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Arte

Salomé: de Mujer cruel a icono de liberación en el Arte

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A lo largo de los siglos, el arte ha capturado la enigmática figura de Salomé, ofreciendo una ventana fascinante a la evolución de la imagen de la mujer y su papel en la sociedad. La historia de Salomé, inmortalizada por su danza que condujo a la decapitación de San Juan Bautista, ha sido interpretada de diversas maneras, reflejando las cambiantes percepciones sobre la feminidad, el poder y la autonomía.

Salomé, la Mujer Cruel: En sus primeras representaciones, Salomé es retratada como una figura de crueldad y manipulación. En la Edad Media, el arte y la literatura la presentaban a menudo como una mera extensión de la voluntad de su madre, Herodías, implicando que su feminidad estaba intrínsecamente ligada a la traición y el engaño. Esta visión refleja una época donde el papel de la mujer estaba severamente limitado y frecuentemente sujeto a narrativas de pecado y castigo.

Salomé, la Mujer Fatal: A medida que avanzamos hacia el siglo XIX y principios del XX, la figura de Salomé sufre una transformación dramática. Inspirada por el auge del simbolismo y el decadentismo, se convierte en el arquetipo de la «femme fatale», una mujer de belleza hipnotizante cuya sexualidad y poder sobre los hombres son tanto celebrados como temidos. Artistas como Gustave Moreau y Aubrey Beardsley, así como la ópera de Richard Strauss, capturan a Salomé como una fuerza seductora y destructora, reflejando una sociedad fascinada y aterrada por la emancipación femenina.

Salomé, la Mujer Moderna y Liberada: En el arte contemporáneo, Salomé se transforma nuevamente, esta vez en un símbolo de liberación y empoderamiento. Las interpretaciones modernas tienden a enfocarse en su autonomía, su elección de expresarse a través de la danza, y su desafío a las estructuras de poder. Esta Salomé representa la lucha continua de las mujeres por la autodeterminación y la igualdad, resonando con movimientos feministas y debates sobre la sexualidad y el poder.

La evolución de Salomé en el arte refleja la transformación de la imagen de la mujer de ser vista como un ser pasivo y peligroso, a una figura de fuerza, complejidad y autonomía. A través de los siglos, Salomé nos invita a reflexionar sobre cómo la sociedad percibe a las mujeres y cómo estas percepciones han sido desafiadas y redefinidas. La historia de Salomé, rica en matices y contradicciones, sigue siendo un poderoso espejo de nuestra propia evolución cultural y social.

La figura de San Juan Bautista y el dramático episodio de su degollación, provocado por Salomé, poseen un lugar destacado en el patrimonio artístico y religioso de Marchena. Este interés se materializa de manera significativa en dos elementos patrimoniales de gran valor que se encuentran en la localidad: la representación de la cabeza degollada de San Juan Bautista en la Parroquia de San Juan Bautista y la custodia dedicada a la devoción de San Juan Bautista en la misma iglesia, obra maestra de Francisco de Alfaro.

La Parroquia de San Juan Bautista y la Representación de la Degollación

La Parroquia de San Juan Bautista alberga en su interior una representación impactante de la cabeza degollada de San Juan Bautista. Esta obra, de gran calidad y procedente de la escuela francesa, no solo demuestra el virtuosismo artístico de su creación sino también la profunda devoción y el significado religioso que San Juan Bautista tiene para la comunidad de Marchena. Esta pieza invita a la reflexión sobre la figura de San Juan, el precursor de Cristo, y el precio de la verdad y la fe en un mundo de intrigas palaciegas y deseos terrenales.

La Custodia de San Juan Bautista: Una Joya de la Platería Española

El otro tesoro que Marchena alberga es la custodia dedicada a San Juan Bautista, obra de Francisco de Alfaro. Esta custodia es considerada una obra maestra de la platería española, no solo por su exquisita factura sino también por lo que representa: el cuerpo central de la custodia está dedicado a la devoción de las degollaciones de San Juan Bautista, un tema de profundo significado religioso y artístico.

La custodia es un ejemplo brillante del arte sacro que se puede encontrar en Andalucía, reflejando la habilidad de los artesanos de la época y la riqueza de la iconografía cristiana. Visitar Marchena y contemplar esta custodia es una oportunidad única para admirar de cerca la belleza y la complejidad del arte religioso español, así como para comprender mejor la devoción que rodea a San Juan Bautista.

Marchena: Un Destino para los Amantes del Arte y la Historia

Marchena invita a todos aquellos interesados en el arte, la historia y la religiosidad a descubrir estas joyas patrimoniales. La representación de la degollación de San Juan Bautista y la custodia de Francisco de Alfaro no son solo testimonios de la fe y el arte de su tiempo, sino también puentes hacia el pasado, que permiten a los visitantes conectar con las historias y las creencias que han moldeado nuestra cultura.

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Salustiano, Lacomba y otros diálogos entre la tradición y la innovación

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La Semana Santa de Sevilla es una celebración profundamente arraigada en la tradición y la estética, caracterizada por su estilo barroco y elementos clásicos. Sin embargo, en los últimos años, se ha observado una tendencia hacia la heterodoxia en algunos aspectos de su representación artística, como es el caso del cartel de la Semana Santa de 2024, creado por el pintor Salustiano García.

En Sevilla, la Semana Santa heterodoxa ha ganado relevancia y atención en los medios de comunicación y en eventos culturales. La revista «La Muy», en colaboración con El Paseo Editorial y figuras como el periodista José María Rondón y el profesor universitario César Rina, organiza el Triduo Heterodoxo de la Semana Santa de Sevilla, un evento que se ha consolidado en la agenda cuaresmal de la ciudad​​​​​​​​.

Este Triduo Heterodoxo incluye mesas redondas y discusiones sobre diversos aspectos de la Semana Santa desde perspectivas inusuales y críticas. Los temas abordados van desde el análisis de la Carrera Oficial y su comercialización hasta la reinterpretación de la Semana Santa en un contexto moderno, debatiendo si esta resignificación podría revitalizar la festividad o significar su fin. Estos eventos son gratuitos y abiertos al público, ofreciendo una plataforma para explorar y discutir la Semana Santa desde ángulos alternativos​​​​​​​​.

LA EVOLUCIÓN DE LA CARTELERÍA

El cartel de 1984, obra de Rolando Campos, representó un cambio significativo al utilizar una composición de fotografías a modo de collage, en contraste con la tradición de usar fotografías de pasos, vírgenes o cristos para los carteles.

En el siglo XXI, el arte cofrade ha mostrado una mayor apertura hacia el arte contemporáneo. Artistas como Ricardo Suárez, Pérez Villalta, Francisco Betanzos y Manolo Cuervo han contribuido a esta tendencia, creando obras que, aunque no transgresoras en extremo, han sido recordadas por su originalidad y aceptación de formas heterodoxas. La obra de Manolo Cuervo para la Semana Santa de 2022, por ejemplo, con su representación del Santísimo Cristo de la Expiración, El Cachorro, rodeada de colores explosivos, es un claro ejemplo de esta evolución.

El cartel de este año 2024 ha generado controversia debido a su enfoque innovador y rompedor. La obra presenta a un Cristo joven y bello, con un fondo rojo intenso, conocido como «rojo Salustiano». El artista ha utilizado a su propio hijo, Horacio, como modelo para esta representación, buscando transmitir una imagen de pureza y belleza.

La reacción a este cartel ha sido mixta, con críticas de sectores ultraconservadores que lo consideran inapropiado para la solemnidad de la Semana Santa. No obstante, el autor ha defendido su obra como una celebración de la parte más luminosa y espiritual de la Semana Santa, destacando la Resurrección como elemento central. La presentación del cartel contó con la presencia de diversas personalidades, incluyendo al alcalde de Sevilla y representantes de hermandades y cofradías​​​​​

 

EL PASO PARA UN NAZARENO BARROCO QUE DISEÑÓ UN ARTISTA CONTEMPORÁNEO

La obra de Lacomba para la Hermandad del Nazareno de Carmona es un ejemplo de cómo la innovación y la contemporaneidad pueden integrarse en la tradición de la Semana Santa, proporcionando una nueva perspectiva y enriqueciendo el patrimonio cultural y religioso.

En 2008, la Primitiva Hermandad del Nazareno de Carmona presentó un nuevo paso diseñado por el pintor sevillano Juan Fernández Lacomba, conocido por su habilidad para innovar dentro del respeto a la tradición. Es destacable igualmente el diseño de los respiraderos y faldones con galones dorados y plateados formando una trama que juega con el diseño de la cruz de Jerusalén, así como las maniguetas, inspiradas en los relicarios renacentistas, en cristal y plata.

El diseño de Lacomba para el paso del Nazareno de Carmona es notable por su enfoque en la severidad, austeridad y elegancia, alejándose de las ornamentaciones típicas. El paso se concibe como un altar procesional, inspirado en la imagen de Jesús Nazareno, obra de Francisco de Ocampo (1607), y la figura del Cirineo. Los elementos iconográficos incluyen la cruz de carey y plata y las potencias y la corona de espinas de plata.

SEMANA SANTA INSOLITA

El libro «Semana Santa insólita: Delirios y visiones heterodoxas de la Semana Santa de Sevilla», escrito por Eva Díaz Pérez y José María Rondón, es una obra que explora las interpretaciones y experiencias únicas que artistas, escritores, músicos y otros creadores de todo el mundo han tenido con la Semana Santa de Sevilla. Este libro busca rescatar y dar a conocer una faceta menos conocida de la Semana Santa, mostrando cómo esta festividad ha trascendido el ámbito puramente local para inspirar a figuras destacadas de la cultura, las vanguardias, el pop y la contracultura.

Semana Santa insólita' en la Feria del Libro de Sevilla | Andalucía | EL MUNDO

El libro aborda cómo la Semana Santa sevillana ha sido un motivo de inspiración artística mucho más amplio de lo que sugiere la versión oficial o localista. Los autores recopilan experiencias, interpretaciones y creaciones de personajes de renombre en la historia de la cultura que han interactuado con la Semana Santa de Sevilla de maneras inesperadas y sorprendentes.

Entre los personajes destacados que se mencionan en el libro se encuentran poetas como Gustavo Adolfo Bécquer y Luis Cernuda; artistas como Joaquín Sorolla; músicos como Igor Stravinsky y Miles Davis; y fotógrafos como Robert Capa y Brassaï. El libro también incluye a figuras literarias como Federico García Lorca y Marguerite Yourcenar, así como episodios políticos y contraculturales relacionados con la Semana Santa.

LA HERMANDAD DE LOS NEGRITOS: ¿LA MAS HETERODOXA? 

El manto y palio de la Virgen de los Ángeles de la Hermandad de Los Negritos en Sevilla son obras excepcionales que reflejan una mezcla de tradición e innovación en su estética y diseño. El manto y palio actuales fueron diseñados por el artista Juan Miguel Sánchez y bordados entre 1958 y 1964 fallecido en 1973, fue un artista polifacético conocido por su trabajo en múltiples géneros, incluyendo el ámbito cofradiero.

El diseño del manto y palio de la Virgen de los Ángeles es único en su estilo, destacando por su orientación hacia el estilo oriental. El manto fue presentado en 1961 y se caracteriza por su riqueza cromática y detalles excepcionales. Los bordados incluyen ángeles y querubines de marfil, realizados por el taller de Mazuelos y Doblas. Los querubines de marfil que adornan el manto se determinaron como procedentes de un elefante macho de la sabana de África Central. Esta característica le aporta al manto un valor cultural y artístico especial.

La Hermandad de Los Negritos es considerada heterodoxa debido a su origen como una cofradía formada principalmente por personas negras, en un contexto donde la mayoría de las hermandades estaban compuestas por personas blancas y a menudo por la nobleza enfrentándose a la Hermandad más aristocrática, la de la Vorgen de la Antigua. 

Fundada alrededor de 1393 por el cardenal Gonzalo de Mena y Roelas durante su historia, enfrentó conflictos y persecuciones, incluyendo ataques callejeros a pedradas contra el primitivo cristo e intentos de disolución y ocupación por parte de personas blancas, lo que refleja las tensiones raciales y sociales de la época​​​​. Finalmente en el siglo XIX, la hermandad presionada por el Arzobispado admitió a blancos con lo que la composición étnica de la hermandad cambió, reflejando los cambios demográficos y sociales en Sevilla​​​​.

EL NACIMIENTO Y EVOLUCION DEL CANON BARROCO

La Semana Santa de Sevilla ha experimentado una notable evolución estética a lo largo de los siglos, adaptándose a las circunstancias históricas y sociales de cada época. Originalmente, en el siglo XVI, las procesiones eran más primitivas, Yy llevaban música de Minstriles, pero con la llegada de la Reforma de Lutero y el Concilio de Trento, la Iglesia impulsó la representación iconográfica de la Pasión de Cristo como una forma de catequesis visual. Esto dio lugar a las primeras cofradías tal y como las conocemos hoy.

A finales del siglo XVI y principios del XVII, el arte barroco influyó significativamente en la creación de las primeras imágenes procesionales, marcando un estilo que se consolidaría en la Semana Santa sevillana. Sin embargo, a lo largo del tiempo, las cofradías se adaptaron a las diferentes épocas, incluyendo la influencia de la ilustración en el siglo XVIII y las ideas del siglo XIX.

En el siglo XX, figuras como Rodríguez Ojeda, López Farfán o Castillo Lastrucci dieron forma a una Semana Santa renovada que respondía a las necesidades de su tiempo. 

REVISTA NAZARENOS 

La revista «Nazarenos» representa un pilar importante en la evolución de la heterodoxia en la Semana Santa de Sevilla. Esta publicación, creada en pleno auge de las redes sociales y del periodismo digital, se presenta como una alternativa a la cobertura convencional de la Semana Santa, abordando temas que otros medios tradicionales a menudo evitan. Con un tratamiento gráfico en blanco y negro, «Nazarenos» busca ofrecer una visión distinta y más profunda de la celebración, alejándose de los estereotipos habituales en la cobertura de la Semana Santa.

Puede ser una imagen en blanco y negro de texto

Carlos Cabrera y Daniel Marín, ideólogos de la revista, detectaron la necesidad de otro tipo de información cofrade, buscando una manera diferente de tratar las noticias que genera la Semana Santa con un lenguaje distinto.

 

 

 

 

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Pedro Roldán, maestro de maestros imagineros del barroco

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Eñ Archivo Historico Provincial presenta un nuevo documento  del mes sobre la figura de Pedro Roldán, un faro en el panorama artístico andaluz, destacándose no solo por su habilidad escultórica, sino también por su versatilidad en la arquitectura y la pintura. La vida y obra de Roldán, a pesar de ser menos conocida que la de otros contemporáneos, encierran historias fascinantes y un legado que ha marcado profundamente la identidad cultural sevillana.

PEDRO ROLDAN MAESTRO DE MAESTROS 

TESTAMENTO DE PEDRO ROLDAN

Nacido en 1624, Roldán pronto se distingue en el mundo del arte. Su aprendizaje comienza bajo la tutela de su maestro, Alonso de Mena, en Granada, donde absorbe el naturalismo granadino y, posteriormente, en Sevilla, donde se enriquece con la influencia de Juan Martínez Montañés. Sin embargo, Roldán no se limita a seguir las huellas de sus predecesores; él trae un estilo propio, más libre y dinámico, en el que se entrelazan influencias flamencas y clásicas.

El año 1647 marca un hito en su carrera: Pedro Roldán acoge en su taller, ubicado en la collación de San Marcos, a un joven aprendiz llamado Pedro Mauricio, a quien se compromete a enseñar el oficio. Este gesto evidencia no solo su destreza como artista, sino también su habilidad para transmitir su conocimiento y perpetuar su estilo.

La tragedia de la epidemia de peste en 1649, que asola Sevilla y reduce drásticamente su población, trae consigo un cambio significativo para Roldán. La muerte de Martínez Montañés deja a Roldán como el principal referente escultórico en la ciudad, recibiendo encargos de toda índole, tanto de la metrópoli como de otras localidades andaluzas. En este contexto, su obra evoluciona, incorporando elementos barrocos de aire flamenco, gracias a la influencia de Juan de Arce.

Roldán se convierte en un maestro reconocido por su habilidad para trabajar distintos materiales, desde la piedra hasta la madera. Su talento se extiende a la arquitectura y la pintura, colaborando con artistas como Juan de Valdés Leal y Bernardo Simón de Pineda, y realizando obras significativas como las rejas de la Puerta del Príncipe de la Real Maestranza de Sevilla.

Sin embargo, es en su faceta como imaginero donde Roldán deja su huella más profunda. Sus obras para la Semana Santa sevillana, como Nuestro Padre Jesús Nazareno de la cofradía de Nuestra Señora de la O, documentada en 1685, y el Cristo de la Expiración en Écija, reflejan la maestría y el impacto emocional de su arte.

Roldán no solo se dedicó a crear; también formó un prolífico taller, el más grande de su tiempo en Andalucía, que incluía a sus hijos y colaboradores. Este taller se convirtió en un crisol de talento y creatividad, extendiendo su influencia mucho más allá de la vida de Roldán.

Pedro Roldán fallece en 1699, dejando tras de sí un legado artístico invaluable. Su obra se encuentra dispersa por toda Andalucía, en iglesias, conventos y colecciones privadas, siendo testimonio de una época y un estilo que siguen admirándose hoy en día.

Una de las casas de Pedro Roldán actual calle Pedro Duque Cornejo, 22-24 fue adquirida por su nieto, Pedro Duque Cornejo, y con posterioridad, en 1878, sería la casa donde nació Juan Manuel Rodríguez Ojeda el famoso bordador.


Había una fundición de su hermano en la trasera de la finca, donde se realizaron varias de las campanas de la Giralda y la estatua de Velázquez que hoy preside la plaza del Duque.

PedroRoldán cambió mucho de domicilio, arrendando, tomando atributo, comprando o vendiendo casas en las distintas collaciones de la ciudad (principalmente en San Marcos, Santa Marina o La Magdalena), ya fuera para vivir para aumentar el taller o para arrendar.

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Actualidad

San Miguel de Marchena se muestra en el Museo de Bellas Artes de Sevilla hasta el 10 de Marzo

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 El IV Centenario del escultor Pedro Roldán (1624-1699), que se cumple el próximo enero, se celebra con una exposición en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, que podrá verse hasta el 10 de marzo y es la primera antológica que se hace de un artista considerado una de las cumbres de la escultura barroca.

La talla de San Miguel Arcángel de Marchena de Pedro Roldán que preside el altar mayor del templo de San Miguel,  restaurada por el restaurador marchenero José María Calderón forma parte de la exposición sobre Roldán en el Museo de Bellas Artes de Sevilla.

La Virgen de los Remedios va a estar en el altar mayor de San Miguel hasta Marzo del año que viene. 

La autoria de San Miguel de Marchena de Pedro Roldán está ampliamente documentado destaca Juan Luis Ravé, desde que Maria Dolores Salazar en 1949  la documentase y tallase en 1657, esdecir que pertenece a la primera etapa del taller de Roldán. Fue policromada en tres ocasiones como se deduce de la restauración actual realizada  por Calderón explica Ravé.  

Otra talla de San Miguel de Roldan se conservan en San Vicente de Sevilla, «siendo mucho más potente y cláaico el de Marchena en cuanto a su estructura»,  explica Ravé y aún hay un tercer San Miguel del taller de Roldám en la hermandad del Silencio sevillana. 

Para esta muestra Ravé ha documentado un relieve policromado por Valdes Leal, procedente del convento de San Francisco de Sevilla, representando la entrada de Jesús en Jerusalén, que en codiciones normales no es accesible a simple vista.    

PADRE E HIJA, DOS MODELOS DIFERENTES  

Lo interesante de San Miguel de Marchena es compararla la talla del padre Pedro Roldán con el modelo creado por la hija Luis Roldán, que ahora se exhibe en la Galeria de las colecciones reales de Madrid y en el que se cree que La Roldana se retrató a sí misma y que le puso al diablo la cara de su marido del que se había separado, aspecto este no documentado. 

San Miguel de la Roldana. 

San Miguel de Marchena de Pedro Roldán.

«El beneficio que obtiene la Parroquia de San Miguel, con este préstamo es en primer lugar la restauración que la financia Bellas artes y en seguno lugar la catalogación e investigación a fondo de la talla, que aparecerá en el catálogo de la muestra como obra de Pedro Roldán, con lo cual nos va a poner en el mapa. Habiendo consultado al Delegado diocesano de patrimonio ha considero muy apropiada la restauración. Se trata de una restauración integral y la parte que tiene más dañada la talla es la espalda y las alas estaban afectadas» explica el Párroco Daniel Mariño. 

San Miguel de La Roldana. Madrid.

A partir de un modelo creado por Pachecho y desarrollado por Murillo en la pintura, Pedro Roldán se ajusta a ese modelo mientras que su hija La Roldana que se fue de Sevilla para huir del padre y acabócasado con un hombre del que se acabaría separando, La Roldana crea un nuevo modelo en el que el diablo tiene forma de hombre, con cuernos,  alas de muerciélago.

 

La artista le regaló esta obra al rey y gracias a ella conisguió ser la primera mujer en convertirse en escultora de cámara del Rey. Luisa se casó sin el permiso de su padre, y a pesar de que en su tiempo las mujeres no podían firmar contratos ni obras, alcanzó el puestomas alto de la imaginería en su tiempo. 

San Miguel de La Roldana.

San Miguel de Roldán

Consiguió lo que ninguna mujer ha alcanzado en la historia del arte español: ser nombrada escultura de cámara, primero de Carlos II y, tras la muerte de éste y la llegada al trono de los Borbones, también del nuevo rey Felipe V.

Parece que finalmente, en 1695, se le concedió la plaza titular con su correspondiente sueldo, aunque con retrasos, de manera que al parecer la situación económica del matrimonio era bastante precaria.

LA EXPOSICION DE SEVILLA

La exposición podrá visitarse a partir del jueves 30 de noviembre e irá acompañada de un programa de actividades divulgativas, como las visitas guiadas, organizadas en colaboración con Fundación ‘la Caixa’ y la Asociación Amigos del Museo, y dirigidas a grupos de escolares, otros grupos y público general, o el Ciclo de conferencias ‘Mirar un cuadro’, en el que un profesional relacionado con el ámbito artístico explica una obra de la colección del museo.

¿El verdadero rostro de La Roldana está en su talla de San Miguel?

Pedro Roldán llegó en 1647 a Sevilla y fue alumno de esta academia de Murillo, y del escultor granadino Alonso Mena. Su taller estuvo en la calle de Valderrama, en el barrio de San Marcos. Vivió y trabajó posteriormente en la calle Duque Cornejo 22-24, cercana a la calle San Luis, y en las calle Tetuán y O’donnell , bautizando sus hijos en la Iglesia de la Magdalena, estando enterrado en la Iglesia de San Julián.

Estas sesiones tendrán lugar los días 17 de diciembre -José Roda. Nuevas aportaciones sobre Pedro Roldán-, el 21 de enero -José Luis Romero. Contexto familiar y laboral de Pedro Roldán- y el 18 de febrero -Francisco Herrera. La obra de Pedro Roldán y el retablo de su época-.

Investigación: San Miguel tuvo un hospicio y una hermandad del mismo nombre en 1550

Esta antología reúne 44 obras de las que la mayor parte nunca han salido de los lugares para los que fueron expresamente encargadas, 36 de las cuales son del propio Roldán, dos de su hija Luisa Roldán «La Roldana» y el dibujo «Retrato de Pedro Roldán» de Ricardo Villodas y de la Torre, cedido por el Museo del Prado.

También se ha reunido una pintura de Francisco Meses Osorio, «San José con el Niño»; y otra pintura anónima titulada «Cristo de los Dolores de San Francisco de Asís y Santa Teresa de Jesús»; y el grabado «Triunfo de San Fernando», de Valdés Leal, que contextualizan las esculturas mostradas junto a documentos históricos, como la partida de nacimiento de Pedro Roldán.

La guerra contra los conversos, el huerto, el hospital y la capilla de San Miguel

Se han restaurado -o sometido a algún tratamiento de consolidación previa a su traslado al museo- un total de 16 obras. Entre ellas se encuentran el óleo de Meneses, la pintura del anónimo madrileño, la ‘Santa Ana y la Virgen niña’, del monasterio de Santa Ana de Montilla (Córdoba), el relieve de la ‘Sagrada Entrada de Jesús en Jerusalén’, de la Parroquia del Sagrario de la Catedral de Sevilla, o la talla de ‘San Juan Bautista’ de la Hermandad de Jesús Nazareno de la Iglesia de San Juan Bautista de Écija (Sevilla).

Cristo de la Caridad.

Cristo de la Caridad.

Precisamente, esta última imagen, que se creía desaparecida, y que ahora se exhibe en ‘Pedro Roldán, escultor’, ha sido documentada durante el proceso de investigación y documentación de la muestra, que ha permitido a su vez algunas atribuciones con solidez, como la del ‘Nacimiento’, hacia 1675, procedente de la Escuela de Cristo de la Natividad de Sevilla.

También hay piezas de Ecija como la Virgen del Patrocinio de la iglesia de Santa Bárbara, el Crucificado de la sacristía de la de San Juan y el San Juan Bautista de esta misma iglesia.

Una de las piezas mayores de la muestra es otro Cristo de los Dolores, el que Pedro Roldán hizo para el hospital del Pozo Santo, un centro de caridad de la época del escultor que sigue activo, al igual que sigue prestando servicio el sevillano Hospital de la Caridad, para el cual esculpió un Cristo que también forma parte de esta exposición, como una de sus piezas centrales.

Esta doble circunstancia de ser imágenes concebidas para el culto y para espacios religiosos y hospitalarios que siguen en activo y que lo han estado desde que estas imágenes salieron del taller de Pedro Roldán han servido al comisario de la muestra, el catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Sevilla José Roda, para afirmar que estas imágenes «no son reliquias del pasado».

La ermita y hospital de San Miguel, el origen del barrio más poblado

La muestra tiene un particular diseño, el haber agrupado todas las obras en una sala -la mayor del museo sevillano, iglesia del antiguo convento- para tratar de evocar el ambiente de un taller del siglo XVII, según ha explicado a los periodistas el autor de esta distribución de las piezas, el catedrático de dibujo Juan Suárez.

Suárez ha tratado de crear «un espacio ficticio» dentro del propio museo -las paredes de la sala aparecen semiocultas por unos grandes velos blancos casi transparentes-, de modo que el visitante recorre la sala entre esculturas, dejándolas delante, atrás y ambos lados para lograr el efecto perseguido por Suárez, el de tener una visión también lateral y posterior de las esculturas aunque se preste atención a una sola de ellas.

Con esta distribución, que no carece de finalidad pedagógica, también se pueden descubrir nuevas visiones de la piezas, muchas de las cuales, por están concebidas para retablos o altares, nunca se han visto por detrás, de ahí que Suárez haya destacado la emoción que produce ver al Cristo de la Santa Caridad -arrodillado y orando, ya cautivo- de espaldas y comprobar cómo muestra unas plantas de los pies lastimadas y sucias.

Con motivo de la exposición, que ha sido presentada por el consejero andaluz de Cultura, Arturo Bernal, y la directora del Museo, Valme Muñoz, han sido restauradas 16 piezas, entre ellas el relieve de la «Sagrada entrada de Jesús en Jerusalén», de unos tres metros de longitud y que reúne un total de 32 figuras o perfiles de una llamativa policromía.

También ha sido restaurada la talla de «San Juan Bautista» de la Hermandad de Jesús Nazareno de Écija, una imagen que se creía desaparecida y que ha sido documentada durante el proceso de investigación y documentación previo a la muestra. 

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Actualidad

Profesionales del turismo de lujo de varios países visitarán Marchena este Viernes

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Del 11 al 14 de septiembre, Málaga  acoge una congreso internacional de 80 empresas de los cinco continentes, del sector del lujo en torno al cincuentenario de Picasso, un encuentro empresarial Busines to Busines para agentes y diseñadores de viajes premium de todo el mundo.

Tambien participan 80 empresas andaluzas de hoteles, proveedores de experiencias y otros servicios, siendo en su mayoría de Málaga siendo considerado el encuentro como el más importante de este año para el turismo andaluz. 

El turismo de lujo está viendo un aumento de las ventas futuras un 39% más que en 2022 y un 107% más que en 2019 respectivamente. A corto plazo, se estima que los principales destinos para viajes de otoño incluyen España, Italia y Francia, como principales en Europa.

Además de la parte profesional, el Picasso Celebration Málaga Event contará con un programa social que servirá para conocer más a fondo el destino Andalucia y su potencialidad para el segmento premium y de lujo.

El grupo llega a Marchena este viernes 15 de septiembre visitando el Arco de la Rosa a las 12,40 expo Coullaut Valera, almuerzo y visita guiada de Marchena, a la Iglesia de San Juan Bautista, Casa Fábrica, Ronda de la Alcazaba, Palacio Ducal, y Plaza Ducal. 

El evento forma parte de las actividades conmemorativas por el cincuentenario de la muerte de Pablo Picasso, con el objetivo de promocionar la ciudad a nivel mundial.

https://www.picassocelebrationmalagaevent.com/

La casa natal y el Museo Picasso Malaga están desempeñando un papel vital en los 50 años de la muerte de Picasso. Se llama Picasso Celebration 1973-2023 y ha conseguido algo inédito en el mundo del arte al reunir a los gobiernos de España y Francia para organizar 50 exposiciones en Europa y Estados Unidos.

Tres de ellos se celebran en Málaga, trasladando la celebración de uno de los artistas más importantes del siglo XX a su tierra natal. lAdemás se celebran los 20 años del Museo Picasso de Málaga.

https://www.museopicassomalaga.org

La primera de las tres grandes exposiciones está actualmente abierta en el MPM y presenta la mayor colección de esculturas de Picasso jamás realizada en España. 

Recientemente se inauguró la segunda gran exposición en el museo casa natal de Casa Natal. Las Edades de Pablo es un recorrido cronológico por las obras que marcaron la vida del artista. Puede verse Hasta el 1 de octubre de 2023en el Museo Picasso de Malaga. 

Una vez finalizada la citada exposición, comenzará la segunda en el MPM, el próximo 1 de octubre muestra la influencia del pintor en el arte posterior a la Segunda Guerra Mundial, en maestros como Antonio Saura y también en las generaciones más jóvenes.

Picasso nunca hubiera imaginado que 50 años después de su muerte se habría convertido en la marca Málaga.

 

LA MALAGA DE PICASSO

Algunos de los íconos más reconocidos de Picasso, como el flamenco, las palomas y los toros, tienen sus raíces en esta ciudad. El recorrido picassiano comienza en la Plaza de la Merced, donde nació Picasso, y que ahora alberga la Fundación Picasso-Museo Casa Natal, con una rica colección de arte. Otros lugares notables de Picasso en Malaga en esta ruta incluyen la farmacia Bustamante, la iglesia de Santiago donde fue bautizado, y el Museo Picasso Málaga en la calle San Agustín, que alberga una extensa colección de más de 230 obras de Picasso, donada por su familia.

 

Pablo Picasso tuvo una relación profunda y apasionada con el mundo de los toros, desde muy pequeño muestra la intensidad de color y movimiento en obras que representan la confrontación entre el toro, el torero, el picador y el caballo desde sus primeras representaciones en Málaga hasta las confrontaciones más violentas y crueles de las décadas de los años veinte, treinta y cuarenta, donde el toro se convierte en un ente monstruoso hasta su aparición en el Guernica de Picasso. 

El Museo Casa Natal Picasso, de Málaga es la misma casa donde nació y vivió Picasso durante sus primeros años. Esta casa se encuentra en las denominadas Casas de Campos de la Plaza de la Merced. Dentro del museo, se pueden encontrar objetos y recuerdos relacionados con la infancia y la familia Picasso apellido de origen Genovés. 

Entre las obras destacadas se encuentra el cuaderno de dibujos preparatorios de Picasso para su obra «Las señoritas de Aviñón», una pieza única de este tipo de bocetos que datan de 1908 piezas de José Ruiz Blasco, padre de Picasso y pintor y profesor de la Escuela de Bellas Artes de Málaga centro de documentación que incluye una biblioteca especializada en la vida y obra de Picasso.

El precio de entrada al Museo Casa Natal de Picasso en Málaga es de 4,00 €. La entrada combinada incluye el acceso tanto al Museo Casa Natal como a la exposición temporal.

Para los amantes del arte y del cubismo, un recorrido por Málaga revelará lugares claves que marcaron la infancia y juventud del pintor, como su Casa Natal en la Plaza de la Merced y el Museo Picasso en el Palacio de Buenavista. Estos lugares no solo muestran la obra de Picasso sino también el entorno que influyó en su desarrollo como artista.

  LA CORUÑA

«La Voz de Galicia», en una crítica del 21 de febrero de 1895 sobre una exposición de Picasso en A Coruña con 13 años, expresó “alcanzará días de gloria y un porvenir brillante”. Aquí murió Conchita, la hermana pequeña de Pablo. 

Cuando Conchita enfermó, varias fuentes afirman que Picasso hizo un pacto con Dios. Esta promesa fue que, si Dios salvaba a Conchita, él dejaría de pintar. Sin embargo, desafortunadamente, Conchita falleció. Picasso, que en ese momento tenía solo 13 años, llegó a creer que Dios había optado por valorar su talento artístico por encima de la vida de su querida hermana. Conchita murió el 10 de enero de 1895, a la edad de 7 años, a causa de angina diftérica. 

El profundo dolor de Picasso por la muerte de su hermana y su percepción de haber roto un pacto con Dios influenció su trabajo durante toda su vida. Picasso llevaba consigo una relación íntima con la muerte, la cual se puede ver reflejada en varias de sus obras.

Picasso pudo cumplir su sueño de viajar a París gracias al sacrificio económico de sus padres. En la capital francesa, Picasso experimentó la bohemia francesa y conoció a sus primeros marchantes. Un evento traumático durante este período fue la muerte de su gran amigo Casagemas, lo que influenció la «época azul» de Picasso. Más tarde, su visita al pueblo catalán de Gósol desencadenó una de sus obras más revolucionarias: Las señoritas de Avignon.

 

BARCELONA

 

 Picasso recibió su formación en la escuela de dibujo de la Llotja donde comenzó a desarrollar y perfeccionar sus habilidades artísticas y en Els Quatre Gats, sus dibujos fueron expuestos por primera vez. El local también sirvió como punto de encuentro para los artistas emergentes. El Museo Picasso de Barcelona alberga más de 3.800 obras del artista, de su periodo de formación y juventud. 

 

 

En 1906, Picasso se alojó en Gósol junto a su pareja y musa del momento, Fernande Olivier donde se ha abierto otro museo dediiicado a Picasso si embargo  el propio artista dijo «Todo lo que sé, lo he aprendido en Horta de Sant Joan». El paisaje, la arquitectura y la historia de Horta sirvieron como inspiración para muchas de sus piezas. Aqui en 1909, Picasso llegó a realizar unas setenta obras, que marcaban la transición de sus etapas rosa y azul y la consolidación del cubismo.

 

Picasso vivió en Horta de San Juan en 1898, invitado por su amigo Manuel Pallaré pintando en la zona boscosa de Els Ports lo que le dejó una profunda impresión. Vivieron de manera salvaje en comunión con la naturaleza, como hombres primitivos alojados en cuevas. 

 

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Arte

La bandera de Marchena y sus otras banderas «hermanas» en los pueblos del Estado de Arcos

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La bandera y escudo de Marchena que luce en la rotonda de la Guardia Civil está basada en el Escudo de la Casa de Arcos, con un león propio de la casa real leonesa y las barras de Aragón, anagrama de los Ponce de León con las tres flechas símbolos del patrón San Sebastián. Muchos escudos y banderas de los municipios que fueron de la Casa de Arcos sigue este mismo patrón. 
Archivo:Escudo de Marchena (Sevilla).svg - Wikipedia, la ...El 18 de diciembre de 1309 Fernando IV de Castilla, que se hallaba en el sitio de Algeciras, concedió Marchena a Fernando Ponce de León, bisnieto del rey Alfonso IX de León, como recompensa por los servicios prestados al monarca durante el asedio de Algeciras. El I Duque concedió a los caballeros de Marchena que iban con él a la batalla tierras para levantar sus viviendas en la calle Doctor Diego Sánchez, contigua al castillo.
«Por facer bien é merced á vos don Fernando Perez Ponce mio vasallo, é por muchos servicios é bonos que me vos siempre fecistes é facedes, tengo por bien de vos dar Marchena con su pueblo por juro de heredad para vender é empeñar, é cambiar, é enagenar, e para facer de ella é en ella lo que vos quisieredes».
Fernando Pérez Ponce de León I señor de Marchena era hijo segundo de Fernán Pérez Ponce y de Urraca Gutiérrez de Meneses, responsable de la implantación del linaje de los Ponce de León en Andalucía tras el matrimonio en 1303 en Sevilla  con Isabel de Guzmán, hija de Alonso Pérez de Guzmán el Bueno y de Beatriz Ponce de León, hermana de Fernando, con Juan Alonso de Guzmán Duque de Medina Sidonia.
La dote de boda Incluía además las villas de Rota y Chipiona, la mitad de la de Ayamonte y 100.000 maravedís de juro anuales sobre las rentas de Marchena, empeñadas por la Corona. Además consiguió en 1304 las aldeas de Bornos, Fatetar, Carissa y Santiago de Cristo, término de Arcos. En 1313 entró en la Hermandad General de Andalucía para tomar partido por María de Molina Reina consorte de Castilla durante el reinado de su esposo Sancho IV «El Bravo» (hijo de Alfonso X ), regente con su hijo Fernando IV y su nieto Alfonso XI.
Ficheru:Escudo de Mairena del Alcor (Sevilla) 2.svg - Wikipedia
La bandera o escudo de Mairena del Alcor suma al emblema del Estado de Arcos el de su patrón San Bartolomé cuya imagen fue hecha por Luis de Peña en 1627 restaurada por Pedro Roldán en 1694 a quien rinde culto la hermandad sacramental que también tiene entre sus titulares de la Virgen del Rosario y Dulce Nombre. Sin embargo la patrona de Mairena como en Ubrique, es la Virgen de los Remedios devoción impulsada por el IV Duque de Arcos, ligada a la fundación de los conventos capuchinos de dichos municipios y de Marchena.  
El Señor de Marchena, Pedro Ponce el Viejo construyó el Castillo de Luna, la Casa Palacio de los Duques de Arcos, la Iglesia de Santa María de la Asunción, entre los siglos XIV y XV de donde surje la trama urbana de Mairena del Alcor.
Al igual que sucede con el Arco de la Rosa de Marchena, de los mismos mecenas y época, este castillo de Luna se ha tenido por islámico pero insisten los expertos que no lo es; fue reconstruído en el XIV. 
Archivo:Escudo de El Bosque.svg
En el escudo del Bosque también conocido como marchenilla encontramos las armas de los Ponce de León mas un bosque.
En 1490 Rodrigo Ponce de León, señor de Marchena recibe de los Reyes Católicos la Sierra de Cádiz y lo convierte en su lugar favorito de caza, construye allí un palacete y alrededor surge el pueblo, con las viviendas de sus servidores y le dá el nombre de Marchenilla. El bosque de Benamahoma era un notable asentamiento musulmán dándole las tribus y clanes bereberes allí instalados su nombre a los pueblos de la sierra.   
Uno de los duques levantó un palacio como lugar de descanso y cacería en el “Palacio del bosque de Benamahoma”, donde está ahora El Bosque. Requería un gran número de criados, ojeadores para montería. Ante la imposibilidad de que todos estuvieran viviendo en el Palacio, fueron edificándose diversas casas en sus alrededores por los criados de los duques al que llamaron Marchenilla, derivado de Marchena.
Museo del Queso de El Bosque
El hielo llegaba a Marchena y Sevilla cada noche -especialmente en las épocas de más calor- desde los pozos de nieve propiedad del Duque que existían al menos desde 1629 en la  Sierra del Pinar, y San Cristóbal en Grazalema con 1654 metros, dentro del Señorío de Villaluenga máxima altura de la provincia de Cádiz y también de Andalucía occidental. 60 cargas de nieve al año valoradas en 16.000 reales anuales se enviaban al Palacio Ducal de Marchena y el resto se vendía en Morón, Arahal, Olvera, Carmona, Sevilla, Jerez y Cádiz. 
Perro de Agua Español de Ubrique
La raza de perros de agua o turco andaluz se considera propia de la Sierra de Cádiz en cuyos municipios como Ubrique o Grazalema se ubican los criadores y vendedores, ya que aquí se encuentra la raza más pura y así esta internacionalmente reconocido por los numerosos compradores de todo el mundo que acuden aquí a adquirir estos perros.
Archivo:Escudo de Villaluenga del Rosario.svg
Igualmente el escudo de Villaluenga del Rosario es el de la Casa de Arcos con un Rosario, patrona de la villa también incluída en la Casa de Arcos. Ocupada por los árabes del 716 hasta 1485, año en que Rodrigo Ponce de León ya Marqués de Cádiz se lo tomó a los árabes. Según un privilegio fechado en Jaén el 11 de enero de 1498, Villaluenga fue la capital del señorío de las siete villas (Benaocaz, Grazalema, Ubrique, Archite, Cardela y Aznalmara, además de Villaluenga). En 1501, tras el levantamiento de Sierra Bermeja, sometidos los moriscos de la zona doña Beatriz de Pacheco, viuda del Duque encargó a Juan de Ayllón  poblar la serranía con 317 vecinos de Marchena, Arcos, Bornos, Villamartín, Espera, atraídos especialmente por el reparto de tierras. 
Archivo:Escudo de Ubrique.svg
La bandera o escudo de Ubrique es la del Estado de Arcos con los elementos propios del trabajo de la piel tradicional de la localidad.
En época musulmana tuvo fortaleza llamada Cardela, que hoy en día se llama Castillo de Fátima. Fue conquistada en 1485 por Rodrigo Ponce de León, Duque de Arcos, pasando en 1490 a pertenecer a la casa de Arcos. En 1501 se inicia la repoblación y se empieza a consolidar el núcleo del que crecería Ubrique.​ Ya en el siglo XVIII se instalan múltiples fábricas de piel que siguen la tradición musulmana de la marroquinería. El Convento de Capuchinos, fundado por el Duque de Arcos se ha convertido en centro de exposición permanente “Manos y Magia en la piel
Archivo:Escudo de Grazalema.svg
Igualmente Grazalema conserva en su escudo intacto el de la Casa de Arcos que conquista la ciudad en 1485, llamándose Zagrazalema, fue conquistada por Rodrigo Ponce de León a favor de los cristianos.
El reparto de la tierra que proclamaba el I duque de Arcos, marcó el origen de la repoblación de la Villa de Grazalema. La situación señorial se prolongó hasta el siglo XVIII, tomando gran auge económico en el siglo XVII gracias a la industria de pañería que producía la famosa manta de Grazalema.

 

 

Como aldea, Benaocaz la fundaron los árabes en el año 715, estando bajo dominación islámica hasta que fue reconquistada a favor de los cristianos en 1485 por Rodrigo Ponce de León- Conserva los restos del barrio nazarí con su antiguo empedrado y ha sido declarado conjunto histórico.  La parte más antigua de Benaocaz, de claro origen medieval, y una de las zonas de estas características mejor conservadas de la comarca, una de las últimas áreas de dominio musulmán que no caería en manos cristianas hasta la Guerra de Granada.
Archivo:Escudo de Benaocaz.svg

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Actualidad

El cine iniciático: De Buñuel a Jodorowsky pasando por Fellini

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Luis Buñuel aportó al cine la incorporación del surrealismo al cine siendo su obra una de las mayores en el cine surrealista.  Buñuel utilizó el cine como un instrumento de subversión, lo cual fue una contribución única en su tiempo. Esta actitud abrió las puertas a discursos más radicales y desafiantes dentro del cine europeo. 

Buñuel habló del cine como un «instrumento de poesía», algo que fue considerado adelantado. Aunque no es el único, Buñuel contribuyó a la riqueza del cine que se centra en narrativas psicológicas y su impacto sigue siendo palpable hoy en día.

Luis Buñuel, exiliado en México desde 1946 casi por casualidad realizó más de 20 películas en el país, muchas de las cuales se han convertido en clásicos del cine.

Un perro andaluz (1929) inicia su estlo surrealista y fue escrita por Buñuel y Dalí. En 
Viridiana (1961) hace una crítica social y en  Belle de Jour (1967) habla sobre una mujer casada que se convierte en prostituta mientras en el ángel exterminador (1962) un grupo de personas de alta sociedad no pueden salir de una habitación tras una cena.
El discreto encanto de la burguesía (1972): Satiriza la hipocresía y la vacuidad de la clase alta.

 

Fellini tenía un interés notable en lo sobrenatural, el ocultismo, la magia, la parapsicología, y los médiums. También se interesaba por los astrólogos y telépatas.

El mismo veía al artista como un tipo de médium: una vasija que se llena de sueños, fantasías, ideas y sentimientos, que luego se convierten en arte. Incluso tuvo contacto con el mundo de los espectros vía médiums, que consideraba un ensanche de su propia espiritualidad.

Es a menudo descrito como un «mago» en el contexto del cine debido a su habilidad única para crear mundos imaginativos y contar historias en una manera magistral y trabajar sin guión. 

En cuanto a lo «parasicológico»,  el carácter surrealista, introspectivo, y a veces onírico de muchas de sus películas podría interpretarse como una especie de búsqueda de lo «otro», de lo que está más allá de la realidad tangible.

 Su obra a menudo revela una mirada satírica hacia la sociedad, especialmente en películas como «La Dolce Vita». Fellini mezclaba lo onírico con lo real, buscando que el cine fuera, a su manera, una pintura maestra.

 Criado en un entorno católico, su cine está poblado de arquetipos cristianos. Sin embargo, Fellini no se limitó al catolicismo; también mostró interés en el psicoanálisis, el onirismo, y lo sobrenatural.

 

«La Dolce Vita» lanzada en 1960, generó una «furibunda reacción» por parte de la Iglesia Católica, lo cual dio lugar a debates al abordar temas que desafiaron y cuestionaron el papel de la religión, lo que llevó a una compleja relación con la Iglesia Católica que con el tiempo ha ido evolucionando.

La obra de Fellini fue vista por la Iglesia como una crítica a la decadencia moral y a la frivolidad que se habían apoderado de la sociedad. Sin embargo, algunos argumentan que la película diagnosticaba con agudeza «la derrota social del catolicismo a manos de la frivolidad.

 

Mostró una profunda influencia de Freud en su obra, especialmente en la película «Ocho y Medio. Esta película explora los recuerdos, los sueños y las fantasías del protagonista, reflejando los conceptos freudianos de la interpretación de los sueños y el subconsciente.

Fellini también exploró conceptos oníricos, la terapia y incluso el uso de sustancias como el LSD, que algunos consideran tener raíces en las teorías psicoanalíticas. Freud y sus ideas sobre la importancia de los sueños se citan específicamente en relación con la «filosofía de los sueños» que Fellini aborda en su cine.

En 1984, Fellini viajó a Tulum, México, con la intención de rodar una película. Sin embargo, este proyecto cinematográfico nunca llegó a concretarse. En lugar de dejar que la idea muriera, Fellini decidió convertir su guión en un cómic con el dibujante Milo Manara, resultando en la novela gráfica titulada «Viaggio a Tulum».

Se reunió con el escritor Andrea De Marco y buscaba encontrarse con Carlos Castaneda que habia escrito un lubro sobre Don Juan. Alejándose de los relatos de Castaneda, Manara y Fellini proyectaron hasta la estratósfera el mundo del chamanisno mexicano al “resucitar” a una antigua raza de videntes toltecas.

Alejandro Jodorowsky y Carlos Castaneda se conocieron casualmente en México. Jodorowsky incluso iba acompañado de una rubia con la esperanza de que sus encantos persuadieran a Castaneda para rodar una película sobre ‘Las enseñanzas de Don Juan’.

Carlos Castaneda, autor del libro «Las enseñanzas de Don Juan,» ha tenido un impacto significativo en la cultura popular y también en la industria cinematográfica. Aunque no se ha llevado a cabo una película directamente basada en las enseñanzas de Don Juan, el personaje ha influido en otras obras de cine. Los diálogos entre el Maestro Yoda y Luke Skywalker en «Star Wars» se consideran un eco de los encuentros entre Don Juan y Carlos Castaneda, algo que el creador George Lucas ha reconocido.

Carlos César Salvador Arana Castañeda, llegó a inspirar a músicos como Jim Morrison y fue un escritor y antropólogo peruano nacionalizado estadounidense más conocido por su serie de libros que describen su formación en chamanismo, principalmente a través de un mentor llamado Don Juan.

Sus libros que describen su entrenamiento en chamanismo y las enseñanzas del mago indio Don Juan contribuyó significativamente al movimiento New Age y fue objeto de controversia, principalmente por las preguntas sobre la autenticidad de sus relatos y sobre su relación con el misticismo y la espiritualidad.

El primer intento de adaptar las enseñanzas de Don Juan al cine lo tuvo Federico Fellini que consideró filmar una película inspirada en el libro, incluso llegando a entrevistar a Carlos Castaneda dentor del proyecto Viaje a Tulum. Otro proyecto, que involucraba a Levine, planeaba contar con las actuaciones de Anthony Quinn y Mia Farrow, pero la película finalmente no se realizó

Años después, en 1994, el director Alejandro Jodorowski proyectó rodar una película basada en «Viaje a Tulum».

Novelista y director de cine y teatro su cine pretende ser terapéutico y Espiritual y su cine es como un «viaje», tanto literal como simbólico, donde el espectador puede embarcar en una travesía de autoconocimiento y descubrimiento. Sus películas están llenas de elementos surrealistas, arquetípicos y simbolismos ocultos, que él llama «cine psicomágico».

Hasta nuestros dias Jodorowsky no ha cesado de producir peliculas como  La Danza de la Realidad (2013) Santa Sangre (1990), Un thriller psicológico que explora la fe y la religión,  La Montaña Sagrada (1973), El Topo – Una película de culto que mezcla western y misticismo y Fando y Lis (1968) – Su ópera prima, trata de un romance apocalíptico y sadomasoquista.

Las enseñanzas de Alejandro Jodorowsky pasan por la Psicomagia técnica que mezcla psicoterapia y rituales chamánicos para sanar problemas emocionales el Cabaret Místico un libro que resume sus 35 años de enseñanzas sobre espiritualidad y psicomagia.

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