América.

“Yo trabajo mucho. Ahora mismo mi casa está llena de canciones de cuna para dormir a la niña, y ya están dormidas mi mamá, mis hermanas, mi papá, los árboles y los perros, menos la niña, que no se duerme nunca”. (A Carlos Morla Lynch, 1931)

EL MISTERIO DE LA TUMBA DE FEDERICO

El parque Federico García Lorca en Alfácar, Granada se levantó en 1986 en el lugar donde se cree fue asesinado el poeta en 1936, en un punto indeterminado entre Víznar y Alfacar. 

Debajo de la fuente del parque que lleva el nombre del poeta en Alfacar hay unos sacos con huesos. ¿Son de Lorca?. Ni la Junta ni la familia del poeta dan los permisos para buscar, tras dos excavaciones fallidas en otros tantos puntos. Su sobrina nieta Laura García Lorca nunca ha dado permisos para buscar los huesos del poeta, por eso a él nunca se le ha buscado, aunque sí a los de las otras tres personas fusiladas con él, por expreso deseo de sus familias.

En el barranco de Víznar, fueron fusiladas centenares de personas en 1936 durante décadas, los niños de la zona jugaban al fútbol con los huesos que encontraban, muy superficiales. Pero, ¿dónde están los huesos de Lorca y porqué no aparecen?.

Las dos teorías sobre el paradero de los huesos de Lorca resultaron ser falsas. Una, la de la fosa bajo el olivo de Alfácar donde luego se construye el parque que lleva el nombre del poeta y donde supuestamente yacían los banderilleros anarquistas Galadí y Arcollas, el maestro republicano Dióscoro Galindo y el poeta granadino universal, defendida por Ian Gibson, avalada por testigos presenciales. Se desechó tras no encontrarse huesos.

Tampoco había huesos al otro lado del barranco de Víznar en el lugar indicado por Molina Fajardo, investigador afín al régimen franquista, quien habría accedido a documentación oficial.

En la obra para construir el parque de Alfacar en 1986, la Diputación granadina encontró unos huesos y los puso debajo de la fuente sin averiguar su identidad y con prisas para inaugurar. Lo afirmaron varios testigos a los periodistas Quico Chirino y Rafa López de Ideal entre ellos el entonces vice-presidente y diputado de obras de Diputación granadina Ernesto Molina.

Hoy, no hay artista andaluz que no se inspire en Lorca a la hora de crear.  Hoy Lorca es un mito de la cultura andaluza y universal. Pero, ¿quién era Lorca en 1986 cuando aparecieron unos huesos anónimos en las obras del Parque de Alfacar y se volvieron a enterrar con prisas?. ¿Porqué no se identificaron los huesos cuando se sacaron para la obra del parque. Quien lo autorizó?.

«Si los obreros que sacaron los huesos hubiesen intuído que aquellos podían ser los huesos de Lorca, hubiesen procedido de otra manera» explica Chirino.

Chirino, jefe de información de Ideal afirma que ya nunca se podrán encontrar los restos del poeta, si no cambian las circunstancias actuales, es decir que la familia Lorca no da permiso para cotejar el posible ADN encontrado y si nadie aporta ninguna información nueva que motive la apertura de una nueva zanja.

«Yo sé lo que me dijo una persona. Lo primero que habría que hacer es llamar a esa persona a sede oficial, Parlamento de Andalucía a una comisión oficial y que declare» explica Chirino. «Hay una segunda persona que declara lo mismo y volvería a declarar lo mismo pero es muy mayor».

«Si ahora tú abres el suelo debajo de la fuente del parque de Alfacar y aparecen huesos,  los huesos pueden ser de cualquiera. No se resuelve nada abriendo allí y la posibilidad de fracaso es elevada. No hay ahora mismo un expediente que justifique abrir ahí, sobre todo cuando en otras dos ocasiones se ha excavado cerca y no han encontrado huesos».  Además los georradares solo indican movimiento de tierra que pueden ser de cuando se hizo el parque.

«La leyenda de cómo mataron y donde enterraron a Lorca siempre va a permanecer viva. Nunca se sabrá dónde está enterrado» concluye Chirino.